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MITsp lança plataforma com programação inédita e de acervo

Réquiem, direção de Romeo Castellucci, abre programação. Foto: Pascal Victor/ArtComPress

 

Pensamento em Processo com elenco de Isto é um negro? está disponível na plataforma. Foto: Nereu Jr

O ano era 2014. Na plateia cheia do Auditório Ibirapuera, no Parque Ibirapuera, em São Paulo, muita gente conhecida da cultura. Havia um burburinho, pairava um clima que era uma mistura de ansiedade e entusiasmo. Há muito tempo, talvez desde os festivais de Ruth Escobar, que o Brasil não tinha um festival internacional na dimensão que se projetava a MITsp – Mostra Internacional de Teatro de São Paulo, sob a direção de Guilherme Marques e Antonio Araújo.

Naquele ano, além da abertura com Romeo Castellucci e o seu Sobre o conceito de rosto no filho de Deus, vimos espetáculos de nomes como Mariano Pensotti, Guillermo Calderón, Rodrigo Garcia, Angélica Lidell, Marcelo Evelin. Só para citar alguns. Quem não tinha ingresso garantido, como era o nosso caso, já que estávamos contratadas para fazer críticas, enfrentava filas gigantescas, três horas de espera para conseguir o tíquete para ver os espetáculos.

Acompanhamos ainda, talvez o grande diferencial da MITsp desde aquele ano inicial, uma programação crítica e reflexiva com uma potência que era… incrível. Sei o peso do adjetivo, mas escolho usar com consciência, não encontro outro nome olhando para trás. Debates a partir dos espetáculos com pessoas de outras áreas que não o teatro, conversas com todos os encenadores, publicação de críticas diárias, um catálogo, com textos de vários acadêmicos.

Lembro que, depois daqueles dias, do tanto de troca que aconteceu naquele curto período, voltamos ao Recife com a sensação de que tinha rolado uma pós-graduação inteira. A cabeça fervilhava. Dali surgiu, por exemplo, a DocumentaCena – Plataforma de Crítica.

Nunca mais deixamos de acompanhar a MITsp como críticas e, durante alguns anos, como equipe de produção, já que eu assumi a coordenação de conteúdo editorial da mostra durante três edições: 2017, 2018 e 2019. Claro que sempre fizemos a propaganda do quão importante seria ter mais pernambucanos acompanhando a programação da MITsp. E voltávamos com as malas pesadas, carregadas de catálogo para quem pedia.

A distância, os custos financeiros, a disponibilidade de tempo para se ausentar da cidade por um período mais longo, sempre foram impeditivos para que tivéssemos mais pernambucanos vivendo essa experiência conosco.

Com a pandemia, o fechamento dos teatros, o suporte da internet, as coisas mudaram. A partir desta sexta-feira (12), começa a programação da MIT+ (www.mitmais.com), um dos braços do festival, que é uma plataforma virtual de conteúdo de arquivo e de outros inéditos. O acesso é gratuito, sendo necessário apenas um cadastro. Para as exibições de espetáculos, no entanto, há horários pré-definidos, assim como um festival tradicional. O acervo de encenações não fica disponível por todo tempo.

“Democratizar o acesso a todo esse arquivo era uma ideia de 2016. A gente também queria conhecer o público da MIT, uma informação muito importante, para saber onde estávamos chegando, para ter um canal mais direto”, explica Natalia Machiaveli, idealizadora e diretora da plataforma. “Queremos disponibilizar todo o acervo da parte reflexiva e pedagógica, porque os espetáculos temos sempre uma questão de direitos autorais. Essa disponibilização vai ser ao longo do tempo, porque estamos reeditando, fazendo legendas, dando a cara da MIT+, o que leva um tempo e tem um custo”, complementa.

A abertura dessa programação inicial é com Réquiem, versão de Romeo Castellucci para a missa fúnebre de Mozart, com orquestração do maestro Raphael Pichon. Depois do espetáculo, será exibida uma entrevista feita por Julia Guimaraes com o encenador italiano sobre sua trajetória.

A artista em foco da edição é a sul-africana Ntando Cele que, em 2018, apresentou Black Off. Imagina a imagem de uma negra, pintada de branco, peruca loura, como apresentadora de um talk show, querendo fazer piada com a plateia sobre racismo. Foi um dos principais destaques daquela edição, que será reexibido agora, ao lado do inédito Go Go Othello, onde a artista faz um paralelo com Otelo e intercala cenas de stand-up, videoarte, dança e música, perpassando a história de artistas negros, questionando os estereótipos racistas no mundo da arte. Ntando Cele vai conduzir ainda um workshop, uma residência e vai participar de uma conversa com a filósofa Denise Ferreira da Silva e a bailarina Jaqueline Elesbão.

Go Go Othello. Foto: Manaka Empowerment

A sul-africana Ntando Cele apresenta o inédito Go Go Othello. Foto: Manaka Empowerment

Janaina Leite, artista em foco na MITbr (braço com a programação nacional na mostra) no ano passado, abre o processo de Camming – 101 Noite. Janaina faz um paralelo entre o livro As Mil e umas Noites e as camgirls profissionais, que precisam garantir a atenção dos clientes. Depois das exibições, no dia 14 de março, vai acontecer também uma conversa sobre o processo de criação.

Da programação do acervo disponibilizada na plataforma e aberta a qualquer momento, há mesas e debates que fizeram parte dos eixos Olhares Críticos e Ações Pedagógicas, como uma conversa com o elenco de Isto é um negro? e todas as edições da Revista Cartografias, catálogo da mostra, além de conteúdos inéditos.

PROGRAMAÇÃO:

ESPETÁCULOS

Réquiem
Em sua versão de Réquiem, o encenador italiano Romeo Castellucci faz da missa fúnebre de Mozart um espetáculo de celebração à vida. O espetáculo é conduzido pela orquestração do maestro Raphaël Pichon, que faz uma costura entre a composição original e outras peças sacras, menos conhecidas, do compositor austríaco.
Quando: 12, 13, 14 e 15 de março, às 19h
Duração: 1h40min

Ntando Cele apresentou Black Off na MITsp 2018. Foto: Guto Muniz

Black Off
A sul-africana Ntando Cele aborda e enfrenta estereótipos racistas. Na primeira parte do espetáculo, numa espécie de comédia stand-up, a performer assume o seu alter ego, Bianca White, uma comediante, viajante do mundo e filantropa. Depois, numa mistura de performance musical e vídeo, Ntando passa a destrinchar estereótipos de mulheres negras e tenta descobrir como o público a vê.
Quando: 13, 14, 15, 16 e 17 de março, às 21h
Duração: 1h40min

Go Go Othello
Para discutir o espaço do negro no meio artístico, Ntando Cele faz um paralelo com Otelo, o mouro de Veneza, um dos raros protagonistas negros da história do teatro. Ela intercala cenas de comédia stand-up, performance, videoarte, dança e música num ambiente que remete a uma casa noturna. A sul-africana perpassa a história de artistas negros e se transforma em personagens diversos para questionar estereótipos racistas no mundo da arte.
Quando: 16, 17, 18, 18, 20 e 21 de março, às 20h
Duração: 1h20min

Descolonizando o conhecimento
Na palestra-performance, Grada Kilomba faz um apanhado de seu próprio trabalho e utiliza vários formatos, de textos teóricos e narrativos a vídeo e performance, para questionar as configurações de poder e de conhecimento.
Quando: 17 e 18 de março, às 18h
Duração: 1h10min

Entrelinhas
Num diálogo entre o passado e o presente, a coreógrafa e intérprete Jaqueline Elesbão discute a violência contra a mulher e evidencia como a voz feminina, em especial a da mulher negra, é historicamente silenciada dentro de uma sociedade machista e de mentalidade escravocrata.
Quando: 19, 20, 21, 22, 23 e 24 de março, às 20h
Duração: 30min

O encontro. Foto: Stavros Petropoulos

O encontro, de Simon McBurney. Foto: Stavros Petropoulos

O Encontro
Por meio de tecnologias de som, o inglês Simon McBurney leva o espectador a uma imersão pela Amazônia brasileira. Inspirado no livro Amazon Beaming, de Petru Popescu, ele conta a história de um fotógrafo que, no fim dos anos 1960, se viu perdido em meio à terra indígena do Vale do Javari.
Quando: 25, 26, 27, 28, 29, 30 e 31 de março, às 20h
Duração: 2h17min

sal., espetáculo de Selina Thompson, visto na MITsp 2018, está na programação. Foto: Guto Muniz

sal.
Em 2016, Selina Thompson embarcou em um navio cargueiro para refazer uma das rotas do comércio transatlântico de escravos: do Reino Unido à Gana e, de lá, à Jamaica. As memórias, questionamentos e sofrimentos desse percurso levaram a performer ao universo de um passado imaginário.
Quando: 26 de março, às 19h
Duração: 1h

Em Legítima Defesa
A performance, encenada em meio à plateia, logo após alguns espetáculos da MITsp 2016, traz discursos históricos entrelaçados a depoimentos pessoais, músicas e poesias. Em suas falas, os artistas do Coletivo Legítima Defesa remetem à diáspora negra e a seus desdobramentos históricos, numa ação que busca resistir à narrativa hegemônica e dar voz à própria história.
Quando: 28, 29 e 30, às 19h
Duração: 20min

ABERTURAS DE PROCESSO

Camming – 101 Noites
Janaina Leite faz um paralelo entre o livro As Mil e uma Noites – no qual Sherazade precisa entreter o rei – e as camgirls profissionais, que têm que garantir a atenção dos clientes, num trabalho que vai além do sexual, passando também pela narrativa imaginária, dramatúrgica e até terapêutica.
Quando: 12 e 13 de março, às 23h
Duração: 1h
Bate-papo: 14 de março, às 16h

Ué, Eu Ecoa Ocê’ U É Eu?
Celso Sim, Cibele Forjaz e Manoela Rabinovitch abrem o processo da performance audiovisual, que dialoga com a pandemia e o caos político. Os artistas apresentam dois ritos: um de antropologia funerária, em homenagem aos indígenas mortos em decorrência da Covid-19, e outro de canibalismo guerreiro, uma reação de caça ao inimigo. A performance tem duas versões, uma censurada (ela precisou receber cortes para ser apresentada em Brasília, em dezembro de 2020) e outra sem censura. Ambas serão transmitidas na sequência.
Quando: 22, 23 e 24, às 22h
Duração: 45min (as duas versões)

Um Jardim para Educar as Bestas
O ator Eduardo Okamoto, a diretora Isa Kopelman e o músico Marcelo Onofri realizam abertura de processo de duo para piano e atuação. A encenação alterna dança, música e a história de Seu Inhês, um sertanejo de olhos apertados que, como forma de evitar uma predição de morte da esposa, decide construir um jardim de pedras em meio ao sertão.
Quando: 26, 27 e 28 de março, às 18h30
Duração: 20min

WORKSHOPS

Petformances
A performer Tania Alice e a veterinária Manuela Mellão propõem aos participantes realizar práticas artísticas diversas (performances, escrita, fotografia, pintura etc.), sempre permeadas pelo afeto, ao lado de seus pets.
Quando: 18 de março, das 15h às 17g, e 19 de março, das 15h às 18h
Número de vagas: 20 (os participantes serão escolhidos por ordem de inscrição)

Curando a Branquitude
A sul-africana Ntando Cele propõe um trabalho em conjunto na tentativa de sanar traumas de uma sociedade marcada pela hegemonia da branquitude. A artista busca sabedorias ancestrais e pré-colonialistas na tentativa de reimaginar um futuro e criar um espaço não violento, em que se possa enfrentar a crise global de maneira coletiva.
O workshop será ministrado em inglês, com tradução para o português.
Quando: 20 de março, das 10h às 13h

RESIDÊNCIA

Inter Pretas
A residência virtual é voltada a mulheres artistas e ativistas, em especial pessoas não brancas, que queiram trabalhar com materiais biográficos. Nos encontros, a sul-africana Ntando Cele foca o autocuidado na prática artística e algumas estratégias de empoderamento, além de propor um espaço não violento para “sonhos coletivos”. Ela se alterna entre atividades em grupo e conversas individuais com as participantes.
Quando: de 25 a 28 de março, das 10h às 13h. Os horários dos atendimentos individuais serão combinados com as participantes
Número de vagas: 12

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Experiência artística do êxtase vai à exaustão

Nereu Jr / Divulgação

Foto: Silvia machado / Divulgação

Crowd (Multidão), espetáculo da franco-austríaca Gisèle Vienne, abriu a 7ª MITsp – Mostra Internacional de Teatro de São Paulo, na noite de quinta-feira, 5 de março. A artista buscou o mote da coreografia em suas experiências dos “clubs” de Berlim dos anos 1990 para erguer uma impressionante encenação de rave regada a música techno, manipulação de tempos e ritmos estampados nos corpos bem treinados de 15 jovens dançarinos.

Ao som de uma trilha eletrizante concebida por Peter Rehberg, com músicas de artistas como Jeff Mills, Global Communication e Underground Resistance, Crowd propõe nessa festa selvagem um mergulho interior nessa jornada hedonista. Experimentos para a figura perder o controle coletivamente na perspectiva de vivenciar algo profundo. É o que defende Gisèle Vienne.

A artista compõe imagens exuberantes. O chão é coberto por uma espécie de terra e lixo orgânico, permitindo que esse cenário remeta a uma noite de farra, que entra pela madrugada na Europa, em São Paulo ou em qualquer outro lugar.

Os 15 dançarinos entram em cena se movendo muito lentamente, o que, num primeiro momento, pode parecer uma representação de seres de outro planeta. Mas não é isso. Ou é, noutros termos? Eles se aglomeram, traçam marchas solitárias.

É a produção de um exercício de transe pela imersão em um ambiente sonoro intenso e repetitivo. A luz de Patrick Riou equaliza significados desse cenário, desenhando quadros de efeito impactante, das figuras que atravessam a noite perseguindo prazeres efêmeros ou um sentido para a vida.

Da plateia captamos o conjunto, um bloco de gente, ou cenas específicas, fisgadas dessas pequenas narrativas que surgem por todo o palco – encontros rápidos, corpos balançando em convulsões, beijos fugazes, jogos de mãos bobas que escorregam pelo corpo alheio, brigas, luxúria, solidão, estrago. Esses seres humanos falíveis acionam em 90 minutos amplificação narcísica.

Para mim, mais do que o êxtase proposto pela diretora, o que chega é o esgotamento pela repetição em vários ritmos e andamento nos movimentos dos intérpretes. Apreendo o que essa quantidade exagerada de opções, de ofertas, de relacionamentos não assegura ou atrai para uma relação duradoura. Tudo é fugaz.

Essa experiência sonoro-motora imersa em um ambiente de alta voltagem vibratória, pelo volume alto, pelas escolhas das músicas, pela simulação da perda do controle dos movimentos, tudo isso me remete a reflexões sobre os mecanismos inconscientes que alimentam a máquina capitalista atual.

As modulações de movimento, manipulação do ritmo, do tempo e intensidade dos gestos dos corpos expõem as emoções diluídas na multidão – algo opaco e translúcido – em estados alterados de consciência.

Os recursos técnicos, de produção e de efeito, como uma lata que explode ou fumaça que brota dos casacos são realmente impressionantes. A preparação do elenco expõe um virtuosismo, como se diria na modernidade, de trabalhar os corpos em câmera lenta, com movimentos em looping ou congelados em “frames”, que são realmente incríveis.

Mas é certa a associação com o estado psíquico do país e da plateia presente à abertura da MITsp, de um esgotamento causado por ataques constantes à democracia, às liberdades individuais e coletivas, às ofensivas ao direito de desejar e ser, as investidas contra a arte.

Abertura

O lugar de resistência da MITsp parece construído às custas de muito sacrifício, esforços que, quem está de fora, talvez não consiga supor. Mais uma vez, a mostra foi erguida em quatro meses, realmente um trabalho hercúleo. Em sua fala, o diretor de produção Guilherme Marques exaltou o trabalho da equipe e convidou o grupo para se juntar na frente do palco. Foi um dos momentos mais emocionantes da abertura, o esforço tornado carne.

Elegantíssimos os mestres de cerimônia da MITsp, os atores trans Gabriel Lodi e Renata Carvalho. O sempre admirado Danilo Santos de Miranda, diretor do Sesc-SP, – um exemplo de combatividade em prol da cultura –, avança com seu discurso e postura coerentes desde a primeira versão da mostra. O diretor do Itaú Cultural Eduardo Saron reforçou o apoio da instituição ao evento e à cultura. O jornalista Celso Curi leu o Manifesto Artigo 5º, pelas liberdades.

Ah, os políticos… destoam do ritual, principalmente os que ocupam cargos nas gestões de centro, de centro-direita. O mundo já está muito complicado para quererem repassar responsabilidades das diretrizes culturais insuficientes.

Sigamos, pois, lutando pela arte e pelas vidas. Inclusive as nossas.

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Memórias das Malvinas. Crítica: Campo Minado

Campo Minado. Foto: Guto Muniz / Divulgação

Campo Minado. Foto: Guto Muniz / Divulgação

Esses velhos inimigos eram jovens, muitos não tinham vocação militar. Alguns nem sequer uma ideia precisa do que estavam fazendo naquele conflito armado. Mas foram insuflados ou obrigados por questões nacionalistas dos governantes da ocasião. O espetáculo Campo Minado, da escritora, atriz, performer e encenadora argentina Lola Arias, leva ao palco veteranos das duas frentes da Guerra das Malvinas, 35 anos depois. A peça foi exibida na programação da 5ª MITsp – Mostra Internacional de Teatro .

O teatro documental da criadora argentina já rendeu Chácara Paraíso – em codireção com o suíço Stefan Kaegi, ligado ao grupo Rimini Protokoll – sobre a polícia brasileira; El Año en que Nací, em que 11 jovens, filhos de vencedores e vencidos do golpe de Pinochet no Chile recuperaram a vida de seus pais através de documentos e histórias; Melancolía y Manifestaciones – que atravessa o percurso de Lola e de sua família, com a ditadura militar na Argentina em 1976 e Os Suicidas, a partir de um episódio com adolescentes, no norte da Argentina. Por essa rota dá para perceber que a diretora está interessada em cavoucar os fiapos de gente que ficam desses traumas.

Em Campo Minado, peça representada em inglês e espanhol, com legendas em ambas as línguas (e em português), veteranos e sobreviventes do conflito expõem um pouco de suas vidas. Vale salientar, o que eles se interessam em expor ou conseguem dividir com o público do teatro. O espetáculo confronta visões distintas do conflito. E isso inclui a parcela da vivência real, com a produção ficcional sobre si mesmo, o que produz outra experiência real.

Heranças sentimentais.

Os ensaios para Campo Minado duraram mais tempo do que a Guerra das Malvinas, diz em palco um dos ex-combatentes. Foram 74 dias de batalha e mais de três meses de processo de criação e performance,que geraram uma dramaturgia de autoria compartilhada. 

O mosaico do conflito é traçado a partir de visões antagônicas, dos diários produzidos pelos veteranos ingleses e argentinos, além dos documentos de época e arquivos afetivos dos participantes da montagem e discursos de líderes políticos. 

O então fuzileiro britânico Lou Armour teve sua foto estampada na capa de vários jornais, na ocasião que virou prisioneiro dos argentinos, em 2 de abril de 1982. Para ele uma humilhação difícil de digerir. Armour protagoniza uma das mais cenas mais comoventes da montagem.  Quando ele relembra da morte de um oficial argentino, que confessa em inglês que não sabia porque estava lutando. Atualmente Armour dá aulas para crianças com dificuldades cognitivas.

Ter resistido ao afundamento do navio General Belgrano talvez seja motivo de orgulho do argentino Rubén Otero. Talvez. Ele agora toca numa banda de covers dos Beatles. David Jackson exercita sua escuta no seu consultório de psicologia; na guerra ele ouvia e transcrevia códigos de rádio.

Atualmente advogado de direito penal, Gabriel Sagastume nunca quis disparar qualquer arma. Sukrim Rai Sukrim Rai foi um ‘ghurka’ que manuseava a faca com habilidade, agora trabalha como segurança. Apontador de morteiro durante os dias das Malvinas, Marcelo Vallejo é agora campeão de triatlo.

Un poquito de historia

Lola Arias tinha cinco anos na época da guerra. Ao longo de sua formação percebeu as marcas das feridas deixadas pelo conflito no corpo dos argentinos. A disputa das Malvinas (Falklands, na denominação inglesa), ocorreu em 1982, numa contenda armada entre Reino Unido e a Argentina. O território da peleja é um conjunto de arquipélagos austrais do Atlântico sul, junto à Patagônia, ocupado pelos britânicos desde meados do século 19, e que os argentinos consideravam uma ocupação ilegal.

A Plaza de Mayo, em Buenos Aires, foi palco de um célebre protesto contra a ditadura militar em 30 de Março de 1982. Para desviar o foco, o general e ditador argentino Leopoldo Fortunato Galtieri Castelli (1926 — 2003) armou uma ofensiva para tomar de volta as Malvinas, e em 2 de abril, três dias depois das manifestações contra a ditadura, Galtieri é ovacionado na mesma praça. Pareceu uma jogada de mestre para fazer sobreviver uma ditadura à beira do colapso.

Nem sempre os ditadores acertam nos cálculos. E Galtieri cometeu muitos erros, inclusive de minorar a força de sua adversária, por ser mulher. Margaret Hilda Thatcher, (1925 — 2013), Primeira-Ministra do Reino Unido de 1979 a 1990, respondeu com uma força-tarefa naval para retomar as ilhas, o que resultou na derrota argentina após 74 dias de combate. O conflito contabilizou 649 mortos do lado argentino, 258 do lado britânico e 3 civis que habitavam as ilhas.

O número de suicídios motivados por stress pós-traumático e depressão profunda de ex-combatentes na Argentina já passa dos 500, de acordo com a Federação de Veteranos de Guerra. Do lado inglês, esse cálculo supera os 260, mais do que as baixas britânicas no conflito, segundo segundo a SAMA82 (South Atlantic Medal Association 82).

Elenco utiliza máscaras de

Elenco utiliza máscaras de Galtieri e Thatcher. Foto: Guto Muniz / Divulgação

As Malvinas entram em pano de fundo para tratar desses seis homens veteranos, ingleses e argentinos, arrebentados / triturados pela experiência da guerra, que transitam no limite da humanidade. O cenário de um estúdio de cinema permite esse mergulho no tempo para reconstruir memórias 35 anos depois do final da disputa. Cada um tem seu momento de fala, até de confrontação de raciocínio. Os dois políticos – Galtieri e Thatcher – aparecem caricaturados por máscaras de borracha e discursos inflamados.

 A ordenação do espetáculo segue uma sequência direta de quadros, que inclui apresentação dos participantes, treinamento e admissão como soldados, diário de guerra, memória/ perspectiva, diferencial de cada um. Em cenas conectadas por músicas tocadas e cantadas ao vivo pelo elenco.

“Até que ponto se é um ser humano, até que ponto se pode matar e morrer por uma ideia”, ecoa no teatro o questionamento da encenadora.

Campo minado nasceu da vídeo-instalação Veteranos, encomendada a Lola Arias para integrar a mostra mundial After the War, pela passagem do centenário da I Guerra Mundial. A criadora juntou uma série de relatos de ex-combatentes argentinos na Guerra das Malvinas. Depois ela convocou os ingleses, para confrontar no palco os antigos rivais.

Em uma das falas, um dos ex-combatentes confessa: “Quando voltei, a guerra tornou-se uma obsessão; a minha mulher chama-me ‘monotema’”. Talvez essa introjeção de personagem de si mesmo justifique performances tão apuradas dessas figuras, selecionadas pela diretora entre 60 veteranos dos dois lados do conflito. Ficaram três argentinos, dois ingleses, um nepalês, do contingente dos gurcas, intimidantes soldados que lutaram ao lado dos britânicos.

Elenco toca ao vivo na peça Campo Minado. Foto Guto Muniz / Divulgação

Elenco toca ao vivo na peça Campo Minado. Foto Guto Muniz / Divulgação

A polifonia deve ter sido mais explosiva durante o processo de construção da peça, até chegar ao formato de gestos, pausas, falas curtas ou entrecortadas digamos mais domesticadas, mais no limite do civilizado. As tensões são traduzidas numa narrativa fragmentada, de perspectiva diversa. Mas para conviveram entre si nessa passagem artística parece-me que cada um deles precisou abdicar da porção mais furiosa, dos sentimentos mais violentos contra os antigos inimigos. Esse limite humano – do que é preciso abster-se para aceitar minimamente o outro – chega conciliatório (até certo ponto) também nos discursos antibélicos. Mas aqueles indivíduos, que passaram pela prática da guerra, da ronda da morte e das dobras de sentido da existência, sabem muito mais do que é preciso abrir mão para sobreviver do que nós, sentados confortavelmente nas poltronas do teatro. 

Por trás de bandeiras de países estavam homens, atingidos em sua juventude por uma batalha menor, e que redirecionaram suas vidas na idade adulta, com essa carga de experiência de matar e ver o companheiro morrer, de sobreviver ao cruzamento de balas, sem talento específico para isso.

Eles se livraram do alvejamento, sobreviveram. Cada qual carrega sua bagagem. Antigos inimigos, toparam construir ou confrontar um relato sobre a mesma luta. E mesmo com toda dificuldade gerada por posições antagônicas, acolheram escutar o outro. Reconhecer o humano no outro.

Pelo que se vê no palco não há convencimentos de parte à parte sobre quem tem razão. Lola Arias aposta no teatro como o lugar do encontro, da experiência. Também da discórdia e do dissenso. Mas com possibilidade de ressignificar o passado e ao atravessar o presente ampliar as perspectivas de futuro. 

O que os aproxima, para além da política, do poder que pende mais para um lado do que para o outro, é que todos eles são homens despedaçados pela guerra. A chance de matar e o perigo de morrer, o ódio sem nexo plantado pelos governantes na manipulação dos destinos, não fizeram deles heróis. Talvez pelo contrário. Eles carregam a culpa do disparo, do choro pelo inimigo e até por ter sobrevivido. Mas a vida segue. Tem que seguir. 

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O afeto que aprisiona

Cinderela, de Joel Pommerat, abriu 3ª MITsp. Foto: Estúdio Zut

Cinderela, de Joel Pommerat, abriu 3ª MITsp. Foto: Estúdio Zut

Desde criança, quando ouvimos a história da Cinderela, enxergamos a suposta superação como foco da fábula. A garota que era maltratada e humilhada pela madrasta e por suas duas filhas diante da omissão do pai consegue finalmente livrar-se de todo sofrimento quando encontra o seu príncipe no baile. O enredo, mais do que conhecido por todos, ganhou outras possibilidades na versão do dramaturgo e encenador francês Joël Pommerat, apresentada pela Compagnie Louis Brouillard na abertura da 3ª edição da Mostra Internacional de Teatro de São Paulo (MITsp) na última quinta-feira (3), no Auditório Ibirapuera. Uma questão que merece ser pontuada inicialmente, no âmbito de um festival internacional, é a importância das legendas, que continham erros de português e uma linguagem que parecia mais coloquial do que a peça propunha.

Mas vamos adiante na encenação: se os irmãos Grimm ou até mesmo Walt Disney trataram da morte da mãe de Cinderela de maneira muito episódica, apenas como disparadora da ação, Pommerat consegue traçar outros contextos, deixando a história mais psicológica e atraente não só para crianças e adolescentes, mas para os adultos. Na sua versão, Cinderela é Sandra, uma garota comum, de cabelos desgrenhados e mochila nas costas, que não consegue entender as últimas palavras da mãe no leito de morte. Acredita que a mãe tenha dito para que pensasse nela, a cada cinco minutos, para que ela não morresse de fato.

O amor e a devoção de Sandra à mãe, o medo de traí-la, não cumprindo o seu último pedido, fazem com que Sandra caia numa armadilha, enveredando-se por meandros dentro de si mesma, deixando-se aprisionar pelo afeto carregado do peso do medo, da culpa, da dor. Pommerat constrói uma personagem que se abandona; que, por exemplo, aceita as tarefas domésticas sem reclamações não por seu excesso de bondade, mas porque não se importa consigo mesma. Ou não trava um relacionamento com o pai porque não vê possibilidade de superação de uma realidade. Mesmo diante de uma suposta cumplicidade com o pai, quando ele fuma na companhia dela e não da madrasta, só há conformação nessa relação e não interação, diálogo, questionamento, vivência. Esse “autoabandono” se desdobra em diversas situações, como quando a madrasta faz um discurso sobre como Sandra está velha e descuidada.

As primeiras cenas desta Cinderela são sombrias, escuras.Na casa em que vive com a família, Sandra não vai alimentar os pássaros, cantando feliz, enquanto eles a ajudam nas tarefas, como no filme; aqui o cenário é diverso: a “princesa” carrega com as próprias mãos os pássaros que morreram ao se chocarem contra as paredes de vidro da casa. O sofrimento de Sandra é evidenciado na noite em que passa sozinha no quarto do sótão, sem janelas. A cenografia do espetáculo, composta em boa parte através de projeções, transmite essa confusão interior de Sandra, seu estado de espírito, ao mesmo tempo em que noutros momentos constrói realidades paralelas, como a casa de vidro ou as paredes que vão tendo estampas diversas.

Autor e diretor trabalha com embaralhamento e desconstrução de estereótipos

Autor e diretor trabalha com embaralhamento e desconstrução de estereótipos

Se o contexto psicológico é carregado e o relógio que Sandra tem no pulso toca insistente para lembrá-la de não esquecer a mãe, Pommerat brinca, com sarcasmo, ironia e humor, não se esquecendo de alimentar a identificação da fábula pelo espectador. Há alguns caminhos diretos: por exemplo, a madrasta e as irmãs continuam sendo figuras estranhas, feias e desengonçadas, mas Pommerat não se prende a isso, vai muito além. Nesse sentido, o autor e encenador tem na personagem da madrasta um dos grandes trunfos da montagem, enriquecendo as chaves de discussão abertas pela peça. A madrasta possui uma visão equivocada de si mesma, principalmente no que diz respeito à sua aparência física. Fica lisonjeada com os falsos elogios de que ela parece irmã das próprias filhas e se ilude com a possibilidade de que o príncipe se apaixone por ela e não pelas filhas.

No viés da desconstrução, ou mesmo do embaralhamento de alguns estereótipos tão comuns aos contos de fadas, o príncipe neste caso é feio, inseguro e também sofre com a ausência da própria mãe. No decorrer da montagem, alguns elementos deslocados, que fogem ao estabelecido a priori, vão dando um caráter muito mais instigante à peça, mas sem que ela perca a capacidade de fazer rir ou emocionar. Nesse mesmo âmbito, realidade e sonho, idealização, são dimensões questionadas pela encenação. Não podemos dizer que é exatamente uma experiência radical de reescrita desse texto, já que no espetáculo de Pommerat os elementos conhecidos do público, responsáveis por uma identificação direta com a história, estão todos lá. Ainda é a história da mocinha, mas aqui menos frágil e com nuances que a deixam mais interessante.

Ficha técnica
Texto e direção: Joël Pommerat
Cenário e iluminação: Eric Soyer
Assistente de iluminação: Gwendal Malard
Figurinos: Isabelle Deffin
Som: François Leymarie
Vídeo: Renaud Rubiano
Música original: Antonin Leymarie
Com: Alfredo Cañavate (pai da menina muito jovem, rei); Noémie Carcaud (fada, uma irmã); Caroline Donnelly (segunda irmã, príncipe); Catherine Mestoussis (sogra); Deborah Rouach (moça muito jovem); Marcella Carrara (voz do narrador); Nicolas Nore (narrador) e Julien Desmet (extra).
Diretor assistente: Pierre -Yves Le Borgne
Assistente do diretor da turnê: Philippe Carbonneaux
Diretor geral da turnê: Emmanuel Abate
Operador de luz: Guillaume Rizzo
Operador de som: Antoine Bourgain
Operador de vídeo: Grégoire Chomel
Diretor de cena: Julien Desmet, Nicolas Nore
Camareira: Nathalie Willems
Montagem de cenário e execução dos figurinos: Ateliers du Théâtre National de Bruxelles
Produção: Théâtre National/Bruxelas em coprodução com La Monnaie / De Munt Em associação com a Compagnie Louis Brouillard. Com suporte do Wallonie-Bruxelles International
Cinderela é publicada pela Éditions Actes Sud- Babel e Actes Sud-Heyoka Jeunesse, com ilustrações de Roxane Lumeret.

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Está chegando a 3ª MITsp

Cendrillon, de Joël Pomerat, abre programação da MITsp. Foto: Cici Olsson

Cendrillon, de Joël Pommerat, abre programação da MITsp. Foto: Cici Olsson

12540647_1077205135644412_1544634185836411498_nA 3ª edição da Mostra Internacional de Teatro de São Paulo (MITsp) será realizada entre 4 e 13 de março e envolve dez espetáculos vindos de França, Polônia, África do Sul, Grécia, Bélgica, Congo, Alemanha e Brasil. A programação foi anunciada nesta segunda-feira na capital paulista. O dramaturgo e encenador francês Joël Pommerat traz para a abertura da MITsp o espetáculo Cendrillon, com sessões nos dias 4, 5 e 6, no Auditório Ibirapuera. É uma atualização do conto Cinderela, que moldou a imaginação dos ocidentais desde a infância.

Pommerat é considerado o grande nome do teatro contemporâneo francês. O encenador Márcio Abreu montou dele no Brasil a peça Esta criança. Pommerat vem com outra obra de sua autoria Ça ira (2015), que trata da Revolução Francesa – o estabelecimento da democracia, da abolição dos privilégios e a consagração da igualdade de todos os cidadãos – para refletir sobre o avanço do conservadorismo na Europa atual.

Mesmo com um orçamento maior — R$ 3,4 milhões, contra R$ 3,2 milhões de 2015 —, o valor do real em baixa frente ao dólar gerou impacto financeiro – de 43% da planilha – como explicou o diretor de produção, Guilherme Marques. A MITsp negociou a vinda das produções com euro cotado a R$ 4,48, contra de R$ 3,10 a R$ 3,48 da moeda europeia no ano passado. Diante desse cenário, das 15 atrações planejadas, cinco foram cortadas.

A aposta do curador, o encenador e professor Antônio Araújo é no alto nível da programação. Neste ano, os eixos de investigação da MITsp perpassam pelas formas de narrativa na cena contemporânea, e a cena como resposta à instabilidade da Europa atual, refletidas nas obras de Pommerat. Explora também o teatro enquanto forma híbrida, em sua relação com as artes visuais e sonoras.

A música borra as fronteiras com a montagem belga An Old Monk, um concerto dramático sobre a figura do músico de jazz Thelonious Monk (1941-1971). O racismo e o lugar do negro na cena contemporânea é debatido nas peças A Carga (Le Cargo), do congolês Faustin Linyekula; Revolting music, do sul-africano Neo Muyanga (que resgata as canções de protestos liderados por movimentos estudantis na cidade de Soweto), e Cidade vodu, do diretor brasileiro José Fernando de Azevedo e do grupo Teatro de Narradores, sobre a imigração e adaptação dos haitianos no Brasil a partir do terremoto de 2010.

Como nas edições anteriores, a MITsp traz trabalhos de artistas renomados em seus países, mas inéditos no Brasil. O encenador, coreógrafo, performer e dançarino grego Dimitris Papaioannou vem com Natureza Morta (Still life) que reconfigura o mito de Sísifo – de fazer rolar uma pedra para cima e deixar cair ad infinitum, – em relação com a classae trabalhadora. Ele ficou conhecido mundialmente após dirigir a cerimônia de abertura dos Jogos Olímpicos de Atenas, em 2004. Outro que vem pela primeira vez ao país é o diretor polonês Krzysztof Warlikowski, com a encenação (A)polônia.

 A Tragédia Latino-Americana, de Felipe Hirsch e Ultralíricos estréia na MITsp .

Júlia Lemmertz e Pedro Wagner em ensaio da peças A Tragédia Latino-Americana. Foto: Patrícia Cividanes

A Tragédia latino-americana, de Felipe Hirsch e do grupo Ultralíricos, também estreia na MITsp. O espetáculo leva ao palco fragmentos, adaptações de obras, ou parte de obras, da literatura latino-americana contemporânea. O elenco é formado por atores brasileiros, argentinos, chilenos, mexicanos, inclusive com a presença de Pedro Wagner, do Grupo Magiluth.

Cidadãos comuns integram a peça 100% City, que estreia como 100% São Paulo. Liderada pela companhia alemã Rimini Protokoll, a montagem vai juntar 100 pessoas no palco para tratar de temas controversos, como pena de morte e casamento de pessoas do mesmo sexo. A encenação será no Teatro Municipal, que integra a mostra pela primeira vez.

A partir de 18 de fevereiro, os ingressos – que variam entre R$ 10 e R$ 20 – estarão à venda nos sites do Sesc São Paulo e do Ingresso Rápido. Dois espetáculos terão entrada gratuita.

A DocumentaCena, plataforma de crítica teatral composta pelos blogs Horizonte da Cena e Satisfeita, Yolanda?, do site Teatrojornal e da revista eletrônica Questão de Crítica, produzirá diariamente, ao longo do evento, críticas sobre os espetáculos para veiculação impressa e eletrônica. A parceria com a MITsp funciona desde a primeira edição.

Espetáculos da 3ª MITsp – 2016

imageÇa ira (França)
Autor e diretor: Joël Pommerat

Cinderela (Bélgica/França)
Autor e diretor: Joël Pommerat

imageNatureza Morta (Grécia)
Autor e diretor: Dimitris Papaioannou

A Carga (Congo)
Autor e diretor: Faustin Linyekula
Studios Kabako

(A)polônia (Polônia)
Autor e diretor: Krzysztof Warlikowski
Cia Nowy Teatr

100% São Paulo (Alemanha/Brasil)
Autores e diretores: Helgard Haug, Daniel Wetzel e Stefan Kaegi
Cia Rimini Protokoll

Revolting Music – Inventário das Canções de Protesto que Libertaram a África do Sul (África do Sul)
Neo Muyanga

An Old Monk (Bélgica)
Autor e diretor: Josse De Pauw
Compositor: Kris Defoort, inspirado em Thelonius Monk

 

imageCidade Vodu (Brasil)
Teatro de Narradores
Autor e diretor: José Fernando de Azevedo

 

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Foto: Patrícia Cividanes

A Tragédia Latino-Americana (Brasil)
Felipe Hirsch e Ultralíricos
Concepção e direção: Felipe Hirsch

 

Ficha Técnica

Idealização e direção artística: Antônio Araújo
Idealização e direção geral de produção: Guilherme Marques
Relações internacionais: Jenia Kolesnikova, João Passos, Natália Machiaveli
Relações institucionais: Rafael Steinhauser
Coordenação executiva de produção: Rachel Brumana
Coordenação técnica: André Boll
Curadoria dos Olhares Críticos: Silvia Fernandes e Fernando Mencarelli
Curadoria de Ações Pedagógicas: Maria Fernanda Vomero
Coordenação dos Olhares Críticos: Natália Machiaveli
Coordenação do coletivo de críticos: Soraya Belusi
Redação e supervisão de conteúdo editorial: Luciana Romagnolli
Coordenação de logística: Leo Devitto
Coordenação do Cabaré|Ponto de encontro: Cassia Andrade
Coordenação financeira: Patricia Perez
Produção de cenários: Patricia Rabbat
Relações públicas: Carminha Gongora
Assistente de produção: Nelio Teodoro
Assistente de coordenação técnica: Fernanda Guedella
Projeto gráfico: Patrícia Cividanes
Pré-produção: Patricia Lopes e Cássia Andrade, Claudia Burbulhan (Executiva); João Passos e Jenia Kolesnikova (Relações Internacionais); Patrícia Lopes (Assistência de relações internacionais); André Lucena (Assistência de coordenação técnica); Alba Roque (Financeiro), Gabi Gonçalves (Coordenação de produção executiva)
Assessoria Jurídica: José Augusto Vieira de Aquino
Coordenação da assessoria de comunicação: Marcia Marques / Canal Aberto
Assistente de assessoria de comunicação: Daniele Valério

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