Todo mundo odeia Caio
Crítica do espetáculo Cachorros não sabem blefar

Cachorros não sabem blefar, espetáculo de um grupo focado no Teatro do Absurdo

Os personagens dividem o mesmo espaço territorial, mas não conseguem conviver. As situações vão girando em círculos, se repetindo em intervalos, evidenciando ódios aleatórios, construídos sem motivação real aparente. Comunicação é apenas uma utopia quando faço questão de não ouvir ou o que eu digo não encontra ressonância no outro. O relógio está parado porque o tempo de alguma forma também parou, o que é lamentável, deixando todos presos ali, sem expectativa de mudança, mas ansiosos para que alguma coisa finalmente aconteça. Não necessariamente estamos falando da política no nosso país. Ou da espera para que Rodrigo Maia dê andamento ao processo de impeachment de Bolsonaro. Mas também estamos. Por que não? Cachorros não sabem blefar, título mais do que pertinente ao momento, provocador, é o espetáculo do “Grupo? Que absurdo!”, de Caruaru, apresentado neste Janeiro de Grandes Espetáculos.

CONFIRA A PROGRAMAÇÃO DO 27º JANEIRO DE GRANDES ESPETÁCULOS.

Em 2016, Rhamon Gutiérrez, diretor do espetáculo, que também está no elenco, e outras duas pessoas da equipe, viram essa dramaturgia ser encenada pela Cia. 5 Cabeças, de Belo Horizonte. Com texto e direção do mineiro Byron O’Neill, a peça foi apresentada em Caruaru, Arcoverde e Triunfo pelo projeto Palco Giratório, do Sesc. Naquele momento, o grupo pernambucano ainda não existia em sua formatação atual, mas Gutiérrez tinha um grupo chamado Trupe Zupee de Teatro. Em 2018, montou A Cantora Careca, de Eugène Ionesco, um dos dramaturgos do Teatro do Absurdo, mesma linha do texto do mineiro O’Neill.

O termo Teatro do Absurdo surgiu no fim da década de 1950 para dar conta de um teatro criado pós-Segunda Guerra Mundial, que tinha muito a ver com o homem forjado naquele ambiente. Os textos trazem desolação, incapacidade de comunicação, situações non sense. Obras de dramaturgos como Ionesco, Samuel Beckett, Harold Pinter e Fernando Arrabal são representantes do Teatro do Absurdo.

Depois dos estudos que fizeram para montar A Cantora Careca, os artistas decidiram encerrar a Trupe Zupee de Teatro e fundar o “Grupo? Que absurdo!”. Lembraram então do texto de O’Neill, que cedeu os direitos da dramaturgia. As leituras e ensaios começaram em 2019, com a expectativa de estreia em abril de 2020, que esbarrou na pandemia do coronavírus. Continuaram virtualmente até que o Teatro Rui Limeira Rosal fosse liberado para receber o público. A estreia aconteceu no fim do ano passado.

No espetáculo, cinco pessoas que, aparentemente, não possuem nenhum elo, convivem enquanto o tempo parece estagnado. É um texto que explora bastante o recurso da repetição e que fala do quanto somos intolerantes. Dos nossos preconceitos, das incapacidades como sociedade. Há um suspense instaurado, como se algo estivesse sempre prestes a romper o estabelecido. De uma hora para outra, como efeito manada, todos odeiam pessoas com o nome Caio e isso desencadeia uma série de reações.

O elenco da versão pernambucana tem Adriana Oliveira, Gomes Silva, Paula Monteiro, Rhamon Gutiérrez e Síntique Ramos. São todos atores jovens. Talvez a própria trajetória do espetáculo traga mais potência a esses personagens, que já possuem um discurso, porém frágil, já que esse texto ainda não repercutiu nos corpos. E texto também é corpo. Algumas perguntas ainda estão sem resposta dentro do próprio processo. Por exemplo: como me ouvir enquanto falo? Como ouvir enquanto o outro fala? Como ouvir com o corpo inteiro? Como falar com o corpo inteiro? De que forma a minha presença no palco alcança quem está na plateia? Qual a relação disso com energia, ritmo, tensão? São questionamentos que podem aprimorar o espetáculo e que servem para uma vida inteira.

Se o caminho do Teatro do Absurdo é a escolha prioritária do grupo, falta agora ampliar as possibilidades de carregar esses personagens tão distópicos. É uma longa estrada, uma espera que vai parecer sem fim, talvez seja irritante perseguir o resultado desejado, o relógio muitas vezes vai parecer parado. Até que se entenda a relevância do processo, da continuidade, da transformação.

Ficha técnica:
Cachorros não sabem blefar, do Grupo? Que absurdo!
Direção:  Rhamon Gutiérrez
Dramaturgia:  Byron O’Neill
Elenco: Adriana Oliveira, Gomes Silva, Paula Monteiro, Rhamon Gutiérrez e Síntique Ramos
Direção de arte:  Rhamon Gutiérrez
Trilha sonora:  Everton Albuquerque
Técnico de som:  Júlia D’arruda
Desenho de Luz:  Rhamon Gutiérrez 
Técnicos de luz:  Wendel Mendonça
Acompanhamento de processo:  Everton Albuquerque e Sil Cardoso

 

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Arte no Terreiro do Sertão do Pajeú

Histórias de Cascudo. Foto: Thais Lima/ Divulgação

O Chama Violeta, um festival a céu aberto, foi realizado no Sertão do Pajeú pernambucano de forma presencial, em dezembro, mesmo com todas as dificuldades devido à pandemia do Coronavírus. O público era formado apenas pelos moradores da região. As apresentações ocorreram no Terreiro de Dona Dia no Sítio Xique-Xique, Terreiro da Igreja do Sítio Minadouro e Terreiro de Aurinha no Sítio Caiçara. dos sítios Minadouro, Xique-Xique e Caiçara, na área rural de Ingazeira. As apresentações foram gravadas e a terceira edição do Chama Violeta está online, no canal do Youtube No Meu Terreiro Tem Arte. Agora, qualquer pessoa que tenha internet, de qualquer parte do planeta pode conferir essa lindeza de ato de resistência cultural.

A idealizada do projeto é a artista pernambucana Odília Nunes, 38, atriz, palhaça, produtora cultural, poeta e mãe de Violeta, 12 anos, e de Helena, 9, que já seguem os passos da mãe e defendem as palhaças Viola e Jerimum. Elas vivem na comunidade rural, Minadouro, com cerca de 30 casas afastadas e com uma vegetação que inclui catingueiras, aroeiras e juremas. Nessa paisagem, no pátio de casa ou defronte à residência dos vizinhos foi produzida a terceira edição do Chama Violeta, festival que começou em 2018, uma ação do projeto No Meu Terreiro Tem Arte, que existe desde 2015.

 

O festival seguiu todos os protocolos sanitários – equipe e público – e salienta que nenhuma pessoa adoeceu durante ou depois das ações. Os 25 artistas que participam desta terceira edição passaram por um confinamento de 12 dias antes das apresentações para pequenos grupos durante três dias de festival: Carolzinha Lima de Triunfo (PE), Cia. Biruta de Petrolina (PE), Cia. Cirkombi de João Pessoa (PB), Cia. Trupeçando (PB), Circo do Asfalto (SP), Fabiana Pirro (PE), Nanda Melo (PE), Rapha Santa Cruz (PE), Teatro de Retalhos (PE).

Perfeitamente Imperfeitos. Foto Rayra Martins

Odília Nunes tem razão quando destaca a importância do Chama Violeta para o Sertão do Pajeú e para o interior de Pernambuco “por seu caráter descentralizador dos bens culturais, intercâmbios e a circulação dos artistas, como também por mostrar alternativas para promoção cultural longe dos grandes centros e em regiões que não possuem equipamentos culturais”. Realmente é um drible de uma visionária inspiradora.

Apoio – Realizado pelo projeto No Meu Terreiro tem Arte, o 3º Festival Chama Violeta conta com incentivo da Lei Aldir Blanc em Pernambuco na categoria Edital para Festivais e conta com a parceria da Rede Interiorana de Produtores, Técnicos e Artistas Pernambucanos (RIPA), da Tronxo Filmes e Toró de Ideias.

PROGRAMAÇÃO

Dia 14/Quinta

já disponível – https://www.youtube.com/watch?v=hV6T3as1Yn0
Locação: Terreiro de Dona Dia no Sitio Xique-Xique

Histórias de Cascudo – Cia Biruta/ Petrolina – PE
Adaptação do conto Os Compadres Corcundas, do livro Contos Tradicionais do Brasil, de Luís da Câmara Cascudo. Os dois personagens do título, um pobre e outro rico, seguem caminhos diferentes pela força do verso e da generosidade do coração.

Cara de Pau – Fabiana Pirro/ Recife – PE
O solo propõe uma reflexão sobre a importância da Cultura em um país que tem como uma das maiores riquezas a criatividade do seu povo para enfrentar o cinismo e o descaso de políticos e figuras que ocupam o poder.

Dia 15/Sexta 

Locação: Terreiro da Igreja – Sítio Minadouro

Espalhaça – Nanda Melo /Recife –PE
A palhaça Margot Margô faz intervenção errante e convida o púlico a experimentar outras histórias e modos de estar no mundo juntass.

Sonho de uma Profissão – Rapha Santacruz/Recife – PE
O mágico lembra que cada um tem sua vocação e apresenta números de mágica para várias ajudar na descoberta da profissão, de forma lúdica e divertida.

Clássicos e Vice Versa – Cia Circo do Asfalto /Santo André – SP
Uma família de circenses viaja o mundo levando em sua mala as memórias e lembranças que jamais vão esquecer. Com cenas de malabarismo, acrobacia, palhaçaria e outras surpresas.

Dia 16/ Sábado

Locação: Terreiro de Aurinha no Sítio Caiçara
Perfeitamente Imperfeitos – Cia Trupeçando /Sumé – PB
São experiências de teatro de rua e habilidades circenses dos artistas Allan Barros (Palhaço Salsicha) e Guadalupe Merki (palhaça Guada), o que cada um trouxe de sua trajetória pessoal e o que esse encontro proporcionou de novo – um insólito trabalho em dupla não convencional.

O Matuto – Rapha Santacruz/Recife – PE
Uma figura saída de um cordel, misto de palhaço e mágico, apresenta seu universo de encantamento, com trilha sonora tipicamente nordestina.
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Dança das origens
Crítica do espetáculo À un endroit du début

Germaine Acogny em À un endroit du début. Foto: Thomas Dorn / Divulgação

Germaine dança para seu pai, sua avó paterna e suas heranças africanas. Foto: Thomas Dorn / Divulgação

A performance multimídia À un endroit du début (Em Algum Lugar no Início), de Germaine Acogny, se move junto à biografia dessa dançarina e coreógrafa africana de carreira singular. Nesse solo, seus movimentos envolvem uma vida;  atravessam várias gerações; e ainda, abarcam memórias de colonialismo, origens e antepassados, tradição, identidades múltiplas, questionamentos contemporâneos.

As palavras de seu pai, um funcionário colonial; as vivências da sua avó, sacerdotisa vudu do Dahomey  (um reino africano que existiu entre 1600 e 1904, foi derrotado pelos franceses e o país foi anexado ao império colonial francês), abrem caminhos no tempo. Por gestuais e falas dessa artista de 76 anos, de vitalidade invejável, À un endroit du début exibe-se como um espetáculo desconcertante, de incrível força, visceral e emocionante.

Germaine Acogny entra em cena, senta-se no palco e lê um trecho do diário Narrativas de Aloopho. “Terminando de escrever sua biografia, meu pai diz”:

Permitam-me formular um desejo: que os homens, todos os homens, independentemente das suas origens e concepções religiosas ou filosóficas, se conheçam complementares uns dos outros e estabeleçam o diálogo indispensável. Veremos que os preconceitos cairão uns após os outros e que a terra será propriedade de todos. Viena, 10 de Agosto de 1979, Togoun Servais Acogny.

Em seguida, a artista apaga uma vela e olha para a foto projetada do pai, que parece lhe sorrir.

Togoun Servais Acogny foi administrador das colônias no Senegal dos anos 1950 e exerceu a função de diplomata em Viena. No livro paterno – não publicado – ele fala de coisas que o afetaram na época. A mãe de Togoun, Aloopho, uma sacerdotisa Yoruba, deu à luz aos 60 anos. Germaine conclama essas duas figuras para traçar sua história pessoal e familiar, provocando intepretações sobre o papel da mulher na África.

A dançarina lê em voz alta, canta, escreve palavras no ar, se desloca no espaço, honra seus antepassados convocando os rituais da avó, reclama memórias de infância submersas em enigmas.

Toi, Aloopho, ma mère, aujourd’hui tu n’est plus, ton souvenir s’efface, tu es Dieu toi même… tu as eu foi en tes Dieux et cela a suffit pour m’enggendrer. Si je remarque des erreus sur la route que tu m’as tracée, je sais au moins qu’elle ne t’a point conduit, toi, à une vie dépravée. Togoun Servais Acogny.

Tu, Aloopho, minha mãe, hoje já não és mais, a tua memória está a desvanecer-se, tu és Deus tu mesma… tiveste fé nos teus Deuses e isso foi o suficiente para me atormentar. Se eu reparo nos erros do caminho que me traçaste, pelo menos sei que ele não te conduziu, a ti, a uma vida corrompida. Togoun Servais Acogny.

A um lugar do início denuncia a negação feita pelo pai da artista aos costumes cerimoniais ancestrais senegaleses – defendidos por sua avó -, influenciado pelo colonialismo e pela conversão ao catolicismo. Ela exprime uma sociedade em guerra de valores em movimentos fortes, que passam inevitavelmente pela fúria contra os brancos e pontos de inadequação com sua própria comunidade. 

No coração dessa cena, uma dançarina feminista denuncia a violência contra as mulheres e acusa a poligamia, defendida por seu pai “convertido”. Celebra a herança abjurada, com seus cantos e danças mágicos. Ela vai ao seu lugar de início. E questiona o apagamento da memória comunitária, de uma identidade fraturada.

Moi, Togoun Sevais Acogny, j’avais 9 ans quand on m’a inculqué l’idée que les Dieux de ma mère, Aloopho, étaient des démons. “Le fétiche de Python” , me disait-on, s’est transformé en homme et a fait manger la fruit défendu à Eve . Tout cela a fini par provoquer en moi la haine des fetiches de ma mère. 

Eu, Togoun Sevais Acogny, tinha nove anos quando fui ensinado que os deuses da minha mãe, Aloopho, eram demônios. “Le fétiche de Python” , diziam-me, transformou-se em homem e fez Eva comer o fruto proibido. Tudo isso acabou por me fazer odiar os amuletos da minha mãe.

Facas projetadas refletem o corte das tradições. A artista se move angustiada entre as escolhas de seu pai e as ações de sua avó. Germaine traduz outros conflitos íntimos com sua dança. Foto Thomas Dorn

Germaine Acogny gosta de se apresentar como “uma mulher negra, nascida em Bénin, etnia yoruba, crescida no Senegal, divorciada com dois filhos, recasada com um alemão”. Desde a montagem do solo autobiográfico À un endroit du début, em 2015, ela prefere chamar-se “Germaine Marie Pentecôte Salimata Acogny”. Ela nasceu no dia de Pentecostes em 1944, e foi batizada duas vezes, na religião católica e mulçumana. 

O questionamento feminista de Germaine é espiralado nesse espetáculo em que a mulher sofre, se revolta, exalta, desconstrói paradigmas culturais, reconstrói atos contemporâneos, mas não larga as essências da tradição impregnadas nas suas células ancestrais e familiares. Sua dança está carregada dessa porosidade. Entre mutações e influências do tempo, em movimentos coloniais, religiosos, sociais.

as ideias de seu pai, que expõe os inconvenientes da monogamia e do casamento na igreja

A encenação do franco-alemão Mikael Serre cruza a dança, a narração, o teatro e a projeção de fotografias e de filmes (captações documentais e criações de Sébastien Dupouey). Mikael Serre já disse que “Germaine encarna o que quase todos nos tornamos, humanos em trânsito, exilados, convertidos e reconvertidos”.

O vocabulário gestual da bailarina está carregado das figuras tradicionais da dança africana e do contemporâneo, inspirados ainda nos bamboleios do trabalho de campo ou de casa. Um solo, com o palco vazio, repleto de uma população. Da família de Acogny, da herança africana, do multiculturalismo. Passa por diversos estados emocionais, da contemplação, transe, cólera, oração. Uma cortina de fios, na qual  são projetados  testemunhos e imagens do pai de Germaine, serve de provocação cognitiva de orgulhoso e rebeldia.

A música composta por Fabrice Bouillon alimenta a mudanças de pulsação coreográfica. São potentes os movimentos de seus braços e quadris fortes, sublinhando nos seus passos as forças ancestrais. Ela manipula com vigor a parte inferior do seu vestido longo criando outras formas. 

Filmagens de ações culturais no Senegal.

As influências de Germaine são complexas, dos estudos da dança em centros importantes da Europa às heranças artísticas e identitárias. Em 1960 ela se mudou de Dakar, Senegal, para a França em busca de dança moderna e treinamento de balé. Entre 1977 e 1982, Germaine dirigiu a Mudra Afrique, em Dakar, uma escola de dança idealizada por Maurice Béjart (1927-2007) e pelo primeiro presidente senegalês (1960 a 1980), Leopold Senghor (1906 – 2001) – poeta que cunhou, junto com o poeta antilhano Aimé Césaire (1913 – 2008), o termo “negritude”. Em 1998, Germaine cofundou a l’École des Sables (Centro internacional de danças tradicionais e contemporâneas africanas), em Toubab Dialaw, Senegal, com seu marido Helmut Vogt.

Essa autobiografia dançada forte e impactante, no entanto, não se oferece fácil na escolha plural de linguagens: memória; ficção; posicionamentos existenciais, poéticos e políticos, nessa profusão de imagens e textos, narrativas e reportagens sobre o Senegal, coreografia e questionamento social.

Depois de passar por diversos estados e tempos no palco, Germaine Acogny aparece com uma fantasia de gris gris (amuleto feito por um feiticeiro para dar sorte e conjurar os maus feitiços), uma sinalização de que é preciso preservar a memória. Mas também se despe da alegoria, lembrando que a tradição não deve engessar seus passos.

As suas últimas palavras, dirigidas ao seu pai, “Perdoo-te”, são de grande poder. Ela que se autoproclama “réincarnation” de sua avó Aloopho diz: 

Papa,
Je suis ta mère.
je te baptise.
je te pardonne

O espetáculo teve transmissão em vídeo gravado e exibido no contexto do Festival Janeiro de Grandes Espetáculos, do Recife. Não me pareceu a melhor filmagem do espetáculo. A produção do festival também não considerou que seria necessário legendar a montagem, o que causou prejuízo na recepção. À un endroit du début é um espetáculo de dança, teatro, vídeo, e mais, falado em francês, repleto de referências autobiográficas, de uma artista muito importante da dança mas, possivelmente, não tão conhecida do público deste JGE. Realmente uma falha.

Confira a programação do Janeiro de Grandes Espetáculos.

Bem, para quem se interessar pelo trabalho de Germaine Acogny existe uma filmagem disponível, recente, de dezembro último, feita pelo Théâtre de la Ville de Paris, em francês, uma gravação de qualidade, com contraplanos, zoons, closes, que corta menos as projeções dos textos. O ponto negativo da gravação é a permanência do logo da TV e do programa em letras grandes. O do teatro também está lá, mas é discreto e não incomoda.

Sim, a filmagem inicia com a apresentação do diretor do Théâtre de la Ville, Emmanuel Demarcy Mota, uma fala do cofundador da l’École des Sables e companheiro de Germaine, Helmut Vogt, e do diretor da peça, Mikael Serre. Além de uma pequena reportagem com Germaine Acogny. O espetáculo em si começa aos 12 minutos e 39 segundos da gravação.

 

Sombras e fantasmas

Ficha técnica:

À un endroit du début (Num lugar do início), com Germaine Acogny
Coreografia e interpretação: Germaine Acogny.
Direção: Mikael Serre.
Assistente coreógrafo: Patrick Acogny.
Cenografia: Maciej Fiszer.
Figurino: Johanna Diakhate-Rittmeyer.
Música composta e interpretada: Fabrice Bouillon «Laforest».
Vídeo: Sébastien Dupouey.
Luzes: Sebastian Michaud

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Na pandemia, somos todos Caipora
Crítica do espetáculo Caipora quer dormir

Caipora quer dormir, espetáculo com atuação de Giselle Rodrigues. Foto: Diego Bresani

Casa virou local de trabalho, que depois se transforma em restaurante, que vira academia, que pode ser também cinema, sala de teatro, boate de luzes coloridas, igreja e até consultório médico. E olhe que estamos falando de “casa” sendo mais generalistas já que, em terra de pandemia, quem tem espaço, varanda, quintal, ar puro, céu, sol e estrelas é rei. Caipora quer dormir – um espetáculo infantil para adultos estreou em 2017, em Brasília, bem antes dessa loucura que modificou tanto nossas vidas, os contextos familiares, as relações de trabalho. Mas é um espetáculo que, neste momento, expande seus contornos e possibilidades semânticas.

A gravação do espetáculo foi exibida no primeiro fim de semana do 27ª Janeiro de Grandes Espetáculos, uma edição que está acontecendo tanto em formato on-line quanto presencial. Confira aqui a programação.

Um dos elementos que mais nos chama atenção e desperta a curiosidade é a cenografia da montagem. Um apartamento rosa cheio de detalhes que pode ser comparado àqueles de revistas e contas de Instagram de decoração com chamadas “convidativas” do tipo: aprenda como viver “bem” em 10 metros quadrados, com o guarda-roupa que está escondido na parede, a cama que sai de num sei onde, a cozinha que é integrada e fica escondida em algum lugar. Das mágicas que construtoras e arquitetos conseguem fazer para que você ache que o lugar é maravilhoso, mesmo que toda sua extensão termine depois de três passos largos.

A casa de Caipora é exatamente assim – um espaço mínimo, mas com muitas soluções engenhosas, como se a vida se encaixasse perfeitamente em tudo que está disponível ali, naquele quadrado. Para amplificar as identificações que possam ter surgido ao longo dessa descrição, vai aqui mais uma informação: as plantas dispostas pelo cômodo dão a sensação de aconchego e de algum contato mínimo com a natureza.

O problema é que, no nosso caso (ou de muitas pessoas), estamos isolados em lugares mais ou menos assim por quase um ano. A sensação de claustrofobia, de não aguentar mais olhar para as quatro paredes, é gigantesca – ainda que a gente saiba que tragédia mesmo é morrer dentro de um hospital por falta de oxigênio como neste momento está acontecendo no Amazonas. Tragédia é viver num país que não tem governo e deixou que perdêssemos mais de 200 mil vidas numa pandemia.

Caipora volta do trabalho carregada de livros e, nesse intervalo, até que seja obrigada a sair de novo, uma vida inteira de tarefas acontece. Dobrar lençóis, fazer ginástica, estudar.  Só que Caipora está exausta, enclausurada nas obrigações cotidianas que nos acostumamos a tratar como normais na nossa vida. E que acabam preenchendo muito do nosso tempo. Como se a vida fosse só isso. Trabalhar, pagar boleto, lavar prato, ver a série que acabou de sair na Netflix, postar o por do sol no Instagram. Vamos nos habituando, resilientes que somos, e quando vemos, perdemos o controle. Levanta a mão quem não recebe mensagens de WhatsApp falando sobre trabalho depois do horário comercial ou quem não sente os efeitos da exposição prolongada às redes sociais. Se os limites já eram difíceis de serem mantidos, com a pandemia tornaram-se frágeis, esfumaçados.

Personagem está exaurida pelas tarefas do cotidiano

A montagem é uma parceria de dois nomes significativos na cena de Brasília: Giselle Rodrigues, coreógrafa, bailarina, atriz e professora, e Jonathan Andrade, ator, dramaturgo, professor, poeta, dançarino, cenógrafo.  Criação, direção, dramaturgia, cenografia e figurino de Caipora quer dormir são assinados por Andrade e a criação e atuação são de Giselle. Glauber Coradesqui fez colaboração dramatúrgica e assistência de direção.

O espetáculo quase não possui falas da personagem Caipora. O trabalho está baseado num trabalho elaborado de corpo de Giselle. São padrões de repetição, movimentações, uma cansaço que vai se tornando desesperador que ela consegue transmitir até na gravação da peça. A personagem é acompanhada por um narrador, como aqueles de desenhos animados, que conversa com a personagem, que pode ou não ser a nossa voz interior que não se cala nunca.

Por que não dormimos? Conseguimos descansar neste país? No limite da personagem, uma ruptura. Uma busca pelo que é inerente. Neste momento, mais do que nunca, precisamos de árvores plantadas no meio da sala. Precisamos nos reconectar com o que mais importa enquanto, tomara, meu Deus tomara, tudo isso passe.

Ficha técnica:
Caipora quer dormir – um espetáculo infantil para adultos
Criação, direção, dramaturgia, cenografia e figurino: Jonathan Andrade
Criação e atuação: Giselle Rodrigues
Colaboração dramatúrgica e assistência de direção: Glauber Coradesqui
Narração: Lupe Leal
Trilha sonora original: Quizzik
Iluminação original: Dalton Camargos
Ilustração e programação visual: Lucas Gehre
Fotografia: Diego Bresani
Produção executiva e gestão administrativa/financeira: Naná Maris
Cenotécnico: Kai Christian Kundrat
Operação de som: Micheli Santini
Operação de luz: Ananda Giuliani
Contrarregra: Jeferson Alves
Cinegrafista: Fernando Soares
Intérprete de libras: Isah Messias
Arte-educador: Wellington Oliveira
Projeto Escola: Lidi Leão

 

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Ação do Teatrojornal celebra a crítica digital

Ator Luiz André Cherubini em São Manuel Bueno, Mártir, do Grupo Sobrevento. A imagem de 2004 foi escolhida para representar a ação Biocrítica, que celebra os 10 anos do site Teatrojornal. Foto Biel Machado

Valmir Santos assiste à ação formativa Corpos da Exceção, no FIT São José do Rio Preto 2019. Foto: João Cordioli

Valmir Santos, idealizador e fundador do site Teatrojornal – Leituras de Cena, alimentava um sonho lá no início dos anos 2000: formar uma rede de jornalistas e críticos de teatro em tempos digitais para conectar as artes cênicas desse imenso e tão diverso Brasil. Isso não se concretizou (ainda) em sua totalidade. Mas os diálogos são criados e renovados constantemente para reavivar nossas crenças no teatro.

Da soberania da crítica feita para o papel-jornal ao território reiteradamente provocante do digital muitas mudanças ocorreram. Outras formas de encarar, de observar, de acalentar os teatros e seus artistas são experimentados por blogs individuais ou sites coletivos de críticos que se formaram ao longo da última década. Acompanhando as mudanças de paradigma no coração das artes cênicas, com o rasgar e costurar das práticas da cena e suas subversões, a crítica teatral experimenta novas miradas.

Aquele olhar agregador do Valmir do começo do século ressoa neste janeiro de 2021. A vontade de fazer junto inspirou o Teatrojornal a construir, de forma generosa, uma ação comemorativa que junta 10 grupos de pesquisadores de várias partes do país. Para celebrar seus dez anos, o site Teatrojornal propôs essa prática coletiva: o dossiê Biocrítica. Trata-se de um conjunto de artigos que iluminam as histórias de dez espaços “empenhados na crítica de teatro na internet, mais a trajetória do próprio Teatrojornal”. “Os textos foram escritos pelas pessoas que idealizaram essas iniciativas em oito estados, num movimento oposto ao declínio da crítica jornalística na mídia impressa” explica Valmir. Os artigos são publicados a partir deste 8 de janeiro, sempre às sextas e terças-feiras.

Nós, do blog Satisfeita, Yolanda?, estamos presentes e orgulhosas de participar dessa atividade. Nosso texto, que também serve à celebração dos nossos 10 anos, comemorados agora em 2021, será publicado no dia 15 de janeiro.

O primeiro artigo no ar é o da Questão de Crítica – Revista Eletrônica de Crítica e Estudos Teatrais, do Rio de Janeiro (RJ), criada em março de 2008.

A sequência de publicação adota a ordem de fundação das casas eletrônicas. Então, depois da QC vem o Teatrojornal – Leituras de Cena, que foi erguido em março de 2010, em São Paulo, SP; o Satisfeita, Yolanda?, criado em janeiro de 2011, no Recife; Macksen Luiz, também lançado em janeiro de 2011, no Rio de Janeiro; o Antro Positivo, concebido em outubro de 2011, em São Paulo. A série prossegue com Horizonte da Cena, criado em setembro de 2012, em Belo Horizonte(MG); o Tribuna do Cretino, que surgiu em julho de 2013, em Belém (PA), Quarta Parede, lançado em abril de 2015, no Recife (PE), Agora Crítica Teatral, criado em julho de 2015, em Porto Alegre (RS); Revista Barril, concebida em março de 2016, em Salvador (BA); e Parágrafo Cerrado, registrada em novembro de 2016, em Cuiabá (MT).

O Teatrojornal sugeriu que os convocados falassem “das motivações e ambições de início, as mutações de percurso, o pensamento editorial, o modo como o espaço é estruturado, a equipe envolvida e a percepção para o futuro da prática da crítica a partir do contexto de sua cidade”.

Com a proposta do Teatrojornal, nos reconhecemos, nos confraternizamos – apesar das diferenças e das divergências – com as grandezas estéticas, éticas, políticas, existenciais das artes cênicas, que sempre queremos vivas.  Essas vozes trazem um panorama relevante da cena e de sua recepção crítica a partir do seu lugar de fala.

Além dos autorretratos, o dossiê também conta com uma análise conjuntural, elaborada por três pensadores da cena: a pesquisadora e tradutora Fátima Saadi (RJ), editora da revista Folhetim da coleção Folhetim/Ensaios no âmbito da companhia Teatro do Pequeno Gesto; o jornalista e crítico Kil Abreu (SP), curador de teatro do Centro Cultural São Paulo e editor do site Cena Aberta – Teatro, Crítica e Política das Artes; e a bailarina Rosa Primo (CE), professora da Universidade Federal do Ceará, criadora de trabalhos solos em colaboração com outros artistas e ex-crítica de dança do jornal O Povo.

No epílogo da ação em fevereiro, a Biocrítica publicará uma avaliação da passagem da crítica em jornal para o território digital, assinada pela jornalista e crítica Maria Eugênia de Menezes, da equipe do Tetrojornal e também colaboradora do jornal O Estado de S.Paulo.

O site Teatrojornal – Leituras de Cena, anfitrião da ação Biocrítica, foi lançado em 20 de março de 2010 pelo jornalista e crítico Valmir Santos. Há alguns anos fazem parte da equipe editorial as jornalistas e críticas Beth Néspoli e Maria Eugênia de Menezes. E mais recentemente também a jornalista e agitadora cultural Neomisia Silvestre responsável pelas Mídias Sociais.

É um site que trafega por reportagens, críticas, entrevistas, crônica de vários colaboradores, Acervo com textos dos autores do site desde 2010 e as ações, como Encontro com Espectadores e Crítica Militante

Participam da ação Biocrítica :

Questão de Crítica – Revista Eletrônica de Crítica e Estudos Teatrais (desde março de 2008, Rio de Janeiro, RJ)
www.questaodecritica.com.br

Teatrojornal – Leituras de Cena (março de 2010, São Paulo, SP)
www.teatrojornal.com.br

Satisfeita, Yolanda? (janeiro de 2011, Recife, PE)
www.satisfeitayolanda.com.br/blog

Macksen Luiz (janeiro de 2011, Rio de Janeiro, RJ)
www.macksenluiz.blogspot.com

Antro Positivo (outubro de 2011, São Paulo, SP)
www.antropositivo.com.br

Horizonte da Cena (setembro de 2012, Belo Horizonte, MG)
www.horizontedacena.com

Tribuna do Cretino (julho de 2013, Belém, PA)
www.tribunadocretino.com.br

Quarta Parede (abril de 2015, Recife, PE)
www.daquartaparede.com

Agora Crítica Teatral (julho de 2015, Porto Alegre, RS)
www.agoracriticateatral.com.br

Revista Barril (março de 2016, Salvador, BA)
www.revistabarril.com/

Parágrafo Cerrado (novembro de 2016, Cuiabá, MT)
www.paragrafocerrado.com.br

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