Arquivo do Autor: Ivana Moura

A arte do dissenso sem aniquilar o outro
Crítica do espetáculo ragédia e Perspectiva I – O Prazer de Não Estar de Acordo

Tragédia e Perspectiva tem texto do brasileiro Alexandre Dal Farra e direção do argentino Lisandro Rodríguez. Foto: Guto Muniz

Tragédia e Perspectiva. Foto: Guto Muniz

– O título ferveu minha cabeça. 

                                                                 Tragédia
                                                                                      Perspectiva
                                                                                                               Prazer

–Não estar de acordo. Contestar. Ir de encontro.

– Acordo. convénio entre duas ou mais partes ou uma resolução premeditada de uma ou mais pessoas.

– Negocie suas dívidas.

– Dívida? O que o Brasil deve? A quem? Eu devo pagar?

– Não é esse acordo.

– Que acordo?

– Concordar?

– Harmonia; conciliar.

– Sempre soube que seu desejo era de aniquilar.

– É tudo dissenso!

– Eu sabia, de um jeito ou de outro, a vontade é de destruir.

– Enlouqueceu? Estou te ouvindo. Vendo as grandes palavras sair por bocarra…

– Tá vendo? Estão vendo? Ele não me acolhe. Não diz nenhuma palavra Con-creta!

– Mas você disse que estava com expectativa.

– Eu?

– Falou que o título ferveu sua cabeça?

– É… mas depois congelou. Não consigo pens…

– Isso era expectativa.

– Abaixo a expectativa.

– Vamos dar nomes aos bois!

– Nomes aos bois?… isso é de um filme antigo.

– Antigo? O que é antigo? 30 anos é antigo? 35 anos é antigo?

– Você é antigo…

– Eu não tenho nem 40.

– Quantos anos você tem?

– O que eu já vivi, eu os perdi, não os tenho mais.

– Somos amigos?

– Somos amigos.

– E aquele abraço?

– Não quero.

– Por que não?!

– Não estou com vontade.

(É tanta solidão que… o rejeitado dobra-se sobre si. Bateu na quina aquela dor. O fantasma da psicanálise apareceu, de repente, uma convulsão)

– Gritou-se o escândalo.

– Criou-se o trágico.

– Um rio de lágrimas.

– Convulsão.

– Mas se as palavras não dão conta, para o acerto.

– Depois da solidão extremada, vamos resolver no corpo.

– No corpo-a-corpo.

– Testosterona explodindo.

– Ode à capacidade de sustentar a divergência, vivenciar o desacordo sem a necessidade de aniquilar o outro. Isso se sustenta?

– De tudo um pouco.

– Muito pouco.

– Fica um pouco.

– Do seu asco.

– Isso não tem lógica!!!

– Tem Lacan!

– Impotência do Eu.

– Eu grande Eu pequeno.

– Terreno movediço.

– Gozo… mistura de prazer e insatisfação.

A dramaturgia do espetáculo Tragédia e Perspectiva I – O Prazer de Não Estar de Acordo  me inspirou a escrever esses diálogos cruzados, pensamentos suspensos de um possível encontro. Esse texto meu vai na cola do que percebi do texto do Dal Farra e da encenação do argentino Lisandro Rodríguez.

Aldo Bueno, uma presença forte na peça. Foto; Guto Muniz / Divulgação

Rafael Sousa Silva, Pedro Guilherme (em pé), Aldo Bueno, Flow kountouriotis e Rodrigo Bianchini.  Foto: Guto Muniz

A célula da escola é bem contundente. Foto; Guto Muniz / Divulgação

O espetáculo Tragédia e Perspectiva I – O Prazer de Não Estar de Acordo junta cinco atores. É uma produção da MITsp, com texto do brasileiro Alexandre Dal Farra e direção do argentino Lisandro Rodríguez. O processo criativo ocorreu, em parte, de forma remota durante a pandemia. Dal Farra já disse que a peça está/estava sendo um work in progress. Parece que continua.

Não é evidente o propósito ou o lugar, e qual a relação entre as cinco pessoas, que surgem uma a uma enquanto o diretor toca ao violão uma canção enigmática (quero mesmo dizer enigmática? Ou ambígua?).

O primeiro que chega, Pedro Guilherme, parece que tem um delay na fala e na ação. E isso cria um efeito estranho. Um efeito. Rafael Sousa Silva, o mais magro – que adiante vai pedir um abraço – é o segundo a aparecer. Rodrigo Bianchini, o terceiro. Flow kountouriotis, artista trans masculino, é o quarto. Mas também não tenho certeza dessa ordem.

O quinto é Aldo Bueno, que carrega no corpo tantos zumbis, tantos malandros. Parece que está prestes a dizer “pode ser a gota d’agua”, mas adia. Aldo anda mais lento, tem mais histórias e fala menos. Cria um foco solar em torno de si com o seu quase zombeteiro “não sei”. E por fim canta.  

Dal Farra tenta tirar o discurso direto da polarização e suspende o teor virulento do campo da política dura nas questões das discordâncias. Mas o assunto está lá. É difícil começar, pois a conversa anda em círculos de supostas banalidades – uma garrafa d’água, se é ou não é cerveja.

Ideias são jogadas na roda enquanto os atores trabalham com a propositalmente irritante função de enrolar e desenrolar um pano que será colocado em algum momento numa posição plano infinito.

É difícil expor as engrenagens da faceta totalitária, fugindo dos clichês dos coturnos. Tudo é mais sutil nessa Tragédia e Perspectiva I. Um gesto, uma palavra e o clima muda, as portas fecham, os sentimentos viram.

O recorte é de um microcosmo, um grupo de homens supostamente amigos que fazem um exercício de linguagem. Nesse percurso a linguagem pode ser um bloco monolítico com difíceis passagens ou o voar de uma pluma. Falando sobre (*o quê?), a peça projeta quadros voláteis das variações de atitudes a partir das argumentações. Uma coreografia que se quebra, formando outros desenhos, e outros, e outros, extraindo segregação e consenso.

Ao pôr em cena os atritos, o trabalho levanta que a diferença precisa desses espaços de discórdia para existir, para não sucumbir, não aniquilar o outro, seu próximo.

A célula da escola é dinâmica, cruel, cáustica para projetar tempos de Brasis com tudo que tem de doente dos exploradores da bíblia, dos usuários da bala e do agrogenocidas. Em palavras e gestos, eles fermentam uma atmosfera risível, mas de perspectiva (ou realidade) trágica.

É possível viver em desacordo sem extinguir o outro? Parece que a peça quer sustentar essa possibilidade. Como quero apostar na ampliação dessa vontade. A montagem busca defender esse espaço no meio da guerra.

 

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Até onde somos humanos?
Androide protagoniza espetáculo perturbador
Crítica de Vale da Estranheza

Escritor e dramaturgo alemão Thomas Melle e o seu duplo robô. Foto: Guto Muniz / Divulgação

Na peça-palestra, Melle expõe as intervenções da tecnologia na vida de um homem surdo. Foto Guto Muniz

Já sabemos desde (quando, mesmo?!)… que aquela figura sentada diante da plateia não é humana. Parece, sim. Mas não é. E talvez essa informação tenha motivado alguns de nós a ir conferir de perto. Sabemos que esse espetáculo do grupo alemão Rimini Protokoll é protagonizado por um modelo animatrônico, uma máquina, um robô. Sua não-humanidade é “denunciada” pelo sutil zunido de motores minúsculos, que pode ser notado com seus movimentos de cabeça ou braços; ou na engrenagem exposta atrás de sua cabeça.

“Se você veio aqui para ver um ator, está no lugar errado”, provoca o protagonista de Vale da Estranheza (Uncanny Valley), à certa altura da peça. “Mas se veio para ver algo autêntico, está no lugar errado também.”

Gente é algo autêntico? Cada vez duvido mais disso. As pessoas podem ser bem artificiais e essa ocorrência desliza de forma subterrânea durante toda a peça-palestra. “Eus naturais” versus “eus artificiais”.

Uma das principais atrações da Mostra Internacional de Teatro de São Paulo, Vale da Estranheza, dirigida pelo suíço Stefan Kaegi, aciona as percepções de limites do que é humano, do que é máquina, essas fronteiras embaralhadas entres humanoides e algoritmos. Convoca para reflexões éticas, mesmo que isso não esteja em primeiro plano.

Modelo animatrônico expõe processo de criação. Foto: Guto Muniz / Divulgação

Sentado em uma cadeira está o duplo animatrônico quase perfeito do escritor e dramaturgo alemão Thomas Melle. O Melle real publicou em 2016 um livro em que examina o transtorno maníaco-depressivo, conhecido como bipolaridade, do qual é vítima. Tem ao seu lado um copo d’água, que não bebe, e à frente um laptop da Apple. O outro assunto da palestra é a vida de Alan Turing, o pioneiro cientista da computação. 

O texto e o discurso da peça, de Kaegi e Melle, provocam cortes profundos na percepção do ser humano como centro do universo. Apontam testes em que robôs burlam a segurança e se passam por humanos. E pontuam aproximações com a rotina metódica de tanta gente, que se mostra similar a uma repetição robótica.

A estranheza do título remete ao fenômeno identificado pelo roboticista japonês Masahiro Mori na década de 1970. De que, ao mesmo tempo que fascina, essas máquinas ultrarrealistas geram um desconforto emocional.

A performance salienta o domínio da tecnologia contemporânea nas nossas vidas e as possibilidades abertas de campos de experimentação.

É um programa habilidoso, instigante, diria até poético. Com mobilidade reduzida, o protagonista fica o tempo todo sentado, com uma perna cruzada sobre a outra, movimenta mãos e cabeça e fala muito.  O dinamismo é instalado por outros elementos da cena como luz, som, projeção de vídeo e outros dispositivos.

Humanoide empático e sarcástico. Foto: Guto Muniz / Divugação

Instabilidade emocional

Seguindo essa linha da palestra sobre instabilidade emocional em humanos é possível pensar que a tecnologia provoca esses estados alterados, do fenômeno do título à tensão cotidiana dos algoritmos nas redes sociais, que chegam a determinar as decisões.

O Melle máquina conversa com o público por meio de uma série de imagens e vídeos explorando o processo de sua própria criação. A palestra exibe como o robô foi feito, com o Melle humano submetido a horas de moldagem, um processo claustrofóbico que o dramaturgo intitulou de “Máscara da Morte de Silicone”. 

Ele questiona certezas humanas e isso chega a ser engraçado, pois atua feito um oráculo que devolve enigmas. E um problematizador de éticas.

No seu monólogo denso e sério, com algumas piadinhas no meio, o autômato se mostra empático e sarcástico. No ambiente da apresentação se revela muito mais empático do que muita gente. E mesmo que os cientistas digam que máquinas não pegam doenças e não envelhecem, o algo triste do Melle robô refuta de alguma forma essa ideia.

Dois pontos ficam acesos (em mim) dessa peça depois da saída do teatro. A fragilidade do robô, o que há de falho nele, sua vulnerabilidade, muito mais que o que existe de perfeito, como projeção desse humano imperfeito e bipolar e o que e possível explorar dessa perspectiva. O imponderável, o erro que pode abrir caminhos surpreendentes.

E a presença forte da máquina na cena como experiência teatral. O robô carregado de memória humana. E o teatro acontece.

Ao final aplaudimos o modelo animatrônico que expôs com gestos delicados seu percurso, reforçando a linha tênue do que é ficção. Inquirindo o que nos diferencia do robô. O Melle máquina não agradece e a equipe técnica que faz a coisa toda acontecer continua nos bastidores. Enquanto isso, os espectadores curiosos tentam pegar mais uma lasquinha do humanoide, com fotos para suas redes sociais.  

 

 

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Todo texto é salvo quando é lido
Resenha da leitura dramática A Pedra do Navio
Por Sidney Rocha*

João Augusto Lira, Márcia Luz e Paulo de Pontes. Foto: Alexandre Sampaio / Divulgação

Atores leem peça de João Denys. Foto: Alexandre Sampaio / Divulgação

O texto e o contexto

João Denys escreveu A Pedra do Navio em 1979. O texto pode ser “lido” em separado, mas faz parte de uma trilogia, do Seridó, e João Denys dedicou boas décadas a esse trabalho.

Em 2007, o texto foi re-escrito e publicado na Antologia do teatro nordestino (Fundação José Augusto) e penso ser sobre essa versão que Conexão 3×4 artes & atos trabalhou a leitura dramatizada, ontem, dia 8 de junho de 2022, no Teatro Luiz Mendonça, no Recife.

Em 1979, ainda sob a ditadura, era comum, só a um passo a menos do obrigatório, no Nordeste, o texto teatral ter algo das teorias de Bertolt Brecht ou do cinema de Glauber Rocha. Da estética da seca e da fome. A Pedra do Navio se ancorava nessas vozes, tanto quanto em teorias marxistas, comunistas, sertanistas, bem ou mal digeridas por quem as encenasse ou assistisse, além de ainda ventilar um pouco da estética do romance de 30 e do modernismo que, de algum modo, terminaram por paradoxalmente atrasar a modernização do palco no Brasil.

O texto é, portanto, seu próprio contexto. Onde certo datismo não o reduz. Talvez o didatismo, a estética da manifestação, sim.

Vivia-se por aqui, na literatura, no cinema, no teatro, (não sei na pintura, mas logo falaremos dela) o máximo da ideia tosca do “resgate” cultural.

Mas, nesse ponto dos “ares de manifesto”, expressão de Alfredo Bosi, o teatro vence a literatura daqueles fins dos anos 1970, onde há bons textos, porém a dramaturgia teatral dessa época, no Nordeste, é menos ensaística ou retórica.

Vemos, hoje, de novo, um descambo dessa literatura para o discurso. O discurso pelo discurso. De novo com exceções.

Pois bem: A Pedra do Navio é mais social que sociológico. No texto, o nordestino deixa de ser resultado de um determinismo biológico, algo eugenista, para ser definido, e isso também significa “reduzido”, por um determinismo social. Eis o drama.

Já a trama começa quando um ônibus atropela a procissão de Nossa Senhora, lá em Currais Novos. Está montada em tipos populares como beatas, pedintes-pidões cegos, pagadores de promessas, padres interesseiros, crentes, viúvas, trabalhadores, príncipes e princesas do sertão mágico.

Pode-se pensar que o dramaturgo buscou criar uma atmosfera geral para contar o verdadeiro mundo dos trabalhadores, do povo oprimido por Deus e pelos “desembargadores” do capitalismo, sob a alegoria da conscientização. Pensar numa urdidura dessas salvará o texto. Mas o texto não precisa de nossas senhoras nem de salvação.

A leitura é sempre aberta. Todo texto é salvo, e só é salvo, quando é lido. O resto é opinião.

Em A Pedra do Navio faltam personagens mais definidos. E o dramaturgo sabe criá-los. Mas, e não preciso defender o texto, Denys talvez tenha preferido essa ideia mais diluída, de personagens como uma hidrameba. Ou esses tipos se escondem nas coxias de seus dramas particulares para poder melhor aparecer a viúva Teodora, heroína morta a tiros pelos donos da mineradora e, depois, tomada por santa pelo povo, outro tópos do imaginário nordestino.

Aqui há nome a se considerar no contexto, que o Conexão 3×4… pode ressuscitar em suas leituras dramatizadas: o paraibano Altimar Pimentel. Ele escreveu a peça Flor do campo, encenada em 1987. O texto traz relações claras com o assassinato da líder sindical Margarida Maria Alves, também por um tiro, por conta de sua luta pela reforma agrária, ao lado dos trabalhadores do campo. Esse feminicídio ocorreu em 1983. João Denys, como poeta, foi aí, portanto, algo profético com sua Teodora?

Rinaldo Silva, Márcia Luz, Breno Melo Paulo de Pontes, João Augusto Lira e Jeims Duarte 

A leitura

Em Conexão 3×4: artes e atos, as atrizes Augusta Ferraz e Márcia Luz e os atores João Augusto Lira e Paulo de Pontes montaram leituras dramatizadas, no Recife. Dali surgiram As Cadeiras, de Ionesco, de A História do Zoológico de Edward Albee, Fala Baixo Senão Eu Grito de Leilah Assumpção a essa A Pedra do Navio, de João Denys. Em todos, a meu ver, outra conexão, algo que me interessa muito: o teatro de texto.

Outras relações: o zoo do norte-americano Albee e as cadeiras do romeno-francês Ionesco são do tutano do Teatro do Absurdo, coisa do fim dos anos 1950. Fala baixo…, da paulista Leilah Assumpção, tem o tom confessional, íntimo, talvez mais ao gênero pictórico chamado de conversação, no drama de duas personagens (como ocorre também em As Cadeiras).

E, então vem A Pedra…, do potiguar João Denys, o mais coletivo deles. E, penso, o mais difícil de se “ler”. João Denys, diretor e cenógrafo, constrói sua cena a partir de luz e cenário muito peculiares. As cenas têm interrupções bem arbitrárias. Algumas ocorrem simultaneamente. A estrutura do texto lembra a montagem e linguagem do cinema, com indicações de luz, cortes, fade out, fade in, split screen.

Por isso, flora e zoo de João Denys exigem mais do elenco: leitores & leitoras.

O segredo da leitura (branca, dramatizada) é sempre o tom. Pouca gente saber ler bem um texto. No teatro, quando a leitura dramatizada faz brilhar mais a dramatização que o texto ele-mesmo, isso pode ser um problema, a depender da exigência da plateia.

Por conta dessa estrutura do texto, do grande número de personagens vividos por três vozes no palco, das simultaneidades, das características dos personagens, repito: tipos, em A Pedra…, o elenco teve de se esforçar muito para esses tipos não descambarem ao mundo da caricatura, especialmente na cena da feira.

Em apresentações assim, o improviso pode se tornar um pesadelo.

E se o elenco se deixar enganar pela reação da plateia, fica sujeito a aumentar mais ainda o tom e exagerar na dramatização e, daí, para a caricaturização é um passo. Nas falas-rezas, nos trechos chupados das missas e das ave-marias, faltou melhor afinação e o uníssono funcionaria mais.

Em alguns momentos, numa das velhas de Lira, no cordelista e no americano (com sotaque algo turco), de Paulo, e na Teodora e sua boneca, de Márcia, isso se pré-anuncia.

Porém, o espetáculo tem rigor próprio, atores e atrizes têm muita estrada e conseguem estabelecer essa conexão do autor com seu texto, do texto com o ouvinte e a direção respeita cada uma dessas dicções. Não vi as outras leituras, embora conheça o texto de maioria, mas esse comentário servirá para as demais experiências dessa temporada de Conexão 3×4…, creio.

E sei que João Denys gostaria de ter visto a apresentação.

O extratexto: a imagem

Esses vários intradiscursos, intratextos, intercontextos, digamos, contribuem para justificar a intenção do grupo em ligar textos e imagens, que são discursos, também. A filósofa, psicanalista, feminista Julia Kristeva já disse bem: “Todo texto se constrói como mosaico de citações, todo texto é absorção e transformação de um outro texto.”

Uma leitura é uma transformação, antes de tudo. E absorção. Ler é abstrair, adicionar e subtrair.

O Conexão 3×4: artes e atos trouxe obras de Rinaldo Silva, Breno Melo e Jeims Duarte para o palco. E sua relação com o texto de João Denys é precisa como um GPS. Elas criam um tipo de cenografia fantasmagórica para o espetáculo. Isso é bom.

O artista e escritor Breno Melo termina por nos apresentar uma tela onde se desfiguram personagens dos Currais Novos (bem velhos) do mundo. Não sei se foi a intenção, mas a pintura de Breno Melo me fez apontar para as figuras de Vicente do Rego Monteiro e me fez projetar no tempo Retirantes, o quadro de Candido Portinari. Se aquelas figuras de Portinari têm um futuro, ele está na esqueletaria pintada por Breno Melo. A “cena” se conecta bem com o contexto da peça, dos mineradores, dos explorados, do povo, que o poder atropela todos os dias.

Rinaldo Silva se apossa do verde-amarelo para sua bandeira sangrada à faca e pisoteada de coturnos para se ligar ao texto justo nos momentos de intenções políticas mais claras, quando alguém confunde a luta por direitos como “coisa de comunista”, sintoma brasileiro bem atual.

Jeims Duarte, artista e pesquisador, oferece uma atmosfera mais mitológica. Para colocar luzes nas pedintes-cegas da feira, mas também no povo cego e para trazer alguma metáfora com a justiça, o artista apresenta seu desenho Tirésias, personagem também frequente no teatro surrealista, cujo mito tanto está ligado à sexualidade quanto à capacidade de profetizar.

E a peça de João Denys tem algo de profético, no que profetiza e mostra no “Hontem”. Basta ver a relação da tragédia da peça com as tragédias recentes do Recife, das chuvas. Da “realeza” visitando as vítimas. E de como a culpa, aqui e no texto, termina sendo sempre da vítima. 

Foi bom sair de casa para ver a leitura. Ainda estou confuso ao ver os rostos alguns sem máscaras, no teatro real, e me equivoquei com uma fisionomia ou outra.

Ao final, fiquei por ali, sentado, esperando o debate. Mania da minha geração. Talvez a interação entre artes plásticas e artes cênicas pudesse aparecer melhor na voz desses outros leitores, os pintores.

Mas depois notei que o milagre já acontecera. Trazer aquele espetáculo foi essa prova.

Tomo a liberdade, aqui, de ampliar a campanha do pix solidário.

Mande um para a chave 81 999697145, da produção. O valor fica a seu critério.

A temporada se encerrou ontem, mas creia em mim, vale mesmo ainda contribuir com esse trabalho.

* Sidney Rocha é escritor. 

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Uma razão de viver
Crítica do espetáculo Estádio
+ abertura da MITsp

Torcida do Lens Racing Club, conhecida como a mais fanática entre os franceses. 

Provocação do público do futebol ao teatro e seus artistas

Mascote e torcida

Sempre me perguntei por que não, ou porque não mais, o teatro não mobiliza multidões, as paixões idólatras. As possibilidades de respostas são milhares e inconclusivas e não vou mergulhar em nenhuma delas. Cito apenas a frase do filósofo Gilles Deleuze, já convocada pelo dramaturgo, encenador, ator e escritor franco-marroquino Mohamed El Khatib, para pensar sobre o espetáculo Estádio (Stadium). “Basicamente, o que diferencia um público de teatro de um público de futebol?”, pergunta Deleuze para emendar jocoso, “Quero dizer, além de roupas?”

Mohamed El Khatib é amante do futebol e jogou como meio-campista por alguns anos. A opinião do pai, também grande fã das partidas futebolísticas, inspirou o filho a construir essa pesquisa. A torcida do Lens Racing Club é conhecida como a mais fanática claque francesa, apesar de o time só ter conseguido a façanha de conquistar um único título na história, em 1997/8. O dramaturgo passou mais de um ano em Lens, situada na região norte da França, entrevistando moradores da pacata cidade de 35 mil habitantes.

Khatib ousa entrar em territórios difíceis, como ocorreu com Finir en beauté, que esteve na MITsp de 2019. Uma narrativa íntima pautada pela tristeza da ausência com a morte e o luto de sua mãe. Ou C’est la vie (2017) que parte dos depoimentos de dois atores sobre a experiência dolorosa da perda dos filhos, em circunstâncias diversas.

Estádio (Stadium), que abriu a Mostra Internacional de Teatro de São Paulo de 2022, leva a assinatura dos diretores Khatib e Fred Hocké. Eles colocam em cena torcedores do clube para friccionar os campos do futebol e do teatro e pôr na roda aquela pergunta do Deleuze, o que diferencia essas audiências para além dos códigos de vestimenta.

São muito interessantes as dobras dessa peça de teatro documental. O caráter intimista dos depoimentos dos apoiadores do LRC, levados à cena em vídeos ou testemunhos ao vivo com a projeção coletiva.  A dedicação ao time faz as conexões pessoais com o senso de comunidade da classe trabalhadora. As camadas mais políticas são puxadas com as declarações sobre rivalidades, desemprego, pertencimento, solidariedade, espírito de equipe e amor incondicional ao clube.

O autor e diretor, de costas, e o turma do Corinthians . Foto Silvia Machado

Em Estádio, Mohamed está no palco para apresentar seus convidados, as garotas pompom, os mascotes e a banda marcial. O autor-realizador faz muitas perguntas aos torcedores.  Mas, em algum momento, o líder da galera pergunta a Mohamed – e ao teatro, e aos artistas – se existe mais liberdade de expressão no teatro do que no futebol. Fica a pergunta.

Da perspectiva dos apoiadores do LRC – trabalhadores das minas e operários, alguns empregados na limpeza e na segurança no Louvre – há um viés de violência de classe no acossamento da polícia. Avisam numa das faixas: “Somos violentos, nem mais e nem menos que a polícia”.  

Os torcedores devotos de um clube de futebol de segunda divisão estão no palco.  O match com a plateia do teatro parece que chega parcial para Estádio na temporada paulistana. Li que na França, o projeto de El Khatib foi um sucesso. 

As apresentações no Brasil contaram com adeptos do Corinthians, um time grande (mas acho que não tinha muito corinthiano na plateia). A zombaria irônica da peça proposta em perguntas por El Khatib ficou dispersa entre os torcedores do Corinthians.

Parece-me que o país do futebol gosta de falar do seu futebol. As conexões testadas pela encenação não visualizaram gerar grande empolgação por aqui. Pelo menos foram as falas que mais escutei depois da apresentação. As provocações da torcedora lembrando da derrota do Brasil por 7 x 1 para a Alemanha ou a Copa do Mundo 2018 para os Les Bleus (Os Azuis) não foram encaradas como uma piada agradável.

Garotas do pompom. Foto Silvia Machado

Bandeira foi confeccionada pela avó do torcedor

As garotas de pompom reforçaram a distância de realidades. A fala supostamente feminista da jovem que se diz acima de peso, mas que conseguiu se firmar na torcida e encontrar uma libertação soou um pouco estranha na argumentação. As entrevistas em vídeo, sem filtros nem grandes intervenções de edição, com o tempo estendido para falar do cotidiano, chegavam como um “tudo isso poderia ser resumido”.

Um dos momentos mais impactantes, e belos, é quando um torcedor agita a grande bandeira do clube, que foi confeccionada por sua avó. O coração da torcida cola naquele gesto, enquanto o estandarte traça desenhos no ar.

Público vai ao palco para pegar cerveja, água e batata frita no intervalo

Como se fosse um jogo de futebol, depois dos 45 minutos do primeiro tempo há um intervalo de 25 minutos. Parece que espetáculo parou, mas podemos dizer que continua com a distribuição de copos de cerveja, batatas fritas e água no food-truck instalado no palco. Em alguns lugares, os produtos eram vendidos; na temporada brasileira, foram distribuídos gratuitamente. Muitos seguiram o chamado, mas não podemos comparar a animação com a dos torcedores em um estádio de futebol.

É uma outra experiência, subir ao tablado reservado para o elenco e atentar para o teatro em outra perspectiva. E observar da plateia os espectadores criarem coreografias corais não programadas.  

A performance documental vem carregada das pulsões dessas pessoas, que dedicam parte da vida à torcida. Há algo de tocante e cáustico nas escolhas, (na falta de) horizontes do capitalismo, desenvolvido nessa partitura coral repleta das energias do coletivo.

Não aparece o esporte espetacular, que o brasileiro tanto gosta. Mas o projeto utópico dos franceses, de gerar transformações segue o efeito de produzir pensamento. Afastar noções óbvias. Mohamed El Khatib atua no limite no teatro. Seu trabalho é desestabilizador.

 

Abertura da MITsp

Zahy Guajajara e Dodi Leal, mestras de cerimônia da abertura da MITsp. Foto Silvia Machado

Guilherme Marques,  Rafael Steinhauser e Antonio Araujo, diretores geral, institucional e artístico

Público no Teatro Paulo Autran, do Sesc Pinheiros

As corpas falam muito de si e do mundo. Algumas mais. Gritam coisas que não podem mais ser caladas. Na abertura da 8ª edição da MITsp – Mostra Internacional de Teatro de São Paulo no Teatro Paulo Autran, do Sesc Pinheiros, na noite de quinta-feira (2/6), as mestras de Cerimônia Dodi Leal e Zahy Guajajara deram um recado que muitos de nós queremos dar.  “As placas tectônicas não param de se mexer… Nunca urgimos tanto pela vida pública como agora…”, pontuaram.

Dodi, curadora do Eixo Ações pedagógica da MITsp deste ano, professora e performer trans; e Zahy, atriz e ativista indígena, prosseguiram provocando, acedendo as moléculas e talvez revelando o estado de espírito de quem trabalha com cultura, depois de tanta redução de direitos. “Quais as vidas que importam para o Estado Brasileiro?”, perguntam para afirmarem em seguida: “Não há democracia étnico-racial no Brasil atual. Não há diversidade no Brasil atual. Não há igualdade de gênero no Brasil atual. Não há inclusão no Brasil atual”.

Para traduzir os impactos que esses tempos árduos trouxeram, ela soltaram que essa é uma mostra de teatro pó-colonial, “pois é a partir do pó da colonização, no resto da modernidade, que elaboramos a nossa cena”.

Foram chamados ao palco o Diretor Regional do Sesc SP, Danilo Santos de Miranda, que reforçou a importância da cultura em nosso país e saudou a volta presencial da MITsp. Depois Eduardo Saron, diretor do Itaú Cultural também salientou a relevância da mostra.

O secretário de Cultura e Economia Criativa do Estado de São Paulo, Sérgio Sá Leitão, aproveitou para falar que entre os editais da sua pasta foi lançado um de apoio para intercâmbio de grupos teatrais paulistas ao festival de Edimburgo.

Secretária municipal de cultura da cidade de São Paulo, Aline Torres

Durante o discurso da secretária municipal de Cultura da cidade de São Paulo, Aline Torres, alguém da plateia gritou “Fora, Bolsonaro”. Ela não perdeu a deixa e comentou “É isso que a gente quer gritar para o mundo”. E emendou que tem pouco tempo para isso acontecer.

O diretor geral de produção Guilherme Marques, da MITsp, falou em seu nome e do parceiro Antonio Araujo, diretor artístico, ambos idealizadores da Mostra. Com uma edição mais concisa, feita nas condições do possível, ele se declarou agradecido em retornar aos palcos presenciais, após uma edição totalmente on-line devido à pandemia. Passou um vídeo em que homenageia a equipe que trabalha na MITsp e que realizou tarefas hercúleas para levantar essa edição. Lembrou dos esforços da mostra na internacionalização das artes cênicas. Emocionado, citou o verso da canção do Belchior, que diz “ano passado eu morri, mas este ano eu não morro!”.

Nessa abertura havia um desassossego no ar. Um contentamento descontente. Seguimos pulsando e atuantes, mas não podemos esquecer dos nossos mortos. São mais de 600 mil brasileiros mortos pela pandemia. Um quadro econômico absolutamente inaceitável e um cenário social difícil para dizer o mínimo. Todos nós sabemos. Mas são a arte e cultura nossos instrumentos de luta e de mudança.

 

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Cartas do livro “Querido Lula”
apostam que o futuro é agora

Zelia Ducan cantou os versos “O sol há de brilhar mais uma vez / A luz há de chegar aos corações / O mal será queimada a semente / O amor será eterno novamente)”. Fotos Ivana Moura

Zélia Ducan lendo uma das mensagens do livro Querido Lula: cartas a um presidente na prisão,

À certa altura da noite ontem, 31 de maio de 2022, no palco do Tuca (Teatro da Universidade Católica de São Paulo), em Perdizes, São Paulo, Zélia Duncan confirmou: “vamos falar só de amor hoje”. Era a resposta a um “eu te amo” de alguém da plateia, que estava lotada para acompanhar o lançamento do livro Querido Lula: cartas a um presidente na prisão, da editora Boitempo.

O evento contou com a leitura de algumas das cartas remetidas ao presidente Lula no período em que esteve preso em Curitiba, espetáculo que foi chamado de Querido Lula: cartas do povo brasileiro. Zélia Duncan leu a mensagem da professora de língua portuguesa, Ana Beatriz Arena, do Rio de Janeiro, que começava com “Querido presidente (nada de ex !) Lula”, ressaltando que os programas dos dois governos lulistas mantidos pela presidenta Dilma, “devolveram (ou desenvolveram) aos ‘meus meninos’ da periferia a vontade de estudar e se tornar ‘doutor'”.

Sabemos que o que pulsa e impulsiona o humano começa pelo desejo – essa motivação de ir além – que quando encontra oportunidades pode fazer a revolução ou alguma insurreição.

Depois de interpretar a canção Juízo Final, de Nelson Cavaquinho (O sol há de brilhar mais uma vez / A luz há de chegar aos corações / O mal será queimada a semente / O amor será eterno novamente), Ducan passou o bastão para outro convidado. Querido Lula: cartas do povo brasileiro estava carregado desse teor:  muitos elos para formar uma grande corrente que se expande para além do palco do Tuca.

A apresentação, dirigida pelo brasileiro Márcio Abreu e pelo francês Thomas Quillardet, teve participação de artistas da música e do teatro, como Ducan, Denise Fraga, Camila Pitanga, Cleo, Celso Fratesch, Grace Passô, Debora Duboc, Leandro Santos, Cida Moreira, Tulipa Ruiz, Cássia Damasceno, a ativista Preta Ferreira, a vereadora Erica Hilton e alguns autores das correspondências na presença do destinatário.

Ivana Jinkings, da editora Boitempo

Historiadora francesa Maud Chirio, organizadora do livro 

A editora-chefe da Boitempo, Ivana Jinkings, abriu os trabalhos lembrando que sua firma lançou em 2018 A verdade vencerá: O povo sabe por que me condenam, obra que ela chamou de premonitória. A publicação traz uma longa entrevista de Luiz Inácio Lula da Silva concedida aos jornalistas Juca Kfouri e Maria Inês Nassif, ao professor de relações internacionais Gilberto Maringoni e à própria Jinkings.

Querido Lula: cartas a um presidente na prisão traz uma seleção de 46 das 25 mil cartas recebidas pelo Instituto Lula ao longo dos 580 dias da prisão de Luiz Inácio Lula da Silva na sede da Polícia Federal, em Curitiba.

A pesquisadora francesa Maud Chirio, – professora na Universidade Gustave Eiffel, França, onde Querido Lula foi publicado este ano -, organizadora do livro no Brasil ressaltou o feito como uma história extraordinária. Chirio avaliou que não existe  nenhum movimento equivalente na história, ao menos na mesma escala. O movimento de correspondência e o volume de mensagens enviadas ao politico impressionaram a historiadora, que trabalhou com uma equipe para catalogar e digitalizar o material, para garantir sua preservação.

Denise Fraga 

Coube a Denise Fraga fazer as honras de mestra de cerimônia e chamar os convidados mais ilustres ao palco, já ocupado por artistas e missivistas: convocou Fernando e Ana Haddad, Dilma Rousseff, Lula e Janja. O clima era de emoção e, em muitos momentos, cada um de nós lacrimejou.

Fraga apresentou a primeira carta, do pedreiro Francisco Aparecido Malheiros, “que trabalha os dias que tem serviço”, mas mesmo com pouco gostaria de contribuir para contratar mais advogados para defender Lula, pois escreve, “queremos nosso artilheiro em campo”.

Douglas leu sua própria carta endereçada ao presidente

Depois, Douglas William Dias leu a própria carta, em que conta como foram determinantes as ações dos governos petistas para ele cursar pós-graduação em Saúde da Família. Mais adiante, Fatima Lima, de Natal (RN), lembrou na sua escrita que a dor de Lula preso doía em nós. “E uma dor diferente por que não é uma dor pessoal só. E uma dor coletiva por uma ferida coletiva”.

Para aquelas pessoas que escreveram cartas, Lula é um estadista, no mais alto grau do termo, mas também uma pessoa muito próxima, quase da família. Suas mensagens expõem desejos de que ele, Lula, se mantenha firme, pois é um dos nossos. Passa por aí um tratamento carinhoso, quase íntimo, de uma mãe que incentiva, mas pode dar bronca no filho; do irmão que se orgulha do mais velho, de algum parente ou amigo que tem certeza que Lula é o cara.

E são expostas as confidências de mudanças de vida proporcionadas, motivadas por políticas públicas dos governos petistas, dos espaços conquistados contra a discriminação de quem é negro ou mulher, com vontade de que acabe esse inferno que se tornou o Brasil nos últimos anos do atual governo, com desemprego, perdas de direitos trabalhistas, perseguição à arte e a cultura.

Na carta lida por Grace Passô e Debora Duboc há mais um dado interessante que demonstra uma lucidez, uma sabedoria em avaliar a situação que vai além de um apoio idólatra (como apontam alguns) ao melhor presidente que esse país já teve. Na mensagem de Jorge Luiz Zaluski, ele relembra das políticas públicas que criaram oportunidades de superação da pobreza. Historiador e sociólogo atualmente com doutorado, ele traça paralelos entre seu percurso familiar e trajetória de Lula. Mas adverte “Nossos tempos sombrios não garantem nada, principalmente quando a democracia está em jogo”.

São muitos exercícios de esperançar. De apostar e trabalhar para que a vida seja diferente da que vivemos hoje, porque já provamos e isso é possível.

Leandro Santos, Grace Passô, Camila Pitanga, Cássia Damasceno e a vereadora Erica Hilton

Fernando Haddad

emoção de lula

A emoção de Lula

Dilma lendo uma carta

Fernando Haddad leu a carta de Jean Willys, ex-deputado que precisou deixar o Brasil para garantir sua própria vida, que estava sob ameaça, depois que esse grupo político que governa ascendeu ao poder. A presidenta Dilma leu o depoimento da garota Juliana Freitas, que disse que virou petista aos 12 anos, em 1989 ao ver – por indicação do pai – a propaganda eleitoral pela televisão e ficou hipnotizada com as falas de Lula. Janja leu duas cartas que ela mesma escreveu ainda no começo do namoro.

Ficou por último a fala do presidente que salientou que vive o melhor momento de sua vida, apaixonado e casado com a socióloga Janja, renovado e agradecido por todo apoio que recebeu durante os 580 dias que passou injustamente preso na carceragem da Polícia Federal de Curitiba.

Seu discurso foi contundente para falar da atual situação do Brasil, que voltou a níveis de pobreza extrema. A inflação que esmaga o salário e a postura fascista do Bozo também pontos do seu discurso. Lula estava no seu campo e se deu ao direito de fazer embaixadinha, dar chapéu, fazer gol de bicicleta. Com sua habilidade de oratória, eletrizou e emocionou a plateia ao falar das mortes, desde as que foram ocasionadas pela pandemia, passando pelas tragédias em decorrência da intervenção irresponsável do ser humano na natureza até as que são ocasionadas pelo braço do Estado. Lula ressaltou a educação como caminho para tirar o Brasil da situação em que se encontra e afirmou que a “ignorância gera Bolsonaro”.

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