Arquivo da categoria: Críticas

Rinha sentimental do século passado
Crítica do espetáculo Cock – Briga de Galo

Marco Antônio Pâmio, Andrea Dupré, Daniel Tavares e Hugo Coelho. Foto: Pedro Bonacina / Divulgação

Alguma coisa está fora da ordem…. na montagem paulista Cock, em cartaz até hoje na Oficina Cultural Mário de Andrade. Um deslocamento de espaço e de tempo, no mau sentido. A encenação de Nelson Baskerville é vendida como um debate sobre sexualidade e identidade. Pode até ser. Mas qual o nível e o propósito dessa discussão?

Pode ser engenhosa a ideia de colocar os atores numa espécie de ringue. Aponta para luta de galos, a rinha – uma contravenção em muitos países. Bem, toda forma de maus-tratos e a exploração de animais para divertimento do homem são abominadas pela Declaração Universal dos Direitos dos Animais (artigos 3º e 10º), proclamada em 1978 pela Organização das Nações Unidas para a Educação, a Ciência e a Cultura – Unesco.

No Brasil, as rinhas de galos foram proibidas em 1934 no governo de Getúlio Vargas e desde 1941 são contravenção penal. Mas há quem pratique por esse Brasil adentro. Há quem se divirta. Como há gente que ri de piadas racistas, lgbtqia+fóbicas, gordofóbicas ou misóginas.
Mas o que as brigas de galo têm a ver com a peça? Tá no título: Cock – Briga de Galo. Em inglês, “Cock”, quer dizer galo, pau/pênis e alguém de personalidade arrogante. E há um falocentrismo na peça que não é de brincadeira.

O texto The Cockfight Play do dramaturgo inglês Mike Bartlett foca na crise de John, um adulto jovem casado com um homem maduro, que ao dar “um tempo” se apaixona por uma mulher. Muitos caminhos poderiam ter sido percorridos. Ao contrário do John do Belchior, que sabe que “a felicidade é uma arma quente” e não precisa que lhe digam de que lado nasce o Sol; John, de Bartlett, é um trintão indeciso que vive um conflito existencial bem raso, apresentado de uma maneira totalmente autocentrada, de uma perspectiva branca e privilegiada.

Mike Bartlett é um autor incensado no seu país. A ironia do seu discurso e agilidade ferina de seus diálogos são pontos em comum da sua dramaturgia. No Brasil foram encenadas suas peças Bull, Contrações, Love Love Love e Medea. Assisti montagens das três últimas. São bem instigantes Contrações e Love Love Love, do Grupo 3 de Teatro – companhia mineira encabeçada por Débora Falabella, Yara de Novaes e Gabriel Fontes Paiva. Medea me chegou como uma tentativa malsucedida de atualizar o clássico de Eurípedes.

A peça tem direção de Nelson Baskerville. Foto: Pedro Bonacina / Divulgação

O texto Cock fala de um lugar que (me) incomoda, recorre a clichês. A bicha rica que está  envelhecendo e acha que pode tudo, o jovenzinho meio aproveitador meio perdido, e principalmente o espaço da mulher, que mendiga o afeto do boy ridículo e aceita ser ofendida e atacada por dois, aliás, três homens. Os diálogos de humor ácido podem divertir algumas pessoas, mas percebo como um exercício de retórica de vituperação.

Alguns amigos gays casados disseram que conhecem muitos casais espelhados na peça. Não duvido. Temos até um fascista na presidência! (Cruzes! Xô Satanás). Considero estranho Nelson Baskerville assinar esse espetáculo e não problematizar os estereótipos que estão no texto. Para um diretor que impactou com Luis Antonio – Gabriela, Cock, parece pouco, muito pouco, 

Quando digo que a peça está fora de ordem no tempo é porque esse debate, essa perspectiva parece tão anos 1980. As pautas são outras e aceleram em uma velocidade alucinante.
O deslocamento de lugar. A Oficina Cultural Mário de Andrade ocupa-se mais do experimental, está voltada para investimentos mais ousados em conformidade das demandas atuais. Vivemos em tempos de guerrilhas urbanas.

Muitos já falaram dos embates cortantes e emocionais de Cock. Eles existem, sem dúvida, o dramaturgo é muito engenhoso na criação de falas e tensões. A direção dividiu as cenas como rounds com blackouts no meio.

Mas Cock é divulgada como uma peça que questiona a categorização das pessoas. Não enxergo dobra dessa reflexão. O namorido (Marco Antônio Pâmio) de John (Daniel Tavares) insulta às mulheres de vários modos. E sustenta sua relação sadomasô às custas de ofensas e humilhações. A mulher que entra nessa barca furada (Andrea Dupré) é a personagem mais frágil e mal-acabada dessa dramaturgia. A atriz até tenta, mas a personagem perde todos os confrontos.

A indecisão de John é algo bem patético para uma balzaquiana. Ele quase se desmancha no palco pela debilidade moral. Convence? Talvez sim. Mas irrita mais. O pai do namorido de John (Hugo Coelho) é de um despautério pesado.

O embate frenético dos atores pode ser o ponto mais forte da encenação, um jogo como uma disputada partida. E nesse campo, Pâmio se destaca com sua metralhadora giratória de frases preconceituosas, farpas e provocações.

O público é observador passivo dessa rinha de Baskerville, na arena cenográfica de Chris Aizner. Enquanto as personagens se atacam e se destroem fico aqui pensando se o jogo interpretativo dos atores é suficiente diante de um discurso que se pavoneia crítico das estruturas, mas as repete. Que se lança como ponto de análise das complexas questões identitárias, mas, infelizmente, reproduz um enunciado intolerante e hostil para os que estão fora do circuito de seus umbigos.

Não há vinco na elucubração desse grupo historicamente discriminado, no caso de Cock, o gay, mas homem branco sempre no comando, com as matérias identitárias e de sexualidade mais atuais e suas lutas urgentes e inadiáveis.

Ficha Técnica

Texto: Mike Bartlett.
Tradução: Andrea Dupré.
Direção: Nelson Baskerville.
Elenco: Andrea Dupré, Daniel Tavares, Hugo Coelho e Marco Antônio Pâmio.
Iluminação: Wagner Freire.
Figurino: Marichilene Artisevskis.
Cenário: Chris Aizner.
Trilha Sonora Original: Daniel Maia.
Preparador Corporal: Mauricio Flores.
Cenotécnico: Cesar Rezende.
Técnico de Luz e Som: Leandro Di Cicco.
Acessibilidade Audiovisual: Nara Marques.
Assessoria de Imprensa: Adriana Balsanelli.
Midias Digitais: Inspira Comunicação – Felipe Pirillo e VanessaScorsoni.
Fotos: Pedro Bonacina.
Idealização: Andrea Dupré e Daniel Tavares.
Administração: Fenetre Produções. Produção: Contorno Produções.
Produtora Executiva: Laura La Padula.
Assistente de Projetos: Bianca Bertolotto.
Assistente de Produção e Comunicação: Carolina Henriques.
Direção de Produção: Jessica Rodrigues e Victória Martinez. 

O espetáculo COCK – Briga de Galo foi contemplado pela 10ª edição do Prêmio Zé Renato para a Cidade de São Paulo, instituído pela Lei nº 15.951/2014  

Serviço

COCK – Briga de Galo, de Mike Bartlett, com direção de Nelson Baskerville
De 2 a 18 de dezembro – de segunda a sexta, às 20h; sábados, às 18h
Oficina Cultural Oswald de Andrade – Sala 03 – Rua Três Rios, 363 – Bom Retiro, São Paulo, SP
Ingressos: Grátis, distribuídos 1h antes de cada sessão
Duração: 120 minutos
Classificação indicativa: 14 anos

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Armadilhas da justiça
Crítica do espetáculo “A Pane”

Espetáculo tem texto do escritor suíço Friedrich Dürrenmatt. Foto: Rogério Alves / Divulgação

Amo os bichxs de teatro! Os que têm essa arte no DNA e sua prática é tão essencial quanto respirar. Amo esses seres, tão fortes… tão frágeis, tão humanos. Uma constelação desses criadores está no espetáculo A Pane, do escritor suíço Friedrich Dürrenmatt (1921 — 1990), com direção de Malú Bazán. Antonio Petrin, Cesar Baccan, Heitor Goldflus, Marcelo Ullmann, Oswaldo Mendes e Roberto Ascar. Quatro deles veteranos dessa arte e todos inspiram e transpiram essa paixão. A peça parece uma ode ao teatro e à trajetória desses artistas.

Em temporada no Sesc Santana ainda neste domingo (foram só três dias), a montagem volta em 14 de janeiro de 2022, no Teatro Faap, até 20 de fevereiro.

A peça fala de responsabilidade ética, do exercício da justiça e de egos inflamados pelo poder, inclusive por parte de quem comete um “crime”.

A fábula é um intricado e inteligente quebra-cabeça. O Jaguar do representante comercial Alfredo Traps tem uma pane na estrada próxima a uma pequena cidade. Com os hotéis lotados, ele é hospedado pelo ex-juiz da cidade, que “aluga” quartos. Seu pagamento é participar de um jogo curioso. Quatro velhos amigos aposentados assumem suas antigas funções de juiz, promotor, advogado de defesa e carrasco.

Eles partem da premissa que todos nós cometemos algum tipo de delito ou crime secreto. Um ardil engenhoso do promotor com perguntas enreda Traps na morte de seu patrão, fato que gerou a ascensão social do caixeiro-viajante.

Bazán armou um tabuleiro onde as peças trafegam. Em meio a uma sucessão de vinhos de safras especiais, cada personagem expõe seus pontos de vista. O tom de suspense, com rasgos cômicos, faz associações com nossa malfadada realidade – os truques da justiça que colaboraram para atual situação política. É uma experiência kafkiana a do forasteiro, que nos faz pensar também como os registros de distopia mudaram de uns tempos para cá.

Os traços épicos do teatro de Dürrenmatt são acentuados pela direção. Há um humor duro envolvido nesse debate projetado no tecido do real. Uma solução engenhosa de Malú no enquadramento do puro teatro é a personagem do narrador/garçom – e ponto – para acudir eventualmente os octogenários juristas.

Nosso mundo repleto de imperfeições é trançado no palco entre brincadeiras de tribunal, e um questionamento feroz sobre conceitos de justiça e sistema de Justiça. “Uma história ainda possível”, como diz o autor.

A direção é de Malú Bazán. Foto: Rogério Alves / Divulgação

Ficha técnica:
Texto: Friedrich Dürrenmatt
Tradução: Diego Viana
Direção: Malú Bazán
Elenco: Antonio Petrin, Cesar Baccan, Heitor Goldflus, Marcelo Ullmann, Oswaldo Mendes,
Roberto Ascar
Concepção cenográfica: Anne Cerutti e Malú Bazán
Figurino: Anne Cerutti
Assistente de figurino e cenário: Adriana Barreto
Cenotécnico: Douglas Caldas
Desenho de luz: Wagner Pinto
Música original: Dan Maia
Operador de luz: Gabriel Greghi
Operador de som: Silney Marcondes
Contrarregra: Márcio Polli
Fotos: Ronaldo Gutierrez
Visagismo: Dhiego Durso
Programador visual: Rafael Oliveira
Assessoria de imprensa: Pombo Correio
Assistente de produção: Rebeca Oliveira
Assistente de produção: Beatriz Nominato
Co-produção: Kavaná Produções
Produção e realização: Baccan Produções

Serciço:
# A Pane no Sesc Santana
Onde: Sesc Santana (Av. Luiz Dumont Villares, 579, Santana, São Paulo)
Quando: De 10 a 12 de dezembro. Hoje, domingo, a apresentação é às 18h
Ingressos: R$ 40 (inteira), R$ 20 (meia-entrada)
Informações: (11) 2971-8700

# A Pane no Teatro Faap
Onde: Teatro Faap (Rua Alagoas, 903, Higienópolis, São Paulo)
Quando: de 14 de janeiro a 20 de fevereiro de 2022; Sextas-feiras às 21h; sábados, às 20h; domingos, às 18h.
Ingressos: Sábados; R$ 80 (inteira) e R$ 40 (meia-entrada). Sextas e domingos; R$ 60 (inteira) e R$ 30 (meia-entrada), à venda na bilheteria do teatro e pelo site https://teatrofaap.showare.com.br/
Informações: 11 3662-7233 / 11 3662-7234

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Um Tchekhov que denuncia nossa imobilidade
Crítica do espetáculo Por que não vivemos?

Por que não vivemos?, da companhia brasileira de teatro. Foto: Nana Moraes / Divulgação

Josi Lopes e Camila Pitanga. Foto: Nana Moraes / Divulgação

“Por Que Não Vivemos?” é uma baita provocação. Em muitos sentidos. Plena de acendimento. A frase-trecho, e título dado pela companhia brasileira de teatro (grupo sediado em Curitiba e com conexões com o mundo) ao texto de Anton Tchekhov (1860-1904), articula com os desejos de ser/estar/ir além e as armadilhas que nos enredamos na vida. O dramaturgo russo escreveu a história do professor Platonov quando tinha menos de 20 anos. O manuscrito foi descoberto nos arquivos do seu irmão após a morte do escritor e publicado em 1923. Em sua forma original, o manuscrito é um pandemônio sem título, fragmentado, de 300 páginas de um melodrama, geralmente chamado de Platonov.

Com encenação de Marcio Abreu e elenco formado por Camila Pitanga, Cris Larin, Edson Rocha, Josi Lopes, Kauê Persona, Rodrigo Bolzan, Rodrigo Ferrarini e Rodrigo de Odé, Por Que Não Vivemos? faz uma curta temporada no Teatro de Santa Isabel, no Recife, até domingo.

Mergulhar no teatro de Abreu é experiência vigorosa ligada ao imponderável, ao risco, ao abismo. Todas as peças. Com aquecimentos diferentes. Em fluxo contínuo ou com a densidade de um momento que repercute e produz outras dobras no corpo do espectador. Marcio Abreu é uma das vozes mais criativas e lúcidas da arte na atualidade. Um artista incontornável das artes vivas, que leva para a cena a pulsação radical do humano permeado pelo diálogo com o real.

Os discursos subterrâneos, as constelações das dramaturgias, a fluência entre palavras, corpos, imagens, memórias, sons, ações, silêncios. Sua arte me interessa, para fazer alusão à montagem Isso te interessa? (2011), da francesa Noëlle Renaude. Sua arte ressoa em mim e me desperta de outros sentidos, aguça minha sensibilidade. 

Ansiosa por assistir Sem Palavras, que já traça no título um olhar diante das preleções de poderes caducos e nosso torpor horrorizado. Mas também embutido de energia para vibrar em outros acordes.

O elenco é composto por Camila Pitanga, Cris Larin, Edson Rocha, Josi Lopes (na imagem), Kauê Persona, Rodrigo Bolzan, Rodrigo Ferrarini e Rodrigo de Odé (na imagem). Foto: Nana Moraes / Divulgação

A adaptação de Giovana Soar, Nadja Naira e Marcio Abreu (feita a partir de uma tradução original do russo por Pedro Augusto Pinto e de versões francesas) e a encenação acentuam o protagonismo feminino, a inquietação da mulher em buscar mudanças e enfrentar os pré-conceitos.

Por que não vivemos? estreou em julho de 2019 no Rio de Janeiro, passou por Brasília e Belo Horizonte. Em 2020, fez uma temporada curta em São Paulo, interrompida pela pandemia da Covid-9. Foi lá, no Teatro Cacilda Becker, que vi a peça.

A cena inicial da chegada de convidados para a festa na casa da jovem viúva Anna Petrovna (Camila Pitanga) pode ser percebida, agora, como uma celebração da retomada ao teatro presencial; ou a resistência do teatro desde sempre. É uma alegria. Mesmo que lá, como cá, essa gente se ame e se odeie, “os ‘heróis’ tenham morrido de overdose” e haja tanto de vilania e patifaria, de sentimentos mesquinhos e emoções pensadas nobres nas cadeiras do Santa Isabel quanto nesse mundo inundado de gente escorregadia como seres humanos, cheios de segredos e autoilusão. Tchekhov e seus personagens que subvertem o que são e o que poderiam ter sido.

Ambientada numa propriedade rural da jovem viúva Anna Petrovna (Camila Pitanga) a história se desenvolve durante uma grande festa de amigos, ou apenas conhecidos. Mikhail Platonov (Rodrigo de Odé), um ex-idealista que aparece após muitos anos afastado, é o retrato do aristocrata falido, que se tornou professor. Ele desestabiliza o jogo, principalmente pelo reencontro com Sofia, uma paixão de juventude.

“Aqui estamos”, Anna diz a Mikhail. “Como nos velhos tempos, brigando por coisas que não podemos mudar e provavelmente nem mesmo se pudéssemos.”

As situações que envolvem os personagens se repetem. As hipocrisias vêm à tona. Eles mentiram, eles sabem que mentiram, cada um que mente tem consciência de que os outros sabem da trapaça, mas todo mundo está fingindo que a verdade está sendo dita. Os burgueses festejantes e/ou falidos, singulares figuras de Tchekhov. Há uma crise na pré-revolução russa e as personas se posicionam inertes. Nós também estamos num beco sem saída?

Kauê Persona e Camila Pitanga Foto: Nana Moraes / Divulgação

A prática reverbera na cena, em um looping contínuo. Tudo se repete e a vida segue. Mas as aparências não enganam, não, nas ressonâncias contemporâneas do mundo político. É uma selvageria da peça.

A trilha de Felipe Storino, os figurinos de Paulo André e Gilma Oliveira e a cenografia de Marcelo Alvarenga, a luz de Nadja Naiara compõem uma paisagem sonora e imagética repleta de redes nas várias dramaturgias.

A arte produzida nesse contexto de opressões e retrocessos, como o que vivemos atualmente também tem seu poder anunciador das ruínas de algumas estruturas no país que vive uma necropolítica.

Mas reexiste uma ética na estética. A textura do real numa a dramaturgia como campo expandido, que faz ressoar a dimensão pública do teatro e nos traz outras perguntas.

Mas mesmo nesse jogo de aparências tudo foi revelado. As figuras funestas destruíram muito, mas não são invencíveis. Voltamos à pergunta por que não vivemos como deveríamos ter vivido, por que não vivemos aquilo que temos a potencialidade de viver?

Temos alguns faróis. E é hora de colocar a vida em outra perspectiva. De respeito a todos os seres viventes e ao planeta. “Reparar os vivos” Para um devir futuro iluminado.

Camila Pitanga e Rodrigo de Odé. Foto: Nana Moraes / Divulgação 

Por que não vivemos?
Da obra Platonov, de Anton Tchekhov
Direção: Marcio Abreu
Elenco: Camila Pitanga, Cris Larin, Edson Rocha, Josi Lopes, Kauê Persona, Rodrigo Bolzan, Rodrigo Ferrarini e Rodrigo de Odé
Adaptação: Marcio Abreu, Nadja Naira e Giovana Soar

Serviço

Por que não vivemos?
Quando: De 9 a 12 de dezembro; de quinta-feira a sábado, às 19h, e no domingo, às 18h
Onde: Teatro de Santa Isabel (Praça da República, s/n, bairro de Santo Antônio)
Quanto: R$ 40 e R$ 20 (meia-entrada). Ingressos à venda pelo site Sympla
Informações (81) 3355-3323

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Poética da ferocidade
Crítica da peça Mulheres sonharam cavalos

Mulheres sonharam cavalos, com texto de Daniel Veronese. Fotos: Ivana Moura

Tradução da peça e direção são assinados por Malú Bazán .

Não existe amor em Mulheres sonharam cavalos. Nem compaixão. A rudeza das relações aproxima-se do animalesco e qualquer verniz só busca disfarçar a crueza do existir. Com texto de Daniel Veronese, traduzido e dirigido por Malú Bazán, o potente jogo cênico, dos corpos com partituras bem-marcadas e uma movimentação frenética, espelha com contundência o machismo, o sexismo, a injúria sexual, a dependência emocional e como ações do microcosmo se entrelaçam nas práticas ditatoriais de ontem e de hoje.

É pancada. Mas com todas as imagens da violência banalizadas e mais que isso, naturalizadas, seria preciso levar para cena outros procedimentos de apelo sensorial ou da memória imagética para escancarar o horror da ferocidade. Essa agressividade é trabalhada numa dimensão poderosa que vai do sussurro espectral, passando por relincho equino, ao pesadelo fantasmagórico.

A encenação está repleta de metáforas e reflete uma tenebrosa virulência cotidiana, vulgarizada na dinâmica de uma família de classe média. A peça parte de um acontecimento prosaico, o encontro entre três irmãos e suas companheiras para uma refeição na residência de um deles. O gatilho do conflito é o fechamento de uma empresa familiar, administrada por um deles.

Ranier (Bruno Perillo) anuncia, com desapreço, que sua companheira Ulrika (Rita Pisano) escreveu um roteiro de cinema. No projeto, a roteirista chama a atenção para a personagem fictícia que diz “lá fora há um desfile de policiais equestres sobre seus cavalos”.

Enquanto o elenco se desloca energeticamente pelo palco, os estímulos da cena inundam o imaginário da plateia com o autoritarismo que vai e volta na América Latina, de desejos inconfessáveis e livros de receitas sumidos, que mais parecem cemitérios ocultos das carcaças dos desaparecidos.

As atrizes Anna Toledo, Erica Montanheiro, Rita Pisano,

Nem tudo é dito explicitamente. Entre os quais, os mecanismos ditatoriais encobertos, como a prática de adotar crianças subtraídas de seus pais militantes. Lucera (Erica Montanheiro) suspeita ser uma dessas meninas que teve a infância e o histórico familiar apagados. Ela é casada com o irmão mais velho, Ivan (Gustavo Trestini). Há uma peleja de incomunicabilidade, equalizada com perspicácia pela encenação.

A peça fala de diferentes tipos de crueldade. No espaço privado, o homem desvencilha-se da fachada social e exibe o ser mais animalesco. A brutalidade, a “cavalice”, as patadas, as frases agressivas ganham proporção de barbárie no caso do irmão mais jovem, Roger (Haroldo Miklos) e Bettina (Anna Toledo), mais velha do que ele 20 anos. O embate entre os dois é uma sessão de tortura e submissão. A encenadora acentua esse aspecto constrangedor ampliando a escala desse confronto.

Malú Bazán é muito hábil ao expor esses quadros, onde a bestialidade é a linguagem da fala, seca e ríspida e os gestos beligerantes são obliterados ou deslocados causando mais impacto que a força-bruta realística. É abordagem dura da violência da sociedade.

Mulheres sonharam cavalos conduz por um novelo de cólera, ira, rancor alimentados durante muito tempo nos subterrâneos. É um trabalho difícil. Provoca uma dor especial. A direção aponta atalhos, mas sabota a expectativa da plateia.

 Lucera (Erica Montanheiro) e Ivan (Gustavo Trestini).

Parece que estou andando em círculos. Há saídas?!
Uma mulher aparentemente frágil. Ela esconde algo. Aliás, todos ali dissimulam. Há uma guerra no ar. A aparente mais frágil pode ser o elemento de vingança ou de reparação.
É preciso perfurar algumas camadas para entender isso.
Vamos por outro caminho, como um labirinto. Visualizar múltiplas portas. Elas podem traçar percursos bem distintos. Ou não…

Depois de anos engolindo ofensas, Lucera vomita: “Por que não você?
Existe apenas uma forma de violência? Existe um novo tipo de violência no ar. Obviamente, eu nunca mataria. Não sou o tipo de pessoa que faria”.

No filme estadunidense de ficção científica Minority Report, lançado em 2002, um departamento de polícia especializada chamado “Pré-Crime”, situado no ano de 2054, apreende criminosos com base no aviso prévio fornecido por três videntes chamados “precogs”. Estrelado por Tom Cruise e dirigido por Steven Spielberg, o roteiro é baseado no conto homônimo de Philip K. Dick. No caso, paranormais conseguem visualizar antecipadamente quem praticará crimes e a pessoa identificada é punida antes de cometer o delito.

Esse desejo de controle já percorreu outras veredas pseudocientíficas.
Identificar e neutralizar um suposto criminoso – a determinação da personalidade criminosa – antes de praticar o fato já foi / é usado por meio de argumentos biológicos, neurocientíficos e estatísticos. Não deixa de ser uma pretensão totalitária.

No século XVI, o ocultista, astrólogo e alquimista italiano Giovanni Battista Della Porta investiu nos estudos da fisiognomia, para analisar a personalidade das pessoas a partir de traços da face humana e do desenho craniano. Seguindo a mesma trilha, o filósofo e teólogo suíço Johan Kaspar Lavater atestou, no século XVIII, que a propensão agressiva ou dissimulada estava na cara do indivíduo.

O médico alemão Franz Joseph Gall deu grande impulso a chamada frenologia, no início do século XIX. Pelo formato da cabeça seria possível identificar a tendência criminosa da criatura. Entusiasta da frenologia, o linguista e pedagogo espanhol Mariano Cubí Y Soler, defendia, em meados do século XIX, que seria possível detectar o crânio dos homicidas. Foi o médico, antropólogo e jurista Cesare Lombroso quem sistematizou e desenvolveu em detalhes as bases dos fenômenos criminológicos a partir de fatores biológicos.

A concepção de que existem seres humanos biologicamente inferiores foi propagandeada com status científico. O antropólogo e matemático inglês Francis Galton foi quem cunhou o termo eugenia e a ideia de formar uma raça superior foi assumida pelos seguidores de Galton. Sabemos no que isso deu.

Na pergunta de Lucera “Por que não você?”, Daniel Veronese potencializa a trajetória desses controles da pseudociência e também os rastros, os vestígios da colonização e suas consequências.

Mulheres sonharam cavalos. foto Ivana Moura

Há muitas pontas soltas na vida das figuras da peça. Essas lacunas, esses buracos, essas informações dadas a conta-gotas criam uma tensão do adiamento, um certo incômodo para montar os encaixes do tabuleiro. São materiais ricos para os atores trabalharem as vísceras das personagens. Cada atriz / ator elabora as qualidades de suas personagens humanas e suas relações desumanas

São muitos desejos ocultos. Elos quebrados. Com os diálogos, o lugar vai ficando cada vez mais claustrofóbico. O espaço alternativo em que é realizada essa primeira temporada, uma sala multiuso no bairro de Santa Cecília parece que vai diminuindo de tamanho quando o ar fica mais pesado, a densidade dramática vai crescendo.

Mulheres sonharam cavalos estreou em Buenos Aires em 2001 e ficou em cartaz até 2004. A revisitação à memória da ditadura na Argentina, na América Latina são temas recorrentes dos seus dramaturgos. Veronese diz que quando escreve precisa exorcizar algo. Talvez os criadores do teatro precisem exorcizar lugares sinistros.

Com direção de Ivan Sugahara e tradução de Letícia Isnard, Mulheres sonharam cavalos teve uma montagem no Rio de Janeiro, em 2011, com elenco formado por Analu Prestes, Elisa Pinheiro, Isaac Bernat, José Karini, Letícia Isnard e Saulo Rodrigues.

Mulheres sonharam cavalos tem elenco formado por Anna Toledo, Erica Montanheiro, Rita Pisano, Bruno Perillo, Gustavo Trestini e Haroldo Miklos.

Quem sofre a violência pode ser comparado a uma represa (aparentemente) controlada, mas que um dia poderá explodir. Bazán é sagaz no seu processo de extrair o quase blasé de algumas situações, para iluminar a raiz da perversão. As quebras, as pausas, a dosagem do grau de ferino dos diálogos abrilhantam o texto. A movimentação, a partitura dos corpos, a linguagem visual, a emoção do ator, as opções de ir na contramão dos procedimentos naturalísticos e a simultaneidade da cena compõem um mosaico duro para falar da nossa (des)humanidade com contundência. E um pouco de humor, cáustico, mas humor.

Como uma perita a diretora disseca aqueles sentimentos censurados e amorais, que estão contidos nas personagens. E é no teatro, nesse encontro ao vivo, que essas experiências estranhas e por vezes devastadoras são possíveis. Poética e crueldades se ajustam num abraço intrigante. Apesar de toda a violência, há um escape onírico.

Mulheres sonharam cavalos está em cartaz no “º Andar” (Rua Dr. Gabriel dos Santos, 30 – 2º andar, Santa Cecília, São Paulo) até segunda-feira, 6 de dezembro.

Ficha Técnica

Texto de Daniel Veronese.
Tradução e Direção de Malú Bazán.
Elenco: Anna Toledo, Erica Montanheiro, Rita Pisano, Bruno Perillo, Gustavo Trestini e Haroldo Miklos.
Trilha Sonora: Malú Bazán e Bruno Perillo.
Cenário e Figurinos: Anne Cerutti.
Desenho de Luz: Miló Martins.
Fotografia: Cassandra Mello.
Operação de Luz e Som: Guilherme Soares.
Assistência de Produção e Figurino: Marcelo Leão.
Produção: Anayan Moretto

Serviço

Mulheres Sonharam Cavalos
Temporada: de 13 de novembro a 06 de dezembro, de quinta a segunda, às 20h15
Local: º Andar. Rua Dr. Gabriel dos Santos, 30 – 2º andar, São Paulo – SP
Espaço localizado no segundo andar com acesso por escadas.
Duração: 80 minutos
Lugares: 20
Classificação: Não recomendado para menores de 14 anos
Ingresso: Gratuito – Retirados pelo Sympla
www.oandar.com
Instagram:@o.andar

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Em um mundo repleto de possibilidades infinitas, por que ainda devemos nos limitar a rótulos?
Vamos conferir Cock – Briga de Galo

Cock. Foto: Pedro Bonacina / Divulgação

O título é provocativo. Cock – Briga de Galo, de Mike Bartlett, com direção de Nelson Baskerville, trata de assuntos do coração e de outras partes mais excitantes do corpo. Ao dar um tempo com seu namorado de sete anos, John se apaixona por uma mulher. O conflito é esse. A crise de identidade, desejo e sexualidade do protagonista. Com quem ficar? Isso pode ser uma divertida comédia, com a retórica de vituperação.

O espetáculo estreia neste 2 de dezembro, na Oficina Cultural Oswald de Andrade, onde fica em cartaz até 18 de dezembro. As apresentações são gratuitas e ocorrem de segunda a sexta, às 20h; e aos sábados, às 18h.

A encenação brasileira foi idealizada por Andrea Dupré e Daniel Tavares, que também estão no elenco ao lado de Hugo Coelho e Marco Antônio Pâmio.

Em inglês, “Cock”, é uma palavra com múltiplos sentidos: galo, pau/pênis e uma gíria para apontar alguém de personalidade arrogante. A peça brinca com todos esses significados.

A obra dramatúrgica conhecida como The Cockfight Play foi escrita durante um intercâmbio de Bartlett no México, país da lucha libre e onde ainda existem as brigas de galos. O autor conectou o protocolo das rinhas – nas quais em um pequeno palco, dois pequenos animais se atacam, lutam, e se destroem – com o ritual do teatro. Essa imagem inspirou o dramaturgo a traçar os embates cortantes e emocionais da peça.

Cock rendeu a Mike Bartlett o Olivier Award (2010), na categoria “Outstanding Achievement”, uma honraria do teatro inglês. Mike Bartlett tem um escrita afiada, inteligente e bem-humorada. Suas peças Bull, Contrações, Love Love Love e Medea foram montadas no Brasil.

A peça tem direção de Nelson Baskerville. Foto Pedro Bonacina / Divulgação

O público é lançado como testemunha dessa rinha na encenação de Nelson Baskerville, que segue sugestão do autor. A plateia é posicionada em uma arena – em cenário criado por Chris Aizner, com uma grande luminária de Wagner Freire. O diretor procura aproximar o espectador ao máximo das personagens, na expectativa que a plateia torça por essas figuras que expõem suas paixões e medos. Mas avisa que o embate vai doer. “O amor é transgressivo e dói”, entende o diretor.

Os figurinos, concebidos por Marichilene Artisevskis, também segue indicação de Bartlett, sem muitos enquadramentos convencionais, já que a peça questiona justamente a categorização das pessoas. A trilha sonora original, assinada por por Dan Maia, marca algumas transições de cenas e o início dos três grandes blocos que compõem o texto.

Ficha Técnica

Texto: Mike Bartlett.
Tradução: Andrea Dupré.
Direção: Nelson Baskerville.
Elenco: Andrea Dupré, Daniel Tavares, Hugo Coelho e Marco Antônio Pâmio.
Iluminação: Wagner Freire.
Figurino: Marichilene Artisevskis.
Cenário: Chris Aizner.
Trilha Sonora Original: Daniel Maia.
Preparador Corporal: Mauricio Flores.
Cenotécnico: Cesar Rezende.
Técnico de Luz e Som: Leandro Di Cicco.
Acessibilidade Audiovisual: Nara Marques.
Assessoria de Imprensa: Adriana Balsanelli.
Midias Digitais: Inspira Comunicação – Felipe Pirillo e VanessaScorsoni.
Fotos: Pedro Bonacina.
Idealização: Andrea Dupré e Daniel Tavares.
Administração: Fenetre Produções. Produção: Contorno Produções.
Produtora Executiva: Laura La Padula.
Assistente de Projetos: Bianca Bertolotto.
Assistente de Produção e Comunicação: Carolina Henriques.
Direção de Produção: Jessica Rodrigues e Victória Martinez. 

O espetáculo COCK – Briga de Galo foi contemplado pela 10ª edição do Prêmio Zé Renato para a Cidade de São Paulo, instituído pela Lei nº 15.951/2014  

Serviço

COCK – Briga de Galo, de Mike Bartlett, com direção de Nelson Baskerville
De 2 a 18 de dezembro – de segunda a sexta, às 20h; sábados, às 18h
Oficina Cultural Oswald de Andrade – Sala 03 – Rua Três Rios, 363 – Bom Retiro, São Paulo, SP
Ingressos: Grátis, distribuídos 1h antes de cada sessão
Duração: 120 minutos
Classificação indicativa: 14 anos

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