Arquivo do Autor: Ivana Moura

Nanini leva tombo em estreia e mesmo assim retoma peça

Marco Nanini estreia Traidor, texto e direção de Gerald Thomas. Foto: Matheus José Maria

Grande Nanini. Na estreia do espetáculo Traidor, no Sesc Vila Mariana, em São Paulo, na noite deste sábado, 18/11, o ator de 75 anos levou uma queda no percurso de saída do palco.

Era uma transição de cena, estava escuro, e o ator tropeçou em duas pedras cenográficas que estavam no meio do caminho, do lado direito do palco, o que o fez bater com o rosto no chão. A peça foi interrompida.

Alguns minutos depois, o próprio Nanini retornou para avisar que estava com o nariz sangrando e seria atendido no camarim.

Um susto e minutos de muita apreensão. O diretor e dramaturgo da montagem, Gerald Thomas, entrou no palco para pedir que o público aguardasse, pois Nanini fazia questão de terminar a peça.

Disse que todo mundo ficou muito nervoso com a estreia e que a queda não fazia parte do espetáculo – o que pareceu óbvio, mas também tinha tudo a ver com as explorações dramatúrgicas da teatralidade em Nietzsche, citada em fluxos de pensamento, do questionamento da falta de sentido da vida à mira dos procedimentos cênicos. 

Thomas voltou ainda outra vez, para situar o estado do ator e confirmar que Nanini terminaria a peça.

No cenário de Traidor, entre outras coisas, tem um boneco gigante de Nanini amarrado, deitado no palco, e pedras. Essas pedras, que já haviam sido citadas na fala desconexa da personagem, de Drummond e seus versos, foram retiradas na segunda parte da apresentação, após a queda. 

Traidor  “é um abundante e divertido delírio psicológico de um ator acreditando e vivendo a soma de todos os personagens da história do teatro”, diz o material de divulgação. Nesse estado de desvario, a figura mistura diversos assuntos aleatórios: guerra Israel-Hamas-Palestina, publicidade, salsicha no bumbum, colapso climático, Kafka, William Shakespeare, Beckett.

Marco Nanini em cena no início de Traidor. Matheus José Maria

Outros atores também participam da peça, mas sem falas, numa movimentação que cria imagens sugestivas de sonhos ou pesadelos: Apollo Faria, Eder dos Anjos, Hugo Lobo e Wallace Lau e, pela voz em off, a atriz Fabiana Gugli, a sua diretora imaginária.

Nanini repete algumas vezes, em diferentes momentos, a frase “a gente se emociona, sim”, que remete à montagem Um Circo de Rins e Fígados, encenada em 2005, também com direção de Gerald Thomas.

Na segunda parte da peça, depois da queda, o ator veterano, que utiliza ponto há 10 anos (no teatro, cinema e TV), improvisou e brincou com o tombo e já emendou no texto que coincidentemente falava de médico e arte.

Foi muito aplaudido pela bravura, pelo amor ao seu ofício e pela garra renovada.

A peça segue em cartaz no Teatro Antunes Filho, no Sesc Vila Mariana, em São Paulo, até 17 de dezembro.

Boneco gigante do ator, amarrado, deitado no palco, compõe cenografia. Foto: Matheus José Maria

Traidor
Quando: 18 de novembro a 17 de dezembro. Quintas, sextas e sábados, às 21h. Domingos, às 18h
Onde: Teatro Antunes Filho, Sesc Vila Mariana, São Paulo
Quanto: R$ 60, R$ 30 (meia-entrada) e R$ 18 (credencial plena)
Ingressos: https://www.sescsp.org.br/programacao/traidor/

Ficha técnica:
Texto, direção e concepção visual: Gerald Thomas
Iluminação: Wagner Pinto
Cenografia: Fernando Passetti
Figurinos: Antonio Guedes
Direção musical e trilha sonora: Alê Martins
Direção de movimento: Dani Lima
Assistente de direção: Samuel Kavalerski
Direção de produção: Fernando Libonati
Coordenação de produção: Carolina Tavares

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A retomada do Festival Recife do Teatro Nacional

Viva o povo brasileiro. Foto Annelize Tozetto / Divulgação

Se eu fosse Malcolm. Foto: Rogerio Alves / Divulgação

É ambiciosa a 22ª edição do Festival Recife do Teatro Nacional que se desenrola entre 16 e 26 de novembro na capital pernambucana. Essa programação, da retomada, junta 28 espetáculos, sendo 15 produções do estado e 13 montagens nacionais inéditas no Recife, que estarão espalhadas pelos teatros de Santa Isabel e Parque, Apolo e Hermilo Borba Filho, Barreto Júnior e Luiz Mendonça. Além de ocupar as ruas da cidade, com apresentações no Morro da Conceição e na Avenida Rio Branco e nos mercados públicos de São José, Afogados, Água Fria e Casa Amarela. Esta edição mais que dobra em quantidade de peças da última, em 2019 (e talvez a mais reduzida, que aglutinou 12 obras cênicas) e tem como meta reavivar em tom maior um festival muito importante para cidade.

A 22ª edição do programa alimenta um clima festivo e de resistência, como a assumir um respiro depois desses últimos anos de pandemia e de pandemônio. E sintoniza com algumas pautas urgentes desse mundo problemático. Há uma diversidade de assuntos, das guerras ao protagonismo feminino, do sagrado ancestral indígena às mudanças climáticas, dos grandes gênios como Shakespeare e Garcia Lorca, passando pelo brasileiro João Ubaldo Ribeiro, ao poeta recifense periférico Miró da Muribeca.

É lógico que os recortes curatoriais poderiam ser outros. Um festival também é feito de possíveis. Dos recursos reservados para essa finalidade, disponibilidades dos grupos teatrais para compor a programação, escolhas e combinações entre produto artístico e espaço para pensamento crítico. Enfim, uma rede de negociações, interesses expostos e secretos, recortes curatoriais (mesmo quando são por chamamento púbico), prioridades de investimento.

De todo modo e preciso destacar a relevância deste festival para a cidade, tanto para o público quanto para os artistas do Recife. Lembro que já ouvi mais de uma vez o depoimento do ator, diretor e dramaturgo Giordano Castro, do Grupo Magiluth, que salienta a relevância para a formação dele mesmo, de sua trupe e dos artistas da cidade ao apontar o Festival Recife do Teatro Nacional como preponderante na construção de caminhos estéticos, éticos e políticos. Não é pouco.

A primeira versão do FRTN ocorreu em 1997, levando ao Recife um panorama de parte da produção cênica brasileira. Nessa edição inaugural algumas peças chegavam para tensionar certezas. Entre os espetáculos participantes estavam Para Dar um Fim no Juízo de Deus, encenada por José Celso Martinez Corrêa, Ensaio para Danton, de Sérgio de Carvalho, Rua da Amargura, do grupo Galpão na montagem de Gabriel Villela, as produções recifenses Duelo com encenação de Carlos Carvalho e a versão teatral controversa de A Pedra do Reino, do romance de Ariano Suassuna encenada por  Romero de Andrade Lima; entre outros.

Miró: Estudo nº 2 , do Grupo Magiluth. Foto: Joao Maria Silva Jr/ Divulgação

 

Yerma Atemporal. Foto Divulgação

O FRTN começa nesta quinta-feira com o musical carioca Viva o Povo Brasileiro (De Naê a Dafé), produzido pela Sarau Cultura Brasileira. A versão cênica do romance Viva o Povo Brasileiro, de João Ubaldo Ribeiro (1941-2014), é dirigida por André Paes Leme, tem 30 músicas originais compostas por Chico César, e direção musical e trilha original  assinada por João Milet Meirelles (da banda BaianaSystem). Ambientada em Itaparica, na Bahia, a montagem expõe um período de 400 anos, 1647 a 1977, acompanhando uma alma em busca da identidade brasileira, que encarna em personagens invisibilizadas nesse percurso histórico. Três figuras – Caboclo Capiroba, o Alferes e Maria Dafé -, destacam a força da ancestralidade na luta contra a escravidão e por uma igualdade e justiça social até hoje.

A produção local é majoritária nesta edição, pois ficou represada nos três anos sem festival e graças à articulação dos artistas que convenceram a equipe coordenadora do festival que pode ser uma boa ideia de dar uma centralidade aos trabalhos locais, ou seja, ter muitas peças pernambucanas num festival nacional pernambucano. 

Miró: Estudo nº 2, do Magiluth, celebra o poeta e a literatura de Miró da Muribeca, um homem negro e periférico que instalou em seu corpo performático o Recife como seu mundo. Com suas palavras feitas de amor e revolta o artista deslocou a margem para o centro do protagonismo. A partir de Miró, o Magiluth reflete neste espetáculo os lugares dos sujeitos numa peça teatral e para além dela.

Yerma – Atemporal revisita Garcia Lorca numa perspectiva do papel da mulher na sociedade contemporânea, da obsessão da protagonista em ser mãe e dos desejos femininos. A peça tem tradução e adaptação de Simone Figueiredo, e direção dela junto com Paulo de Pontes.

A performance cênico-musical Se eu fosse Malcom, percorre o legado de Malcolm X, uma das mais potentes vozes no combate à segregação racial, num trabalho  atravessado por outras ativistas feito Elza Soares, Lélia González e bell hooks. Com Eron Villar e Dj Vibra.

Grande Prêmio Brazil, performance urbana de Andréa Veruska e Wagner Montenegro,  apresentam duass personagens, Salário Mínimo e Custo de Vida, em quatro sessões nos mercados públicos da cidade.

Livremente inspirada em Gil Vicente, a montagem O Auto da Barca do Inferno, da Cênicas Cia de Repertório com direção de Antonio Rodrigues traz para a atualidade a discussão de moral, convenções sociais e religiosidade da dramaturgia.

O Irôko, a Pedra e o Sol, do grupo O Poste. Foto Ayane Melo

Severino e Sebastião vivem um romance homoafetivo e são perseguidos pela pequena comunidade quilombola evangelizada do Sertão pernambucano onde moram. O espetáculo O Irôko, a Pedra e o Sol utiliza referências da cultura de matriz africana, ancestralidade corporal e vocal. A montagem do grupo O Poste Soluções Luminosas tem elenco formado inteiramente por artistas negros. A trilha sonora foi composta e é tocada ao vivo pelo Grupo Bongar. 

Ao Paraíso tem texto e direção de Valécio Bruno, inspirado no conto Eu, agente funerário, de Hermilo Borba Filho. É a história do herdeiro de uma funerária à beira da falência, mas que vê seu  destino mudar após a chegada de um misterioso andarilho. O espetáculo é o resultado da pesquisa vencedora do edital O Aprendiz em Cena 2020.

Solo Para um Sertão Blues, é baseado no livro de título homônimo, da escritora Cida Pedrosa. O trabalho musical leva para a cena as vozes, climas e memórias de mulheres catadoras de algodão da região do sertão de Pernambuco. A direção é de Cláudio Lira.

Com classificação livre (crianças a partir de 4 anos), o espetáculo Enquanto Godot Não Vem versa sobre o tempo, sobre o que fazemos do nosso tempo. Enquanto esperam um mestre, os três Palhaços, Dodo, Dunga e Cadinho, refletem sobre as pulsações da vida nos dias de hoje.

Vento Forte para Água e Sabão. Foto: Rogerio Alves / Divulgação –

Alguém para fugir comigo. Foto: Divulgação

Fazem parte do repertório do Festival as montagens Deslenhar, do grupo Teatro Miçanga, Alguém para fugir comigo, do Resta 1 Coletivo (leia texto aqui), Pedras, flor e espinho, do grupo ACA Produções Artísticas, Narrativas encontradas numa garrafa pet, do Grupo São Gens de Teatro (leia crítica aqui), o infantil Céu estrelado, do grupo Pedra Polida, além de Vento forte para água e sabão, do Grupo Fiandeiros, fundado por um dos homenageados da 22ª edição do festival recifense, André Filho,

Duas sessões de leitura dramatizada integram o evento:  Justa, com texto de Newton Moreno, também homenageado do festival, encenado por Fabiana Pirro e Ceronha Pontes; e O Sonho de Ent, com texto de André Filho, encenado pela Cia Fiandeiros.

Cabaré Coragem, com o Grupo Galpão. Foto: Mateus Lustosa /Divulgação

Nacionais e inéditos

O tema desta edição é Teatro e Democracia e está presente na peça de abertura Viva o povo brasileiro (De Naê a Dafé) e de alguma forma em todas as montagens.

O Grupo Galpão, coletivo mineiro que já participou de várias edições do festival, desde a primeira, comparece com dois espetáculos inéditos: De tempo somos, um musical que celebra a história da companhia, e Cabaré Coragem, que reafirma a arte como lugar de identidade e permanência, e chama o público para compartilhar um repertório de músicas interpretadas ao vivo com números de variedades e danças, fragmentos de textos da obra de Brecht e cenas de dramaturgia própria.

O Clows de Shakespeare, do Rio Grande do Norte, leva para as ruas do Morro da Conceição algumas personagens do clássico Ubu Rei, de Alfred Jarry. Sátira política do espetáculo Ubu – O que é bom tem que continuar.

 Com dramaturgia e direção geral de Newton Moreno, Sueño, da Heroica Companhia Cênica, desloca Sonhos de uma Noite de Verão, de Shakespeare, para uma América Latina em que vigorava o autoritarismo e é ainda assombrada pelas ditaduras de ontem, mas que sempre sonha com liberdade.

Tatuagem, musical da paulistana Cia da Revista, faz uma adaptação para o teatro do filme homônimo do pernambucano Hilton Lacerda, que resgatou a irreverência do grupo de teatro Vivencial. A Direção da peça é de Kleber Montanheiro.

Pelos quatro cantos do mundo. Foto: Divulgação

O solo autobiográfico Azira’i resgata a vivência da atriz Zahy Tentehar com a mãe, Azira’i Tentehar, a primeira mulher pajé da reserva indígena de Cana Brava, no Maranhão, onde ambas nasceram. Ancestralidade, amor e sagrado se irmanam no espetáculo, que tem direção é assinada por Denise Stutz e Duda Rios.

Entre os infantis estão na programação Pelos quatro cantos do mundo, da Cia Teatral Milongas, do Rio de Janeiro, que leva ao palco a jornada de uma criança síria refugiada em busca do pai. Boquinha: E assim surgiu o mundo, que trata, como o título aponta, da origem e grandeza do universo; com o Coletivo Preto, da Bahia, e texto do ator Lázaro Ramos.  

Enquanto a trupe de Nuno, formada por Ana, Nico, Jonas, Olivia e Suriá, os A.N.J.O.S. do título da peça, buscam algo que se perdeu, ou que um deles perdeu, eles utilizam dança e circo para conduzirem o público por uma aventura engraçada. com a Cia Nau de Ícaros, de São Paulo, espetáculo de dança e circo.

Confira a programação completa abaixo.

Oficinas

A parte formativa do FRTN inclui cinco oficinas gratuitas, entre os dias 15 e 23 de novembro. Júlio Maciel, do Grupo Galpão, comanda O Ator e o Trabalho em Grupo, no dia 15 (das 9h às 13h, no Teatro Hermilo Borba Filho) com foco nas práticas de trabalho e experiências de escuta, atenção, presença e criação coletivas.

Produção e Gestão de Grupos, com Gilma Oliveira, também do Grupo Galpão, ocorre no dia 16 de novembro, ainda no Hermilo, das 14h às 18h. Na pauta estão alguns princípios norteadores da produção cênica, relacionados a contratos, planejamento, orçamentos, liberações, cargas, roteiros, checklists, cronogramas e logística de viagens, entre outros.

O ator, palhaço, dramaturgo e diretor Duda Rios, um dos fundadores da Barca dos Corações Partidos toca a Oficina Criativa de Atuação e Movimento, entre os dias 21 e 25, das 9h às 13h, no Paço do Frevo. O trabalho busca  potencializar o exercício criativo, a partir da investigação do movimento, da incorporação da natureza (Máscara Neutra) e da construção de universos teatrais particulares surgidos em improvisações.

O dramaturgo pernambucano premiadíssimo e homenageado da edição deste ano do Festival, Newton Moreno, ministra de 21 a 23 de novembro, das 14h às 17h, a Oficina de Dramaturgia, dedicada ao processo de criação do texto teatral, a partir do estudo de caso de alguns textos/processos.

A artista carioca Maria Lucas vai trabalhar a construção de narrativas cênicas individuais e em grupo na Oficina Corpo-Coro, a partir de histórias pessoais, utilizando como ponto de partida três perguntas: de onde venho, quem sou e o que me move? A oficina é direcionada para pessoas com poucas oportunidades de acesso às artes, pessoas trans, LGBTs, pretas e indígenas e se realiza de 17 a 19 de novembro das 14h às 17h, no Paço do Frevo.

As inscrições podem ser feitas no link: https://forms.gle/DTtU2YkbMz5gGacb9.

Sueño, de Newton Moreno. Foto Divulgação

Tatuagem, dirigida por Kleber Montanheiro. Foto: Rodrigo Chueri Divulgação

22º Festival Recife do Teatro Nacional

De 16 a 26 de novembro

Acesso gratuito, mediante entrega de um quilo de alimento não perecível

 Programação

Dia 16 (quinta-feira)

19h – Abertura + Viva o povo brasileiro (De Naê a Dafé), da Sarau Cultura Brasileira, (RJ), no Teatro do Parque

 Dia 17 (sexta-feira)

12hGrande Prêmio Brazil, de Andréa Veruska e Wagner Montenegro (PE), no Mercado de São José

19hViva o povo brasileiro (De Naê a Dafé), da Sarau Cultura Brasileira (RJ), no Teatro do Parque

20h – Se eu fosse Malcom, de Eron Villar e DJ Vibra (PE), no Teatro Hermilo Borba Filho

20hDe tempo somos, do Grupo Galpão (MG), no Teatro Luiz Mendonça.

Dia 18 (sábado)

16hVento forte para água e sabão (infantil), do Grupo Fiandeiros (PE), no Teatro do Parque

18hAzira’i, solo da indígena Zahy Tentehar (RJ), no Teatro Apolo

18hCabaré Coragem, do Grupo Galpão (MG), no Teatro Luiz Mendonça

20hSueño, da Heroica Companhia Cênica (SP), no Teatro Santa Isabel

Dia 19 (domingo)

16hSueño, da Heroica Companhia Cênica (SP), no Teatro de Santa Isabel

16hEnquanto Godot não vem, da Cia 2 em Cena (PE), no Teatro Barreto Júnior

17h – O Irôko, a Pedra e o Sol, do grupo O Poste Soluções Luminosas (PE), no Teatro do Parque

18hAzira’i, solo da indígena Zahy Tentehar (MA), no Teatro Apolo

18hCabaré Coragem, do Grupo Galpão (MG), no Teatro Luiz Mendonça

Dia 20 (segunda-feira)

19hMiró: Estudo nº 2, do Grupo Magiluth (PE), no Teatro do Parque

19hDeslenhar, do grupo Teatro Miçanga (PE), na área externa entre os teatros Hermilo e Apolo

20hÓrfãs de Dinheiro, solo de Inês Peixoto (MG), no Teatro Apolo

Dia 21 (terça-feira)

20h – Alguém para fugir comigo, do Resta 1 Coletivo (PE), no Teatro Hermilo Borba Filho

Dia 22 (quarta-feira)

10hGrande Prêmio Brazil, de Andréa Veruska e Wagner Montenegro (PE), no Mercado de Afogados

17hUbu – O que é bom tem de continuar, do Grupo Clows de Shakespeare (RN), no Morro da Conceição

18h – Leitura dramatizada Justa, com Fabiana Pirro e Ceronha Pontes, na Faculdade de Direito

19hYerma – Atemporal, de Simone Figueiredo e Paulo de Pontes (PE), no Teatro do Parque

20hPedras, flor e espinho, do grupo ACA Produções Artísticas (PE), no Teatro de Santa Isabel

Dia 23 (quinta-feira)

10hGrande Prêmio Brazil, de Andréa Veruska e Wagner Montenegro (PE), no Mercado de Água Fria

17hUbu – O que é bom tem de continuar, do Grupo Clows de Shakespeare (RN), na Avenida Rio Branco

19hAuto da Barca do Inferno, da Cênicas Cia de Repertório (PE), no Teatro do Parque

21hSolo para um Sertão Blues, de Cláudio Lira (PE), no Teatro Apolo

21hNarrativas encontradas numa garrafa pet, do Grupo São Gens de Teatro (PE), no Teatro Hermilo Borba Filho

Dia 24 (sexta-feira)

11hGrande Prêmio Brazil, de Andréa Veruska e Wagner Montenegro (PE), no Mercado de Casa Amarela

15hBoquinha: E assim surgiu o mundo (infantil), do Coletivo Preto (BA), no Teatro Barreto Júnior

19h – Leitura dramatizada O Sonho de Ent, da Cia Fiandeiro (PE), na sede da companhia (Rua da Saudade, 240, Boa Vista)

20hContestados, da Cia Mútua Teatro e Animação (SC), no Teatro Apolo

21hAo Paraíso, de Valécio Bruno (PE), no Teatro Hermilo Borba Filho

Dia 25 (sábado)

15h – Boquinha: E assim surgiu o mundo (infantil), do Coletivo Preto (BA), no Teatro Barreto Júnior

17hA.N.J.O.S (infantil), da Cia Nau de Ícaros (SP), no Teatro Luiz Mendonça

17hPelos quatro cantos do mundo (infantil), Cia Teatral Milongas (RJ), no Teatro de Santa Isabel

18h e 20h – “Interior”, do Grupo Bagaceira (CE), no Teatro Hermilo Borba Filho

19h – “Tatuagem”, Cia Revista (SP), no Teatro do Parque

20h – “Contestados”, da Cia Mútua Teatro e Animação (SC), no Teatro Apolo

Dia 26 (domingo)

16hCéu estrelado (infantil), do grupo Pedra Polida (PE), no Teatro Apolo

17hA.N.J.O.S, da Cia Nau de Ícaros (SP), no Teatro Luiz Mendonça

17hPelos quatro cantos do mundo (infantil), Cia Teatral Milongas (RJ), no Teatro de Santa Isabel

18h e 20hInterior, do Grupo Bagaceira (CE), no Teatro Hermilo Borba Filho

19hTatuagem, Cia Revista (SP), no Teatro do Parque

 

 

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“Aqui você tem tempo”
Crítica de Guará Vermelha,
espetáculo da Companhia do Tijolo

 

Guará Vermelha é uma livre adaptação para o teatro do romance O voo da Guará Vermelha, de Maria Valéria Rezende. Foto: Ivana Moura

Trabalhadores do espetáculo da Companhia do Tijolo. Foto: Ivana Moura

Alguém do elenco de Guará Vermelha, espetáculo da Companhia do Tijolo, escreve na lona, que serve de quadro e chão: “Aqui você tem tempo”. Que convite fascinante e irrecusável neste mundo capitalista, que nos rouba o sono e o desejo na sanha de consolidar no imaginário de que tempo é dinheiro. Não meus amigos. Tempo é muito mais que o vil metal. Danem-se as campanhas publicitárias e os donos das grandes fortunas que insistem nessa tecla. Tempo é vida que pulsa, feito a flor de Drummond que rasga o asfalto contrariando as regras. Tempo pode ser haicai ou poema épico e assim vai.

A trajetória do Tijolo tem dessas coisas de comungar. De partilhar as horas, de esticar o encontro numa troca de muitas bonitezas (mesmo ao apontar lados sombrios). Às vezes a trupe vai tão fundo nas humanidades que até dói. Mas investe no caminho da cura, devagarzinho. É uma aposta no caminho freiriano da educação como prática da liberdade, do aprendizado e formação do ser, da celebração coletiva, da atuação no mundo com arte no teatro.   

Na maioria das vezes, as montagens são longas, urdindo fabulações que parece aquela música do Gilberto Gil, Entra em beco e sai em beco, cuja personagem começa sentada numa pedra.

As pedras estão em toda parte em Guará Vermelha. No meio do caminho. Pedra bruta do cotidiano. No lombo do ajudante da construção civil iletrado, que conta histórias com a maestria de Sherazade (narradora dos contos de As Mil e Uma Noites). Na educação pela pedra de João Cabral. Na pedra que ensina à criatura da aridez geográfica e humana.  

Pedrinhas que simbolizam pessoas que passaram e seguiram. Elas se fazem presentes. Pedras que podem traçar as pistas do itinerário, mas os apressados transeuntes desmancham sem nem notar. Pedras que entram na constituição de casas, escolas e teatros.  

Cena de Guará Vermelha, com Thaís Pimpão no papel de Anginha ao centro. Foto Ivana Moura

Guará Vermelha, a peça, se ergue em livre adaptação do romance O voo da Guará Vermelha, de Maria Valéria Rezende, que fala das necessidades afetivas, das fomes e carências dos que são achatados na pirâmide social e da epifania do encontro. São muitas coisas, muitas emoções da perspectiva dos oprimidos que a pedagoga, educadora popular (que colaborou com o professor Paulo Freire nas suas andanças pela educação) e escritora, Maria Valéria Rezende provoca e o Tijolo põe em cena.

O espetáculo tem direção de Dinho Lima Flor e um elenco grande, como gosta o Tijolo, de se ajuntar. Karen Menatti, Rodrigo Mercadante, Odilia Nunes, Thaís Pimpão, Artur Mattar, Lucas Vedovoto, May Tuti, Danilo Nonato, Dinho Lima Flor, Jonathan Silva, Maurício Damasceno, Marcos Coin, Nanda Guedes.

As personagens Irene e Rosálio,. Foto Ivana Moura

A atriz Karen Menatti e o ator Rodrigo Mercadante. Foto: Ivana Moura

O encontro de dois seres.. Foto: Ivana Moura

Irene (Karen Menatti) e Rosálio, (Rodrigo Mercadante) são os protagonistas, mas outras figuras acendem na cena – Anginha (Thaís Pimpão), João dos Ais (Jonathan Silva), Floripes (May Tuti), Beto do Fole (Nanda Guedes), Gaguinho de nome de pia Eustáquio (Odilia Nunes) e outros. O grupo faz também citações e homenagens: Conceição Evaristo, Ivone Gebara, Lourdes Barreto, Margarida Maria Alves, Abdias Nascimento, Antônio Candido, Nêgo Bispo, Paulo Freire. E muito mais.

“Das fomes e vontades do corpo há muitos jeitos de se cuidar porque, desde sempre, quase todo o viver é isso, mas agora, crescentemente, é uma fome da alma que aperreia Rosálio, lá dentro, fome de palavras, de sentimentos e de gentes, fome que é assim uma sozinhez inteira, um escuro no oco do peito, uma cegueira de olhos abertos e…”, começa o livro de Rezende.

A peça arde com festejo da re-união. Uma celebração à vida, com elenco e uma boneca gigante de Maria Rezende, a interação das atrizes e dos atores com público ofertando pedra ou pedrinha e discorrendo sobre a força real e simbólica do mineral.

Afeto, simpatia, amor, amizade se entrelaçam numa rede para tratar de consciência de classe, opressão, injustiças e lutas. “Para onde fugiu a humanidade?”, pergunta atônito Rosálio, filho de mãe solteira, o Nem Ninguém que depois é chamado de Curumim e, que conquista a existência civil com o nome na documentação de Rosálio da Conceição.  

Ele inventou esse nome para si mesmo. Um primeiro passo para erguer-se como protagonista de sua própria história. A trajetória da personagem é tão mirabolante – escravizado, mira de revólver, mineração, libertação com a doação de pepita de ouro da velha senhora, voo de avião, nuvens, a escravização do liberalismo econômico (“Comeu feijão, trabalhou, lavou-se, dormiu, comeu feijão, trabalhou, lavou-se, dormiu”) que parece história de trancoso das “comunidades narrativas” da tradição oral do Nordeste do Brasil.

Rosálio analfabeto carrega consigo uma pequena mala com alguns livros (“Os livros são objetos transcendentes / mas podemos amá-los do amor táctil”, canta Caetano).  Esses livros que cultiva são a fortuna de Rosálio, que correu o mundo motivado pela vontade de aprender a ler. (Isso é de chorar de alegria, num país que parte da população cultiva a bala como forma de intolerância). Rosálio não conseguiu o letramento nos lugares óbvios. Até se deparar com Irene.

Irene saiu do Norte. Em São Paulo vive/viveu da prostituição e pega/pegou Aids. No jogo de narrar e interpretar o grupo explica a diferença do HIV na década de 1980, com menos recursos de tratamento, mais desinformação e discriminação, para os dias atuais, quando a doença pode ser controlada, embora o preconceito seja um grande inimigo. Irene é uma prostituta que envelheceu com a doença, não consegue muitos clientes e tem que pagar para a mulher que cuida do seu filho.

No livro, existia um tal de Romualdo no passado de Irene. Mas a dramaturgia e a direção fizeram bem em diluir essa figura na cena.

A essência de Rosálio sintoniza com a essência de Irene. Mesma frequência de empatia com os seres viventes. Ele sentia a dor do corte no corpo quando arranjou um serviço de derrubar árvores. Um sagui e uma guará povoam a memória de cada uma dessas figuras como impulsionadores de compaixão.

A guará vermelha do título é uma ave de cor magnífica, bico fino, longo e levemente curvado para baixo. Pega essa pigmentação de plumagem rubra porque se nutre dos caranguejinhos vermelhos dos mangues. E é muito interessante saber que no cativeiro, com outras comidas, as plumas “desbotam”. Um paralelo com nós mesmos: somos também o que nos alimentamos no corpo, imaginário, espírito, utopias etc.

O público dança com os atores. Foto Ivana Moura

As andanças de Rosálio são incitadas por um desejo inquebrantável de aprender a ler. Irene também tem sua paixão pelas palavras, e guarda embaixo do colchão um caderno pensando em escrever histórias, um dia. Juntos, esses dois personagens forjam a “expansão do Universo” e adiam a chegada da morte. O entrosamento entre a atriz e o ator é de uma afinação profunda e isso é uma das riquezas do teatro de grupo, de anos trabalhando juntos, do conhecimento, entrega e respeito pelo outro.

Dessa troca de grupo são extraídos o humano, o onírico e o popular com delicadeza num jogo que conduz e envolve a plateia. A música, os arranjos musicais e as letras das músicas dialogam e coabitam os espaços cênicos produzindo texturas de forte apelo sensorial.

A cultura popular — com a literatura de cordel e as geniais oralidades – se entende muito bem com clássicos como Dom Quixote e As mil e uma noites, citados na peça. Palavras, frases, musicalidade da construção literária de Rezende se expressam perfeitamente pela boca e o corpo dos atores. 

O teatro, esse teatro, é uma forma de se posicionar contra as atrocidades do estado e da sociedade. Cria espaços para a reflexão crítica, como instrumento de transformação. A coerência estética do Tijolo faz sua práxis atenta às principais lutas políticas de seu tempo – contra a desigualdade social, o genocídio dos negros e dos indígenas, a opressão da classe trabalhadora, a violência contra a mulher e o feminicídio, o abuso de poder, a violência policial, a desvalorização de professores, a exploração, a homofobia, a transfobia, a lesbofobia, etc.

Na sua pesquisa estética continuada, a companhia enaltece a educação como prática da liberdade, da pedagogia anticolonialista, do aprendizado como estratégia de conscientização e realização de sonhos. O aprendizado da troca de afetos para iluminar o mundo.

Atriz Odília Nunes. Foto Ivana Moura

A encenação alterna presente, passado e futuro do passado em uma dinâmica bem elaborada, como ocorre também no livro. Narradores e personagens, os artistas utilizam técnicas épicas e dramáticas para obter escuta e acolhimento da plateia.

Os nomes dos capítulos do livro (cinzento e encarnado; verde e negro; ocre e rosa) estão estampados nos macacões do elenco. Em Alaranjado e verde vai pra cena um brincante que constrói um teatro no alto do morro e envolve toda a comunidade. Gaguinho narra essa história. Ou melhor Odília Nunes abraça e solta Gaguinho e fala também do seu projeto No Meu Terreiro Tem Arte, iniciativa linda realizada há alguns anos no Sertão do Pajeú, no sertão pernambucano, que promove intercâmbio cultural, residência artística, festivais como Chama Violeta e Palhaçada é Coisa Séria, no Sítio Minadouro.

A atuação de Odília é um farol, de um brilho vulcânico, com seu sotaque pernambucano e uma aterramento nas ancestralidades nordestinas. É um prazer vê-la em cena, a deslocar-se no palco, a acionar a ligeireza de raciocínio, o drible do jogo nas suas intervenções.

O elenco todo passa um compromisso com os princípios do Tijolo. Há algumas variações nas atuações. A inexperiência dos mais jovens está carregada de entusiasmo e acrobacias. Anginha de Thaís Pimpão é uma prostituta amargurada, revoltada e que não se importa se vai contagiar os parceiros com a doença. Mas há muita humanidade nesse ódio.

A cena melodramática, um trechinho de opereta cômico-popular do artista abandonado pela mulher amada tem um apelo de um hit chiclete. Com May Tuti (Floripes) e os músicos Jonathan Silva (João dos Ais) e Beto do Fole (Nanda Guedes), a cena utiliza-se da simplicidade e humor para fazer uma crítica ao patriarcado. 

É a palavra de Rezende que robustece a trilha de Rosálio e leva vigor para os últimos dias de Irene. Irene vive mais e melhor com as histórias que alimentam os dois. Irene ensina, Rosálio aprende, ele ensina, ela aprende.  Eles se alimentam de palavras e afetos. Eles se aceitam e não se julgam. Histórias de Brasis. Guará Vermelha defende que Irenes podem desejar sim viver de amor, mesmo que doam os “golpes dos pés do homem tarado”. O coração de Rosálio pode sim desejar contar histórias, ser um grande escritor.

A inclinação épico-dialético das narrações frenéticas com os pés no teatro contemporâneo, o arsenal  político-estético-pedagógico do teatro, o trabalho militante sem alienação do processo artístico desta peça do Tijolo projetam as questões e as contradições sociais como disparador do pensamento crítico.

Os pactos, a elaboração do diretor Dinho Lima Flor junto ao seu grupo apostam na chave brechtiana/ freiriana / rezendiana da diversão e do prazer do aprendizado. O desejo de modificar o mundo por uma vida mais digna está presente. Vida longa ao espetáculo. Viva o teatro!

Primeira temporada no Sesc Avenida Paulista. Foto: Ivana Moura

FICHA TÉCNICA

Direção geral Dinho Lima Flor
Elenco Karen Menatti, Rodrigo Mercadante, Odilia Nunes, Thaís Pimpão, Artur Mattar, Lucas Vedovoto, May Tuti, Danilo Nonato, Dinho Lima Flor, Jonathan Silva, Maurício Damasceno, Marcos Coin, Nanda Guedes
Direção musical William Guedes
Iluminadora Laiza Menegassi
Figurino Silvana Marcondes Cia do Tijolo
Cenário Andreas Guimarães Cia do Tijolo
Técnico de som Leandro Simões
Dramaturgia Fabiana Vasconcelos Cia do Tijolo
Concepção do projeto Dinho Lima Flor Rodrigo Mercadante Karen Menatti
Direção de produção Suelen Garcez
Assistente de produção Lucas Vedovoto
Fotos Alécio Cesar
Design gráfico Cia do Tijolo Fábio Viana
Espetáculo inspirado no livro O Voo da Guará Vermelha de Maria Valéria Rezende

Temporada
Sesc Avenida Paulista (Arte II (13º andar)
Duração: 170 minutos
Até 22/10
Sessões esgotadas

Temporada estendida até  05/11
Sessões de quarta a domingo
Ingressos https://www.sescsp.org.br/programacao/guara-vermelha/ ou nas bilheterias do Sesc

 

 

Este texto integra o projeto arquipélago de fomento à crítica, com apoio da Corpo Rastreado.

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Aos eternos sonhadores
Crítica do espetáculo Sueño

Paulo de Pontes  no papel de Shakespeare. Foto: Priscila Prade/Divulgação

Leopoldo Pacheco no papel de vilão. Foto: Joao Caldas Filho/Divulgação 

Enquanto teclo esse texto da minha casa provisória entre Perdizes e Pompeia, o espetáculo Sueño faz a última sessão desta segunda temporada no Itaú Cultural, na Avenida Paulista. Minha aposta comigo mesma é terminar essa escrita antes do final da sessão. Como a peça é longa, tenho tempo, acho.

Assisti três vezes à montagem na primeira temporada, na área externa do Teatro João Caetano, com aquele sentimento de urgência de comer teatro presencial dos bons. Uma tensão, aquele frisson, público reduzido, lotação esgotada, gente voltando da porta porque não cabia mais ninguém. E aquele jardim, quintal, sei lá, com um clima mágico, orquestrada por uma árvore imensa que parecia um espelho com raízes no ar. A árvore foi incorporada à encenação e exalava mistérios. Isso foi em novembro de 2021. Escrevi uma longa crítica na época, que pode ser acessada aqui.

Quase dois anos depois, Sueño fez a segunda temporada na caixa preta de um teatro, de 31 de agosto a 17 de setembro. Muitas sessões. A árvore foi recriada como cenário. E tudo se acomodou bem no palco convencional.

José Roberto Jardim no papel de Vini e Michelle Boesche como Laura. Foto: João Caldas/Divulgação

O público “ainda” gosta de uma história bem-contada no teatro. A tirar pelos depoimentos apaixonados colhidos nesta temporada de Sueño. Newton Moreno, autor e diretor do espetáculo, costura as cenas com a maestria de artesão, monta e desmonta, cria climas e transforma em outras tensões.

Sueño é puro teatro. É jogo, dramaturgia e atuação. Sueño é um deleite questionador. E as cenas vão se encaixando num quebra-cabeças, para expandir os pensamentos.

Newton chama o teatro contemporâneo para a dança, mas convida outros gêneros a deslizar pelo salão. Leva à cena a figura do dramaturgo inglês William Shakespeare (a reclamar da Rainha Elizabeth, sedenta por mais uma peça, desta vez com algum truque de casamento),  a contracenar com um diretor latino-americano.

A peça louva o teatro, a partir da atuação da trupe do diretor Vini (José Roberto Jardim), que idealiza montar Shakespeare na ascensão do ditador chileno Augusto Pinochet (1915-2006), em 1973. O foco está no Chile, mas aponta para as fragilidades democráticas da América Latina e os golpes que sofreu.

Leopoldo Pacheco e Sandra Corveloni . Foto: João Caldas Filho/Divulgação

José Roberto Jardim e Simone Evaristo. Foto: João Caldas Filho /Divulgação

Vini entrou na luta armada por influência da namorada, Laura (Michelle Boesche), que é filha de uma mulher da alta sociedade decadente, viúva de um militar e apoiadora do golpe de Pinochet (papel de Sandra Corveloni, em substituição a Denise Weinberg). Um alto posto do governo ditatorial (Leopoldo Pacheco) tem por Laura uma paixão doentia. Ele é autor de vários crimes que são citados no palco.  

O casal consegue fugir, mas não ficam juntos. Laura, grávida, é captura pelo regime. Vini alimenta no exilio o desejo de montar Sonhos de uma Noite de Verão. A peça faz o arco da tomada do poder por Pinochet até o retorno do diretor obstinado, que enfrenta o capitalismo brutal que ganhou forças com o regime, e procura encontrar sua filha.  

A peça vai do conteúdo onírico à tragédia familiar, com pitadas de Nelson Rodrigues. São muitas camadas.  

O elenco está afinado com brilho para todos os participantes. É fascinante a versatilidade de Paulo de Pontes, como exasperado Shakespeare ou o operário-ator. Leopoldo Pacheco é odiento no papel do militar torturador e nojento no de funcionário da construtora que quer erguer um prédio no local do teatro de Vini. 

José Roberto Jardim, o Vini, acentua o caráter utópico da personagem, como também as marcas da sua trajetória de artista e cidadão da Latino América, a carregar no corpo as marcas dos golpes ditatoriais. Michelle Boesche interpreta a engajada Laura com sentimentos revolucionários e a pragmática Norma, que chega a ser risível em sua obsessão por metas. O excelente Puck/feiticeira de Simone Evaristo ganha mais presença e expõe muitas facetas do seu talento. 

Sandra Corveloni investe mais na futilidade, no esnobismo da grã-finagem, como a mãe alcoólatra da revolucionária ou na leveza para o cômico de Titânia ou Rainha Elisabeth. Ela também expõe com sutileza a dor materna de quem perdeu a filha. É um registro bem diferente do de Denise Weinberg, que trabalhava uma carga dramática mais concentrada e pesada. Muito rico ter visto as duas em cena. 

A atuação de Corveloni também funciona como marcador de tempos. O Brasil respira com menos tensão agora que se livrou do Bolsonaro e aposta na gestão Lula com esperança por dias melhores.   

A direção e execução musical ao vivo a cada sessão de Gregory Slivar acentua todos os climas e dá sustentação para as cenas e suas mudanças.

Depois de Sueño o coração teima em bater repleto de emoções e, espero, com coragem para as próximas batalhas. Pois a vida é luta. E o teatro é bom. Traz Shakespeare para o nosso quintal. E que alegria que esses sonhadores encontraram condições e parceiros certos para esse exercício de utopia.

Ficha técnica:

Dramaturgia e direção geral: Newton Moreno
Direção de produção: Emerson Mostacco
Direção musical: Gregory Slivar
Direção de movimentos: Erica Rodrigues
Elenco: Leopoldo Pacheco, Sandra Corveloni, Paulo de Pontes, José Roberto Jardim, Michelle Boesche, Simone Evaristo e Gregory Slivar (músico ao vivo)
Atriz criadora da primeira temporada: Denise Weinberg
Desenho de luz: Wagner Pinto
Figurinos: Leopoldo Pacheco e Chris Aizner
Adaptação de cenário: Equipe de criação do Sueño
Colaboração (cenário): Chris Aizner
Visagismo: Leopoldo Pacheco
Assistente de dramaturgia e pesquisador: Almir Martines
Assistentes de direção: Katia Daher (primeira etapa) e Erica Rodrigues
Assistente de produção: Paulo Del Castro
Assistente de luz: Gabriel Greghi
Adereços e cenotécnico: Zé Valdir Albuquerque
Estrutura de box truss: Fernando Hilário Oliveira
Desenho de som: Victor Volpi
Operador de luz: Gabriel Greghi
Operador de som e microfone: Dugg Mont
Microfonista: Matheus Cocchi
Historiador e consultor shakespeariano: Ricardo Cardoso
Designer: Leonardo Nelli Dias
Fotos: João Caldas
Produção: Mostacco Produções
Idealização: Heroica Companhia Cênica

 

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A luta continua
Crítica do espetáculo Antígona na Amazônia
Festival d’Avignon

Antígona na Amazônia. Montagem de Milo Rau. KAy Sara na tela e Frederico Araujo no palco. Foto Kurt van der Elst-NTGent / Divulgação

Milo Rau, de boné do MST, orienta a reencenação. Foto Philipp Lichterbeck / Divulgação

Pablo Casella ao violão e Frederico Araujo no chão do palco; na tela, Gracinha Donato, Frederico Araujo, Coro e Celia Maracajá. Foto Cristophe Raynaud de Lage / Divulgação

Antigone in the Amazon (Antígona na Amazônia), do diretor suíço Milo Rau, escancara para o mundo a violência extrema praticada contra as populações indígenas, trabalhadoras e trabalhadores rurais que lutam pelo seu direito à terra no Pará, e no Brasil. A peça reforça, da perspectiva de quem pensa o presente-futuro do planeta, a urgência de ações contra a desflorestação desse “pulmão do mundo”, onde o capitalismo devora a natureza. Ou como pontuou a atriz e ativista Maria Raimunda, numa conversa no Festival d’Avignon, as forças conservadoras matam gente, rio, animais, árvores, floresta, com a mesma crueldade.

Para falar dessa situação brasileira (e é bom que se pontue, ferozmente agravada nos quatro anos do desgoverno Bolsonaro [2018-2022], o pior presidente que o Brasil já teve), Antígona na Amazônia cruza a ficção da tragédia de Sófocles Antígona com o real do  episódio sangrento do Massacre do Eldorado dos Carajás (ocorrido em 1996), a resistência exemplar do MST (Movimento dos Trabalhadores Rurais sem Terra, que reúne cerca de 500 mil militantes), a atuação de ativistas indígenas e negros e a questão amazônica com suas implicações. O quadro cênico é impactante, ambicioso e emocionante.

Essa releitura de Antígona se dispõe em resistência, reverberando vozes e fatos. Se faz teatro de carne, sangue, ossos, coração porque adota o ponto de vista da militância, da sabedoria amazônica, da trajetória de lutas. A causa dos trabalhares rurais, dos sufocados pelo capitalismo selvagem ganham o primeiro plano. Com isso, Milo Rau afasta a possibilidade de se projetar como figura do salvador branco, como pareceu pender em outras montagens.    

Coro inclui sobreviventes da chacina (de chapéu, à esquerda Maria Zelzuita que faz um relato comovente na parte gravada da peça) e integrantes do MST de todo o Brasil. Foto Philipp Lichterbeck / NTGent / Divulgação

Foi o MST que fez a proposta do trabalho cênico a Milo Rau em 2019, quando ele esteve no Brasil. Talvez pela trajetória do encenador, do ativismo no teatro, de encarar temas complexos, provocantes ou explosivos. Juntos escolheram conectar Antígona com a chacina de Eldorado dos Carajás. Rau tendo no horizonte um princípio do Manifesto Gent, redigido por ele em 2018, de não apenas imaginar o mundo, mas de mudar esse mundo. Os trabalhadores, os indígenas, carregando no corpo o combate de invasões e colonizações.

Produção de despedida de Rau à frente NTGent, pois ele agora passa a ocupar em Viena a função de diretor artístico do Wiener Festwochen, Antígona na Amazônia estreou em 13 de maio de 2023, no Teatro NTGent, na cidade de Gante [Gent, em holandês], na região de Flandres, a parte da Bélgica que fala holandês. A montagem foi aplaudida efusivamente no Festival d’Avignon e tem apresentações agendadas em vários países europeus até pelo menos junho de 2024. A previsão inicial era de estrear em 2020, mas o mundo parou com a pandemia da Covid 19. E todos nós sabemos bem o que se passou.

O espetáculo fecha a Trilogia dos Mitos Antigos, de Rau, formada por Orestes em Mossul, de 2019 (uma adaptação de fragmentos da Oresteia, de Ésquilo, produzida e filmada no Iraque arrasado pela guerra); e O Novo Evangelho, um filme de 2020, inspirado na vida de Jesus, tendo entre os participantes refugiados de um acampamento na Itália.

Milo tem no currículo a releitura de eventos reais levados ao palco, como fez também com Grief and beauty (Deuil et beauté / Luto e beleza; 2021) e Familie (2020) [nossa crítica das peças] trabalhos em que utiliza como procedimento o relato do processo criativo, filmagens e a convocação para refletir sobre questões controversas.

Sara De Bosschere, Frederico Araujo e Arne De Tremerie. Foto: kurt van der elst / Divulgação

Os brasileiros Pablo Casella e Frederico Araujo e dois integrantes do Teatro NTGent, da Bélgica, Sara De Bosschere e Arne De Tremerie se ocupam de todos os papeis na cena presencial. O elenco já está no palco quando nós, do público, entramos para Antígona na Amazônia. O músico/ator Casella toca violão. Os três intérpretes estão sentados ou mexem em qualquer coisa. Tem um cabide de roupa de um lado e instrumentos musicais do outro. Os telões não ficam expostos o tempo todo, como em outras peças de Milo Rau, eles são acionados em alguns momentos para exibição do material gravado.

O quarteto enfatiza no prólogo, – e explica em intervalos regulares -, a importância da luta política do MST, o ativismo e a resistência da população indígena do Brasil, o sistema artístico da montagem e traça vínculos com a vida de cada um etc. O palco das apresentações está coberto de terra avermelhada.

O teatro de Milo busca juntar arte e ativismo. Em Antígona na Amazônia recebemos junto com o programa a Declaração de 13 de Maio, um manifesto contra a destruição da floresta amazônica e a “lavagem verde neoliberal”. Seus principais pontos são a auditoria imediata dos selos (“rotulagem fraudulenta que perpetua a ficção neoliberal de uma produção industrial ‘sustentável”); o boicote contra todas as empresas envolvidas (a exemplo da Ferrero, Nestlé, Danone, Unilever, cujos produtos estão impregnados por “violações dos direitos humanos, roubo de terras e destruição do mundo vivo/da natureza na América Latina, mas também na Ásia ou na África”, sendo a Agropalma e seus clientes “os exemplos mais cínicos de um sistema global”); defesa incondicional de uma agricultura independente e a mudança radical do sistema. Aqui link com acesso ao PDF para download de versões da declaração em Inglês, francês, holandês, alemão e português

“O caso de um conglomerado brasileiro de óleo de palma – a Agropalma – mostra, de forma drástica, como funciona o sistema da destruição, da supressão de direitos e da exploração. Já há anos, a Agropalma vem sendo acusada de roubo de terras (grilagem), violação de direitos humanos e de condições de trabalho ruins por pessoas que vivem nas suas áreas de cultivo. Tribunais brasileiros já revogaram mais da metade de títulos de propriedade da Agropalma em virtude de comércio ilegal de terras e estelionato.

Mesmo assim, a Agropalma, até hoje, tem certificação atestada por mais de dez selos internacionais. Dentre os clientes do óleo de palma que ela vende, estão dezenas de conglomerados alimentícios como a Ferrero, a Danone e a Nestlé. Da petição de “Salve a Selva” sobre a enganação dos selos no caso da Agropalma ”Amazônia: Grilagem e violência por causa de óleo de palma orgânico, com comércio justo e sustentável“ já estão participaram mais de 75.000 pessoas.”

Campanha conjunta de “Salve a Selva” contra o greenwashing perpetrado pela indústria agrária e alimentícia.

Com Antígona na Amazônia várias ações já foram iniciadas. São células que amplificam esse teatro e esse ativismo político. Veja o vídeo O amanhã não está à venda.

“Um grito de vingança e salvação: é o que os ativistas de arte da ‘Declaração de 13 de maio’ chamam de sua música entre agitprop, batidas latinas e hip-hop de protesto. A primeira canção dos artistas, unindo músicos e cidadãos da América Latina e da Europa, é um apelo à resistência contra o greenwashing e o desmatamento – uma luta alegre pelo futuro de todos nós! Vamos resistir contra o cinismo sangrento e as doces mentiras das grandes empresas de alimentos: Destrua o que te destrói!”
“O amanhã não está à venda”

O clima de resistência já está instalado no lobby do teatro, com banners com frases-convocação para a luta e imagens da montagem. Esse material exposto na antessala funciona como ativador de emoções.

O espetáculo lança as pontes entre a tragédia antiga e a luta dos trabalhadores. No início da encenação um ator faz analogias entre a guerra civil em Antígona e o que acontece como guerra civil no Brasil. A desobediência civil da protagonista de Sófocles é vinculada à campanha de ocupação do MST e os dados de um passado recente do país são misturados com as experiências pessoais dos atores contadas no palco. Bem, já disse que os artista falam de si, mas é para pontuar o movimento de repetição.

Na tragédia de Sófocles, Polinices e Etéocles, (irmãos de Antígona e Ismene, os quatro filhos de Édipo, rei de Tebas), se matam literalmente pelo poder. Creonte, tio do quarteto – irmão de Jocasta, esposa-mãe de Édipo – toma para si o poder, e com sua autoridade baixa uma ordem para ninguém sepultar o corpo de Polinices, enquanto dá honrarias fúnebres ao outro. Antígona não aceita o que entende por arbitrariedade e desrespeito às leis divinas, e se insurge contra a determinação, mesmo sob a ameaça de morte.

Antígona vibra em resistência. A violência em Antígona ocorre majoritariamente fora do palco. A versão de Milo Rau encena a violência no palco e reconstitui a chacina em vídeo.

Como a “adaptação literal dos clássicos” está proibida como princípio daquele Manifesto de Gent, Antígona sozinha não seria possível.

Mas o diretor toma a forma dramatúrgica do texto original de Sófocles, com um prólogo, cinco atos (Ismene x Antígona, Antígona x Creonte, Hâimon x Creonte, profecia de Tirésias, Morte de Eurídice e sua maldição sobre Creonte) e um epílogo.

A tragédia de Sófocles termina com a morte de Antígona, Hâimon e Eurídice, e a partida de Creonte para o exílio, deixando Tebas em desgraça. Em Antígona na Amazônia há um sexto ato, diferente.

Reencenação da chacina. Foto: Kurt van der Elst – NTGent / Divulgação

Uma das principais cenas da peça Antígona na Amazônia é a reencenação do massacre de Eldorado do Carajás, gravada no dia 17 de abril de 2023, quando a chacina completou 27 anos, na Rodovia PA-150 (atual BR-155), na curva do S, com cerca de 300 militantes do MST e outros colaboradores.

Em 1996, uma marcha pacífica com participação de indígenas e membros do MST seguia por essa estrada quando a força repressiva da polícia do Pará interviu com violência, deixando 21 mortos (oficiais), 19 no local, outros dois nos dias seguintes no hospital em decorrência da ação truculenta. Mas existe uma suspeita de outros corpos desaparecidos em decorrência dessa ação. 

Todos os anos é realizada uma cerimônia em memória desses mortos. Mas por ordem de alguma autoridade, a representação da manifestação neste ano foi primeiramente proibida, e essa célula vital da montagem quase não aconteceu. Maria Raimunda militante do MST no Pará, responsável pela cultura do movimento e que participa da peça, conseguiu convencer os policiais de que aquele teatro também era uma luta por eles. E a magia do teatro se fez. Tudo é filmado. A chegada do carro da polícia, a conversa de Maria, a reação dos guardas vendo a simulação do desempenho de seus pares 27 anos antes.

Sara De Bosschere e Arne De Tremerie na função de policiais. Foto: Kurt van der Elst-NTGent / Divulgação

Arne De Tremerie em plano grande na telona. Foto Kurt van der Elst-NTGent / Divulgação

A atriz Sara De Bosschere e o ator Arne De Tremerie vestidos com o uniforme atuam como policiais também no palco. As cenas produzidas são fortes, expõem a brutalidade contra os ativistas, mas deixam espaço para mostrar que é uma encenação. Mesmo sabendo que é teatro, a ação é muito chocante e perturbadora.

Essa reconstituição filmada no Pará no dia de aniversário do massacre é duplicada com a encenação de violência também no palco ao vivo, propondo um diálogo pulsante entre a tragédia grega, as memórias das tragédias brasileiras – a de Eldorado dos Carajás e outras, a vivência dos envolvidos no projeto.

Na sala do teatro, os quatro atores que atuam presencialmente dialogam com as imagens gravadas, repetindo gestos, expandindo propostas, interagindo. Eles narram as cenas, falam de si e do episódio focalizado, assumem papeis de Antígona; Creonte; Hêmon, filho de Creonte e noivo de Antígona; o músico-narrador. Fazem ziguezagues na linha do tempo.

 

Crianças de uma aldeia. Foto: Moritz-von-Dugern / Divulgaçao

Araujo na pele do militante Oziel Alves Pereira, que enfrenta a policia e é assassinado . Foto Divulgação

Arne De Tremerie presencial e no vídeo com Sara De Bosschere. Tecnologia permite um diálogo preciso. 

No jogo do teatro direto e o que chega pelas imagens filmadas, os atores descrevem a gênese do projeto, o workshop do MST em 2020 com agricultores, outros profissionais e sobreviventes do massacre. Mas também são exibidas as gravações em aldeias indígenas, reservas florestais assentamentos do MST, em cenas cotidianas, algumas com a presença dos estrangeiros.

Numa cena em que alguns indígenas pintam o corpo e riem e mexem no celular e quase sentimos o cheiro da floresta, o estrangeiro fala fala fala e elas se viram para ele para dizer que não entendem nada do que ele diz. Fazer esse giro em torno da ideia de colonização é sensacional.

De Tremerie em outro momento reflete sobre a experiência de estar numa aldeia amazônica longínqua, ele enquanto homem branco europeu, e que poderia ser tomado por “um complexo de culpa disfarçado de ativismo.” É para continuar pensando. 

O dispositivo cênico garante o diálogo entre tantas instâncias. E permite um fluxo na peça que corre entre inglês, português, tucano, flamengo e francês, com legendas em francês e inglês e aparelho para linguagem de sinais.

A sincronização é precisa e produz efeitos admiráveis, que viabilizam que os atores da cena ao vivo conversem com o elenco das gravações. É a tecnologia.

Esses mecanismos e essas escolhas permitem, por exemplo, que Frederico Araujo interpreta um jovem ativista do MST – Oziel Alves Pereira que será espancado até a morte –, Antígona, Polinices um dos filhos de Édipo e, um elemento da repressão e ele mesmo, o ator. Em algum momento ele verbaliza em cena que “no Brasil, quando se é preto, LGBTQIA+ pode-se morrer a qualquer momento, por isso é que eu estou feliz por morrer somente no palco”.

Antigona (Kay Sara), e seu irmão Polinices (Frederico Araujo); Foto: Mortiz Von Dungern / Divulgação

Kay Sara, a atriz ativista indígena – das etnias Tariana e Tukano, de Lauaretê, pequena comunidade do Amazonas, fronteira com a Colômbia – anunciada como a intérprete de Antígona aparece somente nas gravações, nas filmagens, na tela. Ela desistiu do papel-título três dias antes da estreia mundial da peça e voltou para casa no Brasil, no dia 10 de maio.

Nessa sessão inaugural da peça , na Bélgica, os atores explicaram ao público sobre a ausência de Kay Sara, que ela nunca se sentiu confortável na Europa e partiu para ficar com o seu povo. Essa irrupção do real é desconcertante como um drible de craque. Uma ausência que pulsa na cena. É uma recusa ao capitalismo que afirmação de sua subjetividade e identidade. Sua desistência ecoa, vibra cria horizontes para um teatro maior.

Em entrevista ao jornal francês Liberation, Milo Rau explicou as possíveis causas: “Kay Sara não tomou sua decisão por capricho. Ela vinha nos alertando há meses que essa primeira vez no palco seria também sua última aparição diante de um público não-indígena. Subestimamos os constrangimentos da longuíssima turnê de vários anos, que a teria levado a viajar muito para fora da Amazônia, local de sua luta”. O diretor entende que a motivação é duplamente política: Kay Sara não quer ser “fetichizada”.

Kay é uma atriz que já tem um currículo no cinema e nos streamings. Na Antígona na Amazônia, ela participou do processo e das filmagens. Quando o trabalho foi paralisado em 2020, devido à epidemia da Covid, a artista indígena gravou um vídeo com o discurso This madness must stop (Essa loucura tem que acabar), com enorme repercussão entre o público do festival de Viena, onde a gravação foi projetada.

Discurso de Kay Sara por ocasião da abertura do Wiener Festwochen, em 2020, 

 
 
 
 

Kay Sara na tela e Araujo no palco Foto: Kurt van der Elst /NTGent / Divulgação

E como fica essa ausência-presença na cena? Milo Rau engenhosamente incorporou a situação como dinâmica de sua dramaturgia. Araujo substitui Kay no palco. E isso pode criar ruídos ou acréscimos, depende do repertório de quem recebe. Em uma cena, Sara aparece grande na tela e há uma colaboração, complementação ou sobreposição de outro corpo visado pelas atrocidades que vêm de longe.

Uma cena especialmente forte é quando Antígona de Kay descobre que o seu trabalho de enterrar seu irmão, Polinices de Frederico, foi desfeito e ela se encoleriza. A cena se passa na tela, Sara está com seu vestido vermelho. Araujo no palco também chega ao desespero. Ambos gritam e se revoltam contra a injustiça. Nos movimentos de exasperação, o ator jogo terra para o alto e para a plateia. Como eu estava na segunda fila, senti o a fúria da terra lançada.

Celia Maracajá no papel de Eurípedes. Foto: Moritz Von Dungern / Divulgação

Filósofo indígena Ailton Krenak, em vídeo, como o sábio Tirésias. Foto Divulgação,

Outras figuras centrais da tragédia de Sófocles, com Ismene, irmã de Antígona, só aparecem na tela. Ismene é interpretada pela militante negra Gracinha Donato, do Movimento pela Soberania Popular na Mineração (MAM). Célia Maracajá atriz e cineasta, uma das percussoras da produção audiovisual indígena no estado do Pará, e com participações em montagens dos teatros Oficina e Arena, faz Eurídice, mãe de Hêmon e esposa de Creonte.

Liderança histórica no movimento indígena, crítico do sistema capitalista e do eurocentrismo, o filósofo Ailton Krenak faz uma curta participação (e gigante contribuição) em vídeo como o sábio Tirésias, a voz que aconselha e alerta sobre a situação do planeta e avisa a Creonte que sua loucura vai lhe levar  à ruína.

“Muitos são os monstros mas nada mais monstruoso que o homem” é cantado no início da peça. Os atores ironizam a inteligência humana que surrupia a natureza e provoca tragédias. Praticamente todo o espetáculo corre com a música poderosa e competente de Pablo Casella em primeiro plano ou de fundo. Essa trilha cria os climas emocionais que as imagens apresentam. E talvez por ser tão exuberante fiquei imaginando as camadas e intenções artísticas para produzir esses estados comoventes e como seria a peça sem essa sustentação musical. Penso que tudo é calculado para envolver o espectador, as situações, climas e encaixes. E envolve.

O quarteto do palco joga com muitos estilos de interpretação, do narrativo à dramatização convulsionada, em Frederico Araujo. Pablo abraça o púbico do narrativo ao musical. Há mais contenção no atuar dos dois da Bélgica. Sara De Bosschere como Creonte é uma escolha que pode gerar incômodos na recepção por ela ser mulher no papel do tirano. Em princípio, não vi problema nessas escolhas. Ela assume um Creonte concentrado e de pouca brutalidade nos gestos. Arne De Tremerie, que está em Grief and beauty (Deuil et beauté / Luto e beleza)  de Rau, tem um carisma nas suas atuações. No vídeo, o desempenho ganha com vibração justamente daqueles corpos e o que eles carregam, de história, memória e resistência.

 

O coro na tela e a figura de Creonte , de branco, interpretado por Sara belga. Foto: Divulgação

Maria Zelzuita Oliveira de Araújo faz um relato detalhado da chacina. Foto: Divulgação

Formado por sobreviventes do Massacre de Eldorado do Carajás, como Laurindo Ferreira da Costa e militantes do MST de todo o Brasil, a exemplo de Tisiane Kilian, de Santa Catarina, o coro desempenha um papel estruturante na montagem. O coro levanta a voz coletiva, da luta em comum, nas imagens, nos cantos.

Mas também sustenta relatos individuais como de Maria Zelzuita Oliveira de Araújo, sobrevivente da matança e que na reconstituição da cena conta em detalhes o que se passou naquele sombrio 17 de abril. É doloroso até ouvir. Ela lembra a altivez do jovem Uziel, de 17 anos, que foi torturado e morto pela polícia; da repórter Mariza Romão, que fazia a cobertura do movimento e “pediu pelo amor de Deus” para “eles” não invadirem a casa que só tinha mulher e criança (a polícia invadiu), e do seu filho de três anos que disse que a família iria morrer, porque estava lutando por terra para morar.

Ou o canto final do coro que diz “que benção, fazer a prece derradeira, dizer adeus a sua maneira, cada grão de terra sobre o corpo é luz”.

Há algo de esperançar no final da peça de Milo Rau. Talvez para marcar que a luta do MST continua. Ela nunca parou. Pablo Casella diz que é  a magia do teatro. Ter outro desfecho. Trazer os mortos de volta à vida. 

Sara De Bosschere, Frederico Araujo e Arne De Tremerie na cena

Cena da morte do príncipe, filho de Creonte

Antigone in the Amazon (Antigona na Amazônia)

Concepção e encenação Milo Rau
Elenco: Frederico Araujo, Pablo Casella, Sara De Bosschere, Arne De Tremerie
e em vídeo Gracinha Donato, Ailton Krenak, Celia Maracajá, Kay Sara, o coro de ativistas e ativistas do Movimento dos Trabalhadores Rurais Sem Terra (MST)

Dramaturgia Giacomo Bisordi
Codramaturgia Martha Kiss Perrone
Colaboração à dramaturgia Kaatje De Geest, Douglas Estevam, Carmen Hornbostel
Cenografia Anton Lukas
Figurinos Gabriela Cherubini, Jo De Visscher, Anton Lukas
Iluminação Dennis Diels
Música Pablo Casella, Elia Rediger
Vídeo Moritz von Dungern, Fernando Nogari, Joris Vertenten
Assistenten de encenação Katelijne Laevens assistida por Carolina Bufolin, Zacharoula Kasaraki, Lotte Mellaerts
Tradução para a legenda Panthea (français), Carolina Bufolin (inglês)
Dispositivo de acessibilidade Panthea
Direção técnica Oliver Houttekiet
Direção de palco Marijn Vlaeminck
Técnica Brecht Beuselinck, Dimitri Devos, Stavros Otis Tarlizos
Produção Klaas Lievens, Gabi Gonçalves (Brasil)

De 16 de Junho de 2023 a 24 Julho 2023, no Festival de Avignon

Produção NTGent

Coprodução International Institute of Political Murder (IIPM), Le Festival d’Avignon, Manchester International Festival, La Villette (Paris), Romaeuropa Festival, Le Tandem Scène nationale d’Arras-Douai, Künstlerhaus Mousonturm (Frankfurt), Équinoxe Scène nationale de Châteauroux, Wiener Festwochen (Viena)

Vídeo de divulgação da peça Antigona na Amazônia

 

 

Tournée :

22 e 23 de setembro de 2023 – Kaserne Basel (Suíça)
3 e 4 de outubro de 2023 – Teatro Argentina no âmbito do Romaeuropa Festival (Itália)
20 de outubro de 2023 – Teatro Polski (Polonia)
De 25 a 28 de outubro de 2023 – Théâtre des Célestins no âmbito do Festival Sens Interdits (Lyon) 
11 e 12 de novembro de 2023 – Culturgest (Portugal)
16 e 17 de novembro de 2023 – Teatro Municipal do Porto (Portugal)
22 e 23 de novembro de 2023 – Centro Cultura Contemporanea Condeduque (Espanha)
28 de novembro de 2023 – Équinoxe Scène nationale de Châteauroux
De 6 a 9 de dezembro de 2023 – La Villette (Paris)
23 e 24 de janeiro de 2024 – Thalia Theater  (Alemanha)
30 de janeiro de 2024 – Stadsschouwburg Brugge  (Bélgica)
7 de fevereiro de 2024 – De Warand, no âmbito do Stilte Festival ( (Bélgica)
De 22 a 25 de fevereiro de 2024 – Schauspielhaus Zürich (Suíça)
1 e 2 de março de 2024 – De Singel-Rode Zaal  (Bélgica)
7, 8 e 9 de março de 2024 – Espoo City Theatre (Finlândia)
De 19 a 22 de junho de 2024 – Théâtre Vidy-Lausanne (Suíça)

 

Este texto integra o projeto arquipélago de fomento à crítica, com apoio da Corpo Rastreado.

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