Todos os motivos para rir

atriz francesa Hélène Gustin abre a programação adulta da 2ª edição do  Palhaçaria

atriz francesa Hélène Gustin abre a programação adulta da 2ª edição do Palhaçaria

O mundo é das palhaças. Se isso não for verdade, deveria ser. Tudo o que elas tocam viram graça, alegria, sentimento e diversão. Recife vai sediar um encontro dessas criaturas iluminadas que transformam o universo ao nosso redor muito melhor.

A 2ª edição do PalhaçAria – Festival Internacional de Palhaças do Recife começa sábado e segue até o dia 20, com apresentações em vários locais (confira programação abaixo). O evento vai juntar palhaças do Brasil, Áustria, Japão, França, Espanha e Argentina.

As Levianinhas em Pocket show para crianças (Cia Animé / PE)

As Levianinhas em Pocket show para crianças (Cia Animé / PE)

A iniciativa é da Cia. Animée, com incentivo do Funcultura/Governo do Estado de Pernambuco e apoio do Sesc Pernambuco, Centro Apolo-Hermilo e Prefeitura do Recife.

Os ingressos custam R$ 10 (inteira) e R$ 5 (meia) e estarão disponíveis 1h antes de cada apresentação, na bilheteria dos teatros.

Programação:


AS LEVIANINHAS EM POCKET SHOW PARA CRIANÇAS (Cia. Animée / PE)
Dia 13 de setembro (sábado), às 16h, no Teatro Hermilo Borba Filho (Av. Cais do Apolo, s/n, Bairro do Recife. Fone: 3355 3321), R$ 10 e R$ 5

COLETTE GOMETTE (Hélène Gustin / França)
Dia 13 de setembro (sábado), às 20h, no Teatro Apolo (Rua do Apolo, 121, Bairro do Recife. Fone: 3355 3320), R$ 10 e R$ 5

trueque com a cia animee foto mari frazao
TRUEQUE (Cia. Animée / PE)
Dia 14 de setembro (domingo), às 16h, no Teatro Apolo, R$ 10 e R$ 5

CREATIVE COMMONS (Aina Moreno, da companhia Té a Tres / Espanha)
Dia 14 de setembro (domingo), às 19h, no Teatro Hermilo Borba Filho, R$ 10 e R$ 5

image
XULETA MON AMOUR (Gyuliana Duarte / MG)
Dia 15 de setembro (segunda), às 20h, no Teatro Apolo, R$ 10 e R$ 5

OLGA, A PULGA (Tereza Gontijo / SP)
Dia 16 de setembro, às 19h, no Teatro Hermilo Borba Filho, R$ 10 e R$ 5

CABARÉ DE PALHAÇAS (atrações diversas, tendo como mestras de cerimônias: Florência Santángelo, Maria Angélica Gomes e Cristiana Brasil / RJ)
Dia 16 de setembro, às 21h, no Teatro Apolo, R$ 10 e R$ 5
Números da noite:
A Voz, com Tereza Gontijo (SP) – Direção: Fernando Escrich
Japa em Fulô, com Angela Maria Quinto (SP)
Diva do Prazer, com Antonia Vilarinho (DF)
Gigi do Egito, com Regina Oliveira (Teatro de Anônimo/RJ)
Rien do Rien, com Tanja Simma (Áustria)
Um empregado no Japão, com Madoka Nishino (Japão)
As Super Heroínas, com Tereza Gontijo e Luciana Viacava (SP) – Direção: Anderson Spada
Un, Deu … Euh…, com Hèléne Gustin (França)
Marciele, a Cantora Bêbada, com Regina Oliveira (Teatro de Anônimo/RJ)

i will survave
I WILL SURVIVE (Antonia Vilarinho / DF)
Dia 17 de setembro, às 19h, no Teatro Apolo, R$ 10 e R$ 5

CABARÉ DE PALHAÇAS (atrações diversas, tendo como mestras de cerimônias: Nara Menezes e Fabiana Pirro / PE)
Dia 17 de setembro, às 21h, no Teatro Hermilo Borba Filho, R$ 10 e R$ 5
Números da noite:
Um Estrangeiro no Brasil, com Madoka Nishino (Japão)
Silene, a Mulher Cobra, com Maria Angélica (Teatro de Anônimo/RJ)
Procurando Marido, com as palhaças da Cia. Dois Em Cena de Teatro, Circo e Dança (PE)
As Amazonas e a Lenda do Fim do Matriarcado, com Geni Viegas (As Marias da Graça/RJ)
Carmem, com Lily Curcio (Seres de Luz Teatro/SP)
Dance Madley, com Tanja Simma (Áustria)
Donde Estavas, com Maria Angélica e Regina Oliveira (Teatro de Anônimo/RJ)
Um Sac Poubelle (Trash Bag), com Hèléne Gustin (França)
Número Surpresa da Noite (SP/PE)

FÓRUM. Debate com intermediadora sobre intercâmbios e visibilidade para as palhaças nacional e internacionalmente.
Dia 18 de setembro, das 14 às 17h, no Teatro Marco Camarotti, com entrada franca – Aberto ao público interessado.

ANNA DE LIRIUM ALIVE! – IN CONCERT (Tanja Simma / Áustria)
Dia 18 de setembro, às 20h, no Teatro de Santa Isabel, R$ 10 e R$ 5

PARAÍSO NA TERRA (Elke Maria Riedmann / Áustria)
Dia 19 de setembro, às 19h, no Teatro Hermilo Borba Filho, R$ 10 e R$ 5

SPAGUETTI (Seres de Luz Teatro/Lily Curcio/SP, com participação especial de Vanderléia Will/SC)
Dia 19 de setembro, às 21h, no Teatro Apolo, R$ 10 e R$ 5

MABEL, UMA HISTÓRIA MUSICAL (Maby Salerno / Argentina)
Dia 20 de setembro, às 20h, no Teatro Apolo, R$ 10 e R$ 5

Maby salerno

Como será o amanhã?

Peça Tomorrow, da escocesa Vanishing Point Theatre Company. Foto: Junior Aragão

Peça Tomorrow, da escocesa Vanishing Point Theatre Company. Foto: Junior Aragão

Se houver amanhã, ele será decrépito. Sem apelação. Sem melodramas. Cruel? Talvez. C’est la vie. Tomorrow, da escocesa Vanishing Point Theatre Company, traduz esse vaticínio. O espetáculo foi inspirado em estudo sobre o envelhecimento da população mundial. Graças à tecnologia, os humanos passaram a viver mais tempo e com isso, o número de idosos triplicou nos últimos 50 anos. A previsão é de que em 2050 o total de velhos no mundo chegue a dois bilhões. Mas essa longevidade não é garantia de saúde. Pelo contrário, traz ameaças de doenças, sendo a demência (o Alzheimer é uma delas) a que deve atingir um terço da população.

Primeira coprodução internacional do Cena Contemporânea – Festival Internacional de Teatro de Brasília, Tomorrow, toca nessas feridas abertas, que nega a humanidade e as relações amorosas (fraternas ou filiais) entre jovens e velhos, quando as limitações dos segundos exigem atenções especiais dos primeiros.

Antes do início da apresentação, o jovem diretor Matthew Lenton explicou que o cenário da peça ficou retido na alfândega, em São Paulo, e que este era o maior desafio da estreia. Lançar-se com uma cenografia arranjada em três dias.

Lenton também sugeriu ao público a não ficar preso às legendas (a peça foi apresentada em inglês com legendas em português), porque os atores poderiam improvisar algumas frases e, principalmente, que era melhor entrar na viagem sonora das palavras casadas com as imagens exibidas.

De fato, as imagens são impactantes. Principalmente porque conta com um projeto de luz que esfria, esquenta, indica, esconde, clareia, enfim, uma iluminação criativa que se torna um elemento imprescindível da encenação. Uma luz deslumbrante que dá a medida das situações, trabalhando inclusive com efeitos de “fade in” e “fade out” semelhante ao cinema.

Cena em que George é "forçado" a envelhecer

CEna em que George é “forçado”a envelhecer

Personagem se debateu muito antes de ficar senil

Personagem se debateu muito antes de ficar senil

Pela temática, não há como não lembrar da montagem Sobre o Conceito do rosto do Filho de Deus, da companhia teatral Socìetas Raffaello Sanzio, com direção de Romeo Castellucci, que esteve no Brasil durante a 1ª Mostra Internacional de Teatro – MITsp, em março. Mas enquanto a obra do italiano é carregada de culpa cristã e referências à fé e sua negação, parece que Tomorrow está esvaziada dessas problematizações.

Matthew Lenton faz uma brilhante articulação do teatro com quadrantes de espaços e inversões e supressões de tempo em Tomorrow. Mas a cena é fria, no sentido de não apelar para sentimentos mais melodramáticos do espectador. Com maestria o encenador agrupo componentes que desestabilizam o espectador.

Atroz, bárbaro, desumano é seu contexto – dos velhos “abandonados” em asilos sob a responsabilidade de cuidadores profissionais. E esses cuidadores da encenação se aproximam muito dos profissionais da saúde – médicos e paramédicos – quando tratam de doentes em hospitais e ostentam sua atitude técnica ao lidar com aqueles corpos frágeis, indefesos, ao dispor deles.

Presumo que o diretor equalizou para o mínimo a pulsação do afeto na cena para produzir um outro efeito inquietante. Penso ser proposital e calculadas as opções do encenador, para não tocar na emoção mais à flor da pele, que a matéria em si já incita.

Ele expõe um quadro duro, difícil de encarar, mas ao mesmo tempo avisa que aquilo ali pode acontecer com qualquer um de nós, espectadores. Não há consolação para a perda de liberdade e o sofrimento dos internos daquele lugar. E muito menos sacrifícios dos filhos deles.

Diretor não apela para sentimentalismo que o tema já desperta

Diretor não apela para sentimentalismo que o tema já desperta

A ironia perpassa a cena na hora das “brincadeiras internas”, as conversas de intervalo, quando um cuidador pergunta para o outro qual dos velhos escolheria para “ficar”.

A montagem é muito plástica e se resolve com os poucos artefatos, cadeiras e mesas basicamente. As máscaras de borracha, fabricadas nos Estados Unidos, são elementos de destaque na composição dos personagens. Aliás, o elenco é de uma afinação de orquestra. Os atores que interpretam os velhos ostentam uma técnica segura e eficiente. Os cuidadores fazem um contraponto, dando leveza ao ambiente, também com interpretações convincentes.

A primeira cena é de uma potência dura e bárbara. Um velho caminha pelas ruas geladas de um determinado lugar, carrega flores consigo. Esbarra em George, um jovem que está muito apressado para chegar ao hospital onde sua mulher pariu a filha do casal. No primeiro momento ele procura ajudar o velho, que cai, e George volta a ajudá-lo. Mas aí o velho se agarra às pernas do jovem e dois travam uma luta desesperada, quase um abraço de afogado. É uma cena forte.

Durante 90 minutos acompanhamos inquietos essa passagem das horas, dias, meses, na ficção. Crianças chegam, brincam, os velhos olham. A passagem do tempo. O tempo que se confunde. Apesar de expor situações humilhantes dos velhos, já tão limitados em seus corpos, a peça não despertou comiseração, pelo menos não em mim. Mas esse trabalho perturbador invade a consciência e sem pedir licença brada forte sobre o que queremos para o futuro.

O amanhã apresentado numa máscara de borracha

O amanhã apresentado numa máscara de borracha

FICHA TÉCNICA
Direção e Concepção: Matthew Lenton
Dramaturgia: Pamela Carter
Texto: Pamela Carter e a Companhia
Elenco: Aleksandra Kuzenkina (Rússia), Elicia Daly (Inglaterra), Jenny Hulse (Escócia), Mercy Ojelade (Inglaterra), Peter Kelly (Escócia), Samuel Keefe (Escócia), Stephen Docherty (Escócia) e William Ferreira (Brasil)

Outras notícias sobre o festival, programação completa e as atividades formativas no próprio site do Cena Contemporânea:

* A jornalista Ivana Moura viajou a convite da organização do Cena Contemporânea – Festival Internacional de Teatro de Brasília. Texto escrito no âmbito da DocumentaCena – Plataforma de Crítica, iniciativa que envolve os espaços digitais Horizonte da Cena, Satisfeita, Yolanda?, Questão de Crítica e Teatrojornal.

Grupo bom é grupo morto

Performance de Gabriel F. em Adaptação. Foto: Junior Aragão

Performance de Gabriel F. em Adaptação. Foto: Junior Aragão

A companhia Teatro de Açúcar, de Brasília, “morreu” em 2012. Mas depois disso montou alguns espetáculos, inclusive o criativo Adaptação, monólogo defendido por Gabriel F., que foi exibido na 15ª edição do Cena Contemporânea – Festival Internacional de Teatro de Brasília. (Adaptação estreou em Brasília em janeiro de 2013, financiado pelo Ministério da Cultura do Distrito Federal. E no início deste ano participou do Janeiro de Grandes Espetáculos, no Recife). Os motivos do óbito são fáceis de adivinhar: dificuldades financeiras para manter as atividades da equipe – sintomas que acometem outros conjuntos Brasil à fora.

O monólogo leva ao palco uma transexual, atriz, que ensaiou durante três ou quatro meses com um encenador de ideias vacilantes e hoje é sua estreia. Precisa improvisar.

Adaptação_Foto Junior Aragão1

Vermelho para celebrar a vida, de toda forma

E para falar de ameaças de desaparecimento, o bando institui paralelismos dentro da cena com personagens que buscam driblar a extinção. No caso um diretor que vive uma crise de criação do espetáculo e já pensa em mudar de profissão, uma atriz que veio do interior e precisa se acostumar ao novo estilo na capital, uma transexual – que por sinal é a atriz- às voltas com sua nova identidade e um dinossauro de futuro incerto.

Os procedimentos para tratar de todas essas questões são inventivos. O que fica é que todos querem sobreviver.

Para formar o quadro estão na cena um minúsculo piano, um microfone com pedal, uma caixa de equipamentos sonoros, uma mesa coberta por toalha, um dinossauro de brinquedo e uma taça. No chão, um jarro.

Entra uma figura estranha, mas bonita. Traz flores. Peruca loura, sapatos vermelhos de salto alto e um ar que mistura uma personagem interiorana com uma figura que vai sobreviver. Mesmo que para isso precise adaptar-se.

O verbo que faz referência ao fato de ajustar uma coisa à outra. Então, se acomodar a diversas circunstâncias e condições. A personagem faz bem isso e o registro do intérprete a esse processo é o meio-tom em que alguém vai expondo sua situação, seus limites, e ao dizer coisas com tanta sinceridade dribla o ato ridículo e consegue a cumplicidade da plateia.

É um progressivo conquistar do público, ao falar da crise do teatro, das estacas do contemporâneo, das técnicas ironizadas pelo ator.

A primeira parte de Adaptação é uma sequência de justificativas sobre o vazio da cena, com frases de inteligência mordaz e pelo menos dois momentos de uma beleza crítica desconcertante. Quando ele mostra, com as mãos, um dinossauro (e neste caso a iluminação é determinante) e a evolução disso quando o ator explora gestos e finaliza com uma frase de que adora dança contemporânea.

Toca música de Ângela RoRô

Toca música de Ângela RoRô

Esse discursar sobre o vazio é redirecionado para a música (Gota de Sangue, de Angela Rô Rô e uma outra autoral) e para uma pequena fábula de um encontro quase amoroso e sua impossibilidade diante das convenções sociais. No caso, da atriz transexual e seu professor de piano na sua cidade do interior.

O registro interpretativo, num tom de negociação, vai conquistando o seu interlocutor aos poucos, também me parece um pouco dessa camuflagem como mecanismo de defesa da qual fala a personagem sobre o camaleão que engana os possíveis predadores.

É uma encenação que destaca a ironia desse viver contemporâneo, sem lições de moral. Tem potência, mesmo quando parece falar do nada. É uma dramaturgia original, com humor sutil, uma peça divertida para falar do medo do fim. A caracterização do ator é ponto alto da montagem.

Dispensaria apenas o cigarro fumado em cena.

FICHA TÉCNICA
Texto, direção e interpretação: Gabriel F.
Música original e direção musical: Marco Michelângelo
Produção musical: Rubi
Assistência de Direção e Luz: Igor Calonge
Cenotécnico: Rodrigo Lelis
Cenografia e Figurino: Gabriel F.
Produção: Gercy Fernandes
Piano: Renio Quintas

Outras notícias sobre o festival, programação completa e as atividades formativas no próprio site do Cena Contemporânea:

* A jornalista Ivana Moura viajou a convite da organização do Cena Contemporânea – Festival Internacional de Teatro de Brasília. Texto escrito no âmbito da DocumentaCena – Plataforma de Crítica, iniciativa que envolve os espaços digitais Horizonte da Cena, Satisfeita, Yolanda?, Questão de Crítica e Teatrojornal.

Cacá Carvalho brinca com máscaras da aparência

cacá carvalho em trilogia Pirandello

Cacá Carvalho levou Trilogia Pirandello ao Cena contemporânea – Festival Internacional de Teatro de Brasília

O monólogo umnenhumcemmil, com o ator Cacá Carvalho, é a terceira peça de uma trilogia que o artista desenvolve a partir da escritura de Luigi Pirandello. Os três espetáculos (O homem com a flor na boca, A poltrona escura e umnenhumcemmil) foram apresentados na 15ª edição do Cena contemporânea – Festival Internacional de Teatro de Brasília, e tem assinatura do diretor italiano Roberto Bacci. Um nenhum cem mil é o último romance de Pirandello e trata de assuntos caros e recorrentes na obra do escritor italiano, o “ser” e o “parecer”, a sobrevivência de identidades e no fundo o próprio teatro e seu leque de simulacros.

O romance Um, nenhum e cem mil, de 1926, é desconcertantemente atual nos questionamentos das identidades a partir do olhar do outro, que nessas épocas são cada vez mais manipuláveis. A encenação explora as sutilezas desses motes num monólogo de 80 minutos, verborrágico e cativante.

Um dos principais teóricos da modernidade líquida, o polonês Zygmunt Bauman atesta que a identidade é um “beco sem saída”. E defende que é um “conceito altamente contestado”. E que a palavra remete à batalha. Já o sociólogo francês Michel Maffesoli fala de sistemas de significação e representação cultural que são multiplicados.

Para trabalhar esses pontos complexos, a montagem conta com um magnifico ator, com domínio de diferentes estéticas e formas cênicas plurais, por onde Cacá Carvalho desliza com sobriedade.

umnenhumcemmil é um drama existencial de Vitangelo Moscarda (o Genge), 28 anos, casado com Dida, sem filhos, dono de um banco e de Bibi, uma cadela. Ele mora na cidade de Richieri e tem dois amigos fieis, Quantorzo e Stefano Firbo, que cuidam de seus negócios. Uma figura ordinária, comum.

Um belo dia, um comentário da esposa sobre seu nariz, que se inclina para a direita, desencadeia uma crise sem precedente. Genge não é, nem para Dida, aquilo que imaginava ser. Isso provoca a investigação de outros defeitos físicos: descobre que tem sobrancelhas semelhantes a dois acentos circunflexos “^^”; que as orelhas são mal grudadas; que em uma das mãos o dedo mindinho exibe desproporcionalidade; além de outras pequenas “anormalidades”.

Espectadores viram testemunhas privilegiadas da intimidade. Foto: Humberto Araújo.

Espectadores viram testemunhas privilegiadas da intimidade. Foto: Humberto Araújo.

O protagonista conclui, então, que cada pessoa que o enxerga vê̂ um Moscarda diferente. E esse indivíduo não suporta o peso da opinião pública. Ele quer uma unidade, mas ao mesmo tempo não aguenta ser mais um.

O sujeito mergulha num abismo de reflexões. E diante da situação bizarra, abandona sua vida vulgar, funda um asilo, onde vai trabalhar. Se livra da identidade pública e abraça o anonimato.

As máscaras vão caindo. Com poucos recursos cenográficos de Marcio Medina (uma poltrona, algumas cadeiras, balde), o ator assume essa figura que limpa o chão, que treme em nervos expostos numa interpretação visceral de Cacá Carvalho. Ele constrói um personagem patético, ridículo, poético. Seus gestos e vozes se transformam em lâminas de corte para essas pulsações contemporâneas. Tão vibrantes em suas identidades descartadas. Metateatro erguido com competência diante dos olhos do público.

Ao convidar alguns espectadores a se sentarem no palco, acompanhando de perto a encenação, a montagem explora mais um link da superexposição da vida íntima. Uma pertinente metáfora. A luz de Fábio Retti e a música de Ares Tavolazzi compartilham desse processo.

A inteligência cênica da parceria entre ator e diretor joga no palco um intérprete de vários personagens, fragmentado em diversas vozes, multifacetado. Num atuação luminosa de Cacá Carvalho.

caca carvalho em umnenhumcemmil

Atuação luminosa em umnenhumcemmil

FICHA TÉCNICA
umnenhumcemmil
Com: Cacá Carvalho
Direção: Roberto Bacci
Dramaturgia: Stefano Geraci
Cenário e Figurino: Márcio Medina
Iluminação: Fábio Retti
Fotos: Lenise Pinheiro e Jorge Etecheber
Operação de Luz/Som/Montagem: Yuri Cumer
Assistente de Figurino: Maristela Tetzlaf
Tradução: Cacá Carvalho
Produção: FondazionePontedera de Teatro
Realização: Casa Laboratório para as Artes do Teatro e Fondazione Pontedera Teatro/Itália
Produção: Iza Marie Miceli

Outras notícias sobre o festival, programação completa e as atividades formativas no próprio site do Cena Contemporânea: www.cenacontemporanea.com.br/#”

* A jornalista Ivana Moura viajou a convite da organização do Cena Contemporânea – Festival Internacional de Teatro de Brasília. Texto escrito no âmbito da DocumentaCena – Plataforma de Crítica, iniciativa que envolve os espaços digitais Horizonte da Cena, Satisfeita, Yolanda?, Questão de Crítica e Teatrojornal.

Cena Contemporânea resiste com dignidade

Tomorrow, do Vanishing Point, é a primeira coprodução do Cena Contemporânea. Foto: Victor Franowski

Tomorrow, do Vanishing Point, é a primeira coprodução do Cena Contemporânea. Foto: Victor-Franowski-3

Realizado entre a bilionária Copa do Mundo de Futebol no Brasil e as eleições presidenciais vindouras, o Cena contemporânea – Festival Internacional de Teatro de Brasília faz da 15ª edição um ato de resistência e dignidade. Com menos recursos, o programa reduziu a quantidade de atrações (com a interrupção neste ano do braço musical), mas verticaliza o ato de refletir sobre o é que fazer cultura num país em que este setor não é prioridade nem na capital do poder.

“Enquanto isso”, destaca o curador Guilherme Reis no livreto do Cena Contemporânea, “a humanidade segue em sua complicada caminhada em direção a um futuro incerto, convivendo com a violência, os conflitos, o preconceito e a perversidade de uma sociedade globalizada que se baseia no consumo e em uma falsa riqueza. E o teatro segue nos auxiliando a compreender toda essa complexidade, apontando para a poesia que persiste entre os homens”.

O festival começou no último dia 19 de agosto e segue até domingo, 31/08, com 23 encenações da Espanha, Escócia, França, Argentina e Brasil. E tem o patrocínio da Petrobras, copatrocínio do Banco do Brasil e Funarte. Guilherme Reis assina a curadoria e direção do evento, que é uma realização da Cena Promoções Culturais e da Fundação Athos Bulcão.

A falta e o excesso que movem a humanidade nestes tempos de fúria e incertezas palpitam nos espetáculos do programa, com questões sobre identidade cultural, utopia, velhice e a prosaica poesia cotidiana. Esses alumbramentos podem ocorrer de mãos dadas com Plínio Marcos, Shakespeare, Pirandello ou dramaturgias mais autorais.

O Grupo Sutil Ato [DF] retrabalha trechos de peças do Plínio Marcos em Autópsia I e Autópsia II). Luigi Pirandello (1867-1936) comparece com a trilogia do ator Cacá Carvalho, dirigido pelo italiano Roberto Bacci – O homem com a flor na boca, A poltrona escura e umnenhumcemmil. Além da adaptação do clássico Seis personagens à procura de autor pela companhia espanhola Kamikaze, em La función por hacer.

A moda chama para uma contradança na montagem A Feia Lulu, de Fause Haten (SP) inspirada em La Vilaine Lulu, personagem de quadrinhos criada pelo estilista francês Yves Saint Laurent.

Tomorrow (foto no alto), do grupo Vanishing Point, da Escócia, dirigido por Matthew Lenton é a principal aposta do festival. A dura realidade de quem envelhece e carece de cuidados especiais está no centro de uma reflexão que se propaga na medida que atitudes podem de (des)respeito podem ser repetidas por outros jovens. A montagem é uma coprodução entre Vanishing Point (Escócia), Cena Contemporânea, Brighton Festival (Inglaterra), Tramway (Escócia) em associação com Platform (Escócia) e National Theatre Studio, Londres (Inglaterra).

Peça Noctiluzes, da Cia Plágio de Teatro. Foto: Alexandre Magno/Divulgação.

Peça Noctiluzes, da Cia Plágio de Teatro. Foto: Alexandre Magno/Divulgação.

Othelo, a tragédia de William Shakespeare com suas intrigas de engano, traição e vingança, ganha ares de clown na versão do argentino Gabriel Chame Buendía. Sob encomenda, outro argentino, o dramaturgo Santiago Serrano (mesmo autor de Dinossauros), escreveu Noctiluzes, para a Cia. Plágio de Teatro para tratar de uma combinação explosiva entre covardia e solidão e sobrevivência da amizade.

O Cena Contemporânea deste ano já tem uma fortuna crítica dos espetáculos apresentados nos primeiros dias. Indicamos o nosso parceiro, o site Teatro Jornal, onde o leitor pode conferir mais informações sobre o festival e algumas críticas.

http://teatrojornal.com.br/2014/08/brasilia-abraca-pirandellianos-e-coproduz/

http://teatrojornal.com.br/2014/08/ o-circulo-de-giz-da-resignacao/

http://teatrojornal.com.br/2014/08/outras-portas-de-entrada-para-a-danca/

http://teatrojornal.com.br/2014/08/transfusao-rodriguiana/

title="http://teatrojornal.com.br/2014/08/um-intimo-mal-estar-de-seculo/" target="_blank">http://teatrojornal.com.br/2014/08/um-intimo-mal-estar-de-seculo/

title="http://teatrojornal.com.br/2014/08/nos-dobras-de-plinio-marcos/" target="_blank">http://teatrojornal.com.br/2014/08/nos-dobras-de-plinio-marcos/

http://teatrojornal.com.br/2014/08/as-fontes-vivas-em-cenas-e-narrativas-ageis/

Outras notícias sobre o festival, programação completa e as atividades formativas no próprio site do Cena Contemporânea: www.cenacontemporanea.com.br/#”

* A jornalista Ivana Moura viajou a convite da organização do Cena Contemporânea – Festival Internacional de Teatro de Brasília. Texto escrito no âmbito da DocumentaCena – Plataforma de Crítica, iniciativa que envolve os espaços digitais Horizonte da Cena, Satisfeita, Yolanda?, Questão de Crítica e Teatrojornal.