Poesia contra preconceitos

Solo da atriz Soraya Silva é inspirado na obra de Carolina Maria de Jesus e Elisa Lucinda

Solo da atriz Soraya Silva é inspirado nas obras de Carolina Maria de Jesus e Elisa Lucinda

Olhos de Café Quente embala histórias de meninas, mães, madrinhas e mulheres. Episódios belos, tristes, de denúncia. É um espetáculo que acende a memória de feridas provocadas por preconceitos (in)disfarçáveis. No solo, a atriz Soraya Silva debate cenicamente a questão de raça e realiza um mergulho profundo no universo feminino. A peça ergue uma heroína do povo a partir das obras de Carolina Maria de Jesus e Elisa Lucinda. Olhos de Café Quente, com direção de Quiercles Santana, estreia nesta sexta-feira, 1º de maio, Dia do Trabalhador, no Teatro Hermilo Borba Filho, no Recife.

O encenador diz que a montagem é uma aposta no teatro, na delicadeza dos pequenos movimentos, nas ações silenciosas, nas palavras, na poesia. Olhos de Café Quente faz vibrar quando aponta para as dores e as alegrias de existir. A atriz elabora no corpo, nos gestos, movimentos e sentimentos, as recordações e desejos de uma mulher, que são muitas numa só: a menininha abelhuda, a mocinha encantadora, a mulher enérgica, a anciã.

Quiercles Santana nos dá mais algumas pistas. A encenação “é sobre as diversas fomes e sedes que nos consomem… É sobre a solidão da escrita e a paixão por palavras instauradoras de mundos, imagens, sombras, reflexões”.

O processo de criação do espetáculo começou em 2013, a partir da obra de Carolina Maria de Jesus, mulher negra, pobre, catadora de lixo, mãe solteira, semianalfabeta, que morou na favela do Canindé, em São Paulo, e surpreendeu o mundo com uma escrita autobiográfica; memorialista; poética, em formato de contos, provérbios e romances. O contraponto para essa dramaturgia “de grande relevância política, estética e social” é a obra de Elisa Lucinda “negra de olhos verdes”, respeitada atriz, cantora, poetisa e jornalista com sua poesia do cotidiano.

No livro Quarto de despejo: diário de uma favelada, publicado em 1960, Carolina Maria de Jesus (1914-1977) faz um desabafo por todos os excluídos desse Brasil, os abandonados à própria sorte, enfrentando a miséria absoluta, fome e violência. A escritora ainda publicou, no Brasil, os livros Casa de alvenaria (1961), Provérbios (1963), Pedaços da fome (1963) e Diário de Bitita (publicação póstuma, 1982).

Atriz interpreta várias mulheres numa só

Atriz interpreta várias mulheres numa só

“Num balanço se balança, sem pressa, uma jovem mulher, de branco vestida.
É negra ela… Como negra é a tinta com que escreve, na brancura do papel, seus poemas e lembranças.
Suas histórias deslizam com pés de anjo, passos leves, no espaço, como se o tempo fosse outro, como se a vida não urgisse.
Ouvimos quando canta, voz grave, canções antigas.
Vemos quando acende velas multicores.
Sentimos o rescindir de perfumes.
Rodeada de livros e escritos, ela conta, tranquila-tranquila, sonhos de infância, de como entende a vida, de seus desejos de mulher, de suas perdas e danos, das dores e alegrias de ser mulher negra.
Às vezes a sentimos endurecer, guerreira, solicitando mais respeito, mais amor, alguma dignidade. Aí sua voz ganha força, peso, ressoa alto, penetrante, na plateia. Ela nos toca, provoca, afeta, faz pensar.
Ouvimos outras vozes nas suas palavras. E calamos ante sua força e fé. Pois que a dor que lhe grita por dentro não é sua somente. É nossa também. É de todo mundo que já se viu, em algum momento, apequeninado pelo preconceito racial.
A mulher de branco vestida é, ela mesma, um poema feito de carne, músculos e respirações. É puro movimento interno e externo. É um convite para se ver, de outro ângulo, o mundo tal qual o conhecemos.”

A peça é sobre ser negro e pobre, ter de se virar e  manter a altivez

A peça é sobre ser negro e pobre, ter de se virar e manter a altivez

Serviço
Olhos de café quente
Onde: Teatro Hermilo Borba Filho (Cais do Apolo, s/n, Bairro do Recife)
Quando: Sextas, sábados e domingos, de 1º a 10 de maio, às 20 horas
Quanto: R$ 30 e R$ 15 (meia-entrada)

ENTREVISTA // QUIERCLES SANTANA

Quiercles Santana, diretor do espetáculo. Foto: Andréa Neres

Quiercles Santana, diretor do espetáculo. Foto: Andréa Neres

Como vocês compuseram a dramaturgia?
A dramaturgia foi sendo erguida por tentativa e erro na lida diária dos ensaios. A gente testava, como um bricoleur, os fragmentos, casando as vozes, fazendo a alquimia de duas escritoras (Carolina Maria de Jesus e Elisa Lucinda), que têm escritas completamente distintas. Como dar coesão de modo que fossem salvaguardadas as diferenças, fazendo ressaltar as semelhanças a ponto de que a performance da atriz tivesse coerência dramática.

Como foi dirigir poesia?
A poesia está na prosa das escritoras. É uma poesia em potencial, não se trata de poemas, fique claro. É antes uma contundente exposição de argumentos, de relatos sobre o que se vê, o que se vive no dia a dia, nas esperanças e solidões dessas mulheres. É uma poesia garimpada no prosaico da realidade.
Isso se falamos de poesia enquanto dizer, enquanto palavra. Mas o espetáculo guarda outra poesia, super importante para nós, que é a poesia feita com o espaço e o tempo. Porque não são apenas as palavras que falam em Olhos de café quente. É também o silêncio, é o tempo, que diz quando a palavra não pode mais dizer. É a dor entalada no peito, o nó na garganta, a espera, os sonhos não realizados, os nossos mortos que carregamos, as pequenas percepções da vida e do mundo que de repente nos faz silenciar e ouvir este fundo sem fundo que é o tempo passando (ou nós passando por ele).

Por que essa escolha?
Essa escolha, a princípio, foi feita pelas atrizes Márcia Cruz e Soraya Silva. Elas que me convidaram. Com o tempo fui me apaixonando também pela proposta inicial delas.

Quais suas influências para criar a cena?
Sabe, não pensei nisso, em influências. Mas em fluências, sim. Em deixar a “música” soar. Como criar dinamismos, mudanças de atmosferas, instaurar sensações com o corpo, como afetar e deixar ser afetado. Uma leitura que me tem feito pensar muito e que devorei no processo de realização desse sonho foi Ideograma: Lógica, Poesia, Linguagem, do Haroldo de Campos.

Qual o tratamento interpretativo para falar sobre “ser mulher, ser negra e ser pobre no Brasil”?
Talvez alguns estudiosos das obras das autoras reclamem por não vê-las ali representadas. Não queremos representar ninguém, mas apresentar, ou seja, tornar presente uma força que se move, que dança, que se imobiliza, que toca o invisível da linguagem. Não esteve nunca em nosso foco de atenção representar as autoras, mas recriar as suas obras. Não é uma biografia histórica delas. É uma reinvenção das suas vivências. Isso sem panfletos, por que também não é muito a nossa levantar bandeiras, mas provocar, sacudir, pensar sobre as situações. Há momentos do espetáculo que são completamente criticáveis, até politicamente incorretos, que interessam pelo poder crítico que carregam. Não quer dizer que concordamos, mas quer dizer que são importantes como alavancas de reflexão.

Como é a direção de arte e técnica?
Uma opção estética foi pelo mínimo. Até mesmo porque não temos dinheiro e não fomos agraciados por nenhum edital público de fomento. Então apostamos no mínimo. Nenhum grande cenário. Luz e palco quase nu. E olha como é difícil porque não é simples mesmo chegar no simples. É bem complexo. Mas acredito que conseguimos coisas muito importantes aqui, inclusive porque não desistimos de criar este mundo, mesmo sem grana. É uma aposta alta no poder evocativo da palavra e no corpo movente.

O que você espera do público ao abordar episódios complexos e diria até, violentos?
O que espero é que possamos afetar as pessoas de alguma maneira, emocioná-las ao mostrar uma mulher sozinha em cena a conjecturar sobre o valor da arte e da vida, com os seus fantasmas. Que o espetáculo possa ser um espelho e olhando para a Soraya possamos nos enxergar um tantinho melhor. É bem pretensioso, mas sem pretensões como fazer teatro hoje?

Por que vocês vão ficar tão pouco tempo em temporada?
Uma questão é que muitos grupos disputam os espaços hoje no Recife. Outra questão é que a atriz deve voltar à Itália no fim do mês e não temos como segurá-la aqui, a não ser que o espetáculo seja convocado para muitas outras apresentações, mesmo que em espaços alternativos (o que é possível porque tudo cabe dentro de uma mala). Não precisamos de muito para ir adiante. E ainda temos de pagar muita gente que topou esta poesia junto conosco.

FICHA TÉCNICA
Direção e preparação corporal: Quiercles Santana
Assistência de direção: Asaias Lira
Atriz pesquisadora: Soraya Silva
Texto: Carolina Maria de Jesus e Elisa Lucinda
Organização e Seleção de Textos: Quiercles Santana e Soraya Silva
Cenografia e Figurino: Quiercles Santana
Iluminação: Natalie Revorêdo
Vídeo e montagem: D’Angelo Roberto
Fotografia: D’Angelo Fabiano
Programador Visual: José Barbosa e Luca Principi
Consultoria: Raffaella Fernandez – Dra. pesquisadora das obras de Carolina Maria de Jesus
Produção Executiva: Aracelly Silva
Produção Geral: Renata Phaelante
Realização: Eu&tu Nútero de Criação Teatral

Questão de sobrevivência emocional

Atores Samuel Lira e Jorge de Paula. Fotos: Zé Barbosa

Atores Samuel Lira e Jorge de Paula. Fotos: Zé Barbosa

A estreia da atriz Cira Ramos na função de encenadora merece ser aplaudida. Seu olhar sensível e delicado se faz presente nos pequenos detalhes do espetáculo Em Nome do Pai. A peça iniciou temporada no último sábado (25) para o público; na noite anterior(24), fez uma pré-estreia para convidados, no Teatro Eva Herz, na Livraria Cultura do Shopping RioMar, Zona Sul do Recife, onde fica em cartaz até o dia 31 de maio. A diretora trabalha como uma maestrina a harmonizar os instrumentos de que dispõe. Do elenco, mantém vivo o embate entre os personagens. E afina os talentos da equipe técnica, priorizando o jogo teatral.

O texto é do mineiro Alcione Araújo, uma referência do teatro brasileiro, autor de, entre outras peças, Há Vagas para Moças de Fino Trato, Doce Deleite, A Prima-Dona, Muitos Anos de Vida, Sob Neblina Use Luz Baixa e A Caravana da Ilusão, essa última montada no Recife anos atrás. Seus trabalhos se fincam em três eixos principais: as relações familiares, as questões sociais e políticas e a metalinguagem. Na peça Em nome do pai o confronto de gerações, os conflitos familiares e a sexualidade são explorados em cruzamento com a metalinguagem como um conduto de resolução dos problemas.

Escrita há mais de 20 anos, a peça aposta no bem querer como canal para superar as dificuldades de uma relação. O autor não escamoteia as fraturas do modelo familiar e mergulha no mar tempestuoso de emoções baratas e caras. Vai meio que na contramão dos padrões comportamentais que ficam na superfície e tem medo de pegar no nervo do sentimento.

O começo do texto, no entanto, é difícil de engrenar. Dois personagens que nunca tinham conversado de verdade: pai e filho. Após o enterro da mãe, elo de ligação entre eles, há uma necessidade de superar diferenças. Mas nesse início da peça, as falas clichês predominam, os devaneios com elucubrações mais rasas jorram de forma bastante infantil. A certa altura isso passa e aí sim o texto ganha um rumo poético no embate entre as duas figuras, suas revelações e lembranças.

O espetáculo ganha fôlego quando o filho resolve ir embora e o pai questiona a decisão. O humor refinado toma espaço na cena e o texto flui com elegância e força nas revelações corajosas e surpreendentes para ambos.

Peça mergulha nos contraditórios sentimentos de pai e filho

Peça mergulha nos contraditórios sentimentos de pai e filho

A encenação arquiteta a sombra da figura da mãe nos diálogos dos dois, que muitas vezes parece um fantasma a aterrorizar, mas também força a aproximação entre pai e filho. São caminhos sobre o viver e conviver com as diferenças, de onde brotam os afetos. Nessa comédia dramática, o enfoque existencial impõe momentos densos. Mas há espaço para o riso, como na cena em que o pai jornalista auxilia o filho a ensaiar uma peça.

O pai, interpretado por Jorge de Paula, é um escritor frustrado. O filho, defendido por Samuel Lira, é um estudante de teatro. As atuações ainda precisam ser equalizadas. O tom adotado por Jorge para demonstrar sofrimento pela perda da esposa soa falso e não convence. Sua interpretação desliza por várias gramaturas e cresce durante a encenação. Jorge de Paula é um ator potente e esses ajustes devem ser resolvidos durante a temporada.

Samuel Lira é uma grata surpresa para um papel tão denso. Ele está no elenco de alguns infantis e faz sua estreia em espetáculos adultos. O ator traz a revolta juvenil, um pouco da vingança contra o pai. Em torno da ausência da mãe, ele reflete o passado, trabalha bem as tensões do personagem e explora o dúbio o que nos oferece uma amostra da riqueza da convivência humana.

Os cenários de Marcondes Lima são especialmente criativos, com suas caixas que apontam para utilitários como sofás e malas, em designer arrebatador. Esses objetos-bagagens sugerem partidas (ou chegadas), com ou sem despedidas, e fazem uma conexão com a saída de cena da mulher da vida dos dois homens. A iluminação de Dado Soddi cria os climas, instala claustrofobias, promete libertações, controla o compasso, o ritmo da montagem, instala regiões de sombras e dá destaque até à monotonia de mútuas acusações do passado, que precisam ser superadas.

A trilha sonora, assinada por Fernando Lobo, funciona praticamente como um terceiro personagem. O saxofone provoca, acentua a teatralização das ações, marca os ciclos dessa DR, que vai da revolta, com discussões fervorosas, à reconciliação. O saxofone da trilha foi gravado pelo maestro Edson Rodrigues e o teclado por Fábio Valois.

E, nessa passagem ao tempo, entre picuinhas e ressentimentos a montagem aponta para algo mais luminoso, mesmo com as neuroses de cada um.

Serviço
Em nome do pai
Onde: Teatro Eva Herz (Livraria Cultura do Shopping RioMar)
Quando: De 25 de abril a 31 de maio, sextas e sábados, às 20h; domingos, às 19h. ( Não haverá sessão do espetáculo no feriado do dia 1º de maio. Não haverá venda de ingressos para as sessões dos dias 10, 17, 24 e 31 de maio, pois a peça será destinada à rede pública de ensino, ONGs e instituições sócio-educativas).
Ingressos: R$ 20 (inteira) e R$ 10 (meia), à venda na bilheteria do teatro
Informações: (81) 3256-7500 / 9157-5555
Classificação: 14 anos

Ficha técnica
Texto: Alcione Araújo
Encenação: Cira Ramos
Elenco: Jorge de Paula e Samuel Lira
Preparação de atores e assistência de direção: Sandra Possani
Direção de arte: Marcondes Lima
Trilha sonora e direção musical: Fernando Lobo
Músicos: Edson Rodrigues (sax) e Fábio Valois (teclado)
Preparação vocal: Leila Freitas
Desenho de luz e execução: Dado Soddi
Assistente e produção de figurino: Natascha Lux
Cenotécnicos: Hemerson Cavalcante e Henrique Celibi
Programação visual e registro fotográfico: Zé Barbosa
Produção executiva: Karla Martins e Alexandre Sampaio
Produção geral: Cira Ramos, Fernando Lobo e Ofir Figueiredo
Direção de produção e elaboração de projeto: Cira Ramos e Karla Martins (Decanter Articulações Culturais)
Realização: REC Produtores Associados

Adeus ao provocador Abujamra

Antonio Abujamra morreu aos 82 anos. Foto: Bertolucci/ Tv Cultura

Antonio Abujamra morreu aos 82 anos. Foto: Bertolucci/ Tv Cultura

A última vez que o ator e diretor Antônio Abujamra esteve no Recife com um espetáculo foi Começar a terminar, apresentado no Teatro Barreto Júnior, em janeiro de 2010. O texto do próprio Abujamra tratava da morte, da velhice, a partir de fragmentos da obra de Samuel Beckett. No palco ele clamava que o “o mundo é feio, que culturalmente está tudo acabado”. E emendava com um apesar disso, “todo mundo quer me entrevistar”.

Antônio Abujamra virou personagem de si mesmo há muito tempo e vinha desenvolvendo com petulância e ousadia esse papel, que fez sucesso no programa Provocações, que apresentava desde 2000 na TV Cultura.

Sua irreverência e iconoclastia vão fazer falta. Nesta terça-feira o ator e diretor de teatro de 82 anos partiu para outras esferas. Ele foi encontrado morto por um sobrinho em sua casa na Rua Maranhão, Higienópolis, Zona Oeste de São Paulo. Morreu dormindo.

A TV Cultura divulgou uma nota na página do programa no Facebook: “É com grande pesar que informamos que hoje, 28/04/2015, o apresentador de Provocações, Antônio Abujamra, faleceu. Agradecemos o carinho e apoio de todos que tem nos acompanhado ao longo desses 14 anos de programa”.

O cineasta Samir Abujamra, sobrinho de Antonio, também publicou no Facebook. “Morreu meu ídolo, meu segundo pai, o homem que me fez ser artista. Tio Tó, Antonio Abujamra”.

Artista de múltiplos talentos, Abu (como era conhecido entre seus pares) exerceu as funções de autor, iluminador, tradutor, ator, diretor teatral e apresentador. Nascido em Ourinhos, no interior de São Paulo, em 15 de setembro de 1932, ele foi pioneiro a praticar no Brasil os métodos teatrais de mestres como Bertolt Brecht e Roger Planchon. Ele trouxe essas ideias do período que passou estudando teatro na Europa – esteve em Madri, Paris e Berlim.

Na TV Globo, Abujamra fez muito sucesso na novela Que rei sou eu? (1989) como o vilão Ravengar.

Performance do artista. foto: Adriana Elias

Performance do artista. foto: Adriana Elias


Formado em filosofia e jornalismo pela Pontifícia Universidade Católica do Rio Grande do Sul, em Porto Alegre, em 1957, ele também exerceu a crítica teatral. Atuou como ator e diretor no Teatro Universitário, entre 1955 e 1958, nas peças O Marinheiro, de Fernando Pessoa; À Margem da Vida e O Caso das Petúnias, de Tennessee Williams; A Cantora Careca e A Lição, de Eugène Ionesco; e Woyzeck, de Georg Büchner.

Sua estreia profissional como encenador foi em São Paulo, no Teatro Cacilda Becker em 1961, com Raízes, de Arnold Wesker, e no Teatro Oficina, com José, do Parto à Sepultura, de Augusto Boal. E não parou mais, com especial interesse pelo teatro político fincado na técnica brechtiana.

Em 1965, Abujamra dirige, no Rio de Janeiro, a montagem de O Berço do Herói, de Dias Gomes, peça que foi interditada pela censura no dia do ensaio geral. Na década de 1970 recebe o Prêmio Molière, pela direção de Roda Cor de Roda, de Leilah Assumpção.

A carreira de ator profissional só é iniciado quando ele já tem 55 anos. Participa de duas telenovelas e três peças no intervalo de dois anos e é premiado pelo desempenho no monólogo O Contrabaixo, de Patrick Suskind, 1987.

Em 1991, recebe outro Prêmio Molière pela direção de Um Certo Hamlet, espetáculo de estreia da companhia Os Fodidos Privilegiados, fundada por Abujamra para ocupar o Teatro Dulcina, no Rio. Com os Fodidos Privilegiados ganhou também o o Shell de 1997 por O casamento, direção que dividiu com João Fonseca.

Abaixo o último programa Provocações, que foi exibido em 21 de abril

Nova temporada de Breguetu

Grupo Experimental. Fotos: Camila Sergio

Encenação do Grupo Experimental, com direção de Mônica Lira. Fotos: Camila Sergio


Brega é um estado de espírito. De festa e de vida. Alguém duvida? O Grupo Experimental dança essa celebração no espetáculo Breguetu. A montagem estica a temporada por mais três fins de semana, no Espaço Experimental, no bairro do Recife, às sextas e sábados, às 20h, de 1º a 16 de maio.

Sabemos que a palavra brega carrega significados, história, classe social e rótulos de exclusão. Pode ser apontada como algo cafona, feio. Na moda pode ser o exagerado. Na música, a melodia simples, de fácil apelo popular, que traga um conteúdo de “sofrencia” em suas letras. Pode ser um pensamento menos elaborado. Dizem que até o amor é brega.

A bailarina e coreógrafa Mônica Lira captou que todos somos bregas em alguma coisa na vida. E teceu sua narrativa de dança-teatro de forma intimista, com a leveza de quem se entrega à felicidade de rostinho colado, dos românticos populares que enchem os salões de baile. Mas inclui o pensamento crítico para encarar o gênero e sua relação com as classes sociais.

Breguetu começou com a pesquisa A dança no corpo desse lugar, quando o Experimental investigou os movimentos e as manifestações culturais do Recife. Desse trabalho, a equipe identificou o brega como um fenômeno que cresce atualmente, em festas de todas as facções. O espetáculo é resultado desse diagnóstico e das experiências individuais de cada bailarino.

A montagem estreou no 21º Janeiro de Grandes Espetáculos, e ganhou o prêmio de Melhor Espetáculo pelo júri técnico do festival.

Serviço
Espetáculo Breguetu
Quando: Sextas e sábados, sempre às 20h, de 1º a 16 de maio, ,
Onde: Espaço Experimental – Rua Tomazina, nº 199, 1º andar, Recife Antigo
Ingresso: R$ 20 e R$10 (meia), à venda no local, uma hora antes do espetáculo
Informações: (81) 3224-1482

Breguetu é resultado de pesquisa e experiência dos bailarinos

Breguetu é resultado de pesquisa e experiência dos bailarinos


Ficha Técnica
Concepção e Direção: Mônica Lira (Grupo Experimental)
Intérpretes Criadores: Lilli Rocha, Jorge Kildery, Jennyfer Caldas, Rafaella Trindade, Gardênia Coleto e Márcio Filho
Projeto de Iluminação: Beto Trindade
Produção musical: Marcelo Ferreira e João Paulo Oliveira
Design Gráfico: Carlos Moura
Produção: Emeline Soledade
Assessoria de Comunicação: Paula Caal
Figurino: Carol Monteiro
Concepção e produção de cabelo e maquiagem: Jennyfer Caldas
Cenotécnico: Eduardo Autran
Ator convidado: Vavá Schön-Paulino
Colaboração: Adelmo do Vale
Duração: 60’
Indicação: 16 anos

Experiência orgiástica no Recife

Breno Fittipaldi, Lucas Notaro e Wellington Júnior em Túlio Carella e o Teatro do Insólito.  Foto: Divulgação

Breno Fittipaldi, Lucas Notaro e Wellington Júnior em Túlio Carella e o Teatro do Insólito. Foto: Divulgação

Dizem que o Recife é uma cidade sensual, erótica. Que acende a libido. E que inspira até a promiscuidade. Talvez não para todos, mas para o professor argentino Túlio Carella foi um pavio de pólvora num celeiro de palha. Despertou paixões até então inimagináveis. No início da década de 1960 o poeta, ensaísta, dramaturgo, crítico e roteirista Carella, um dos escritores mais celebrados de Buenos Aires, recebeu um convite dos dramaturgos e professores Hermilo Borba Filho e Ariano Suassuna para dar aulas curso de Arte Dramática/Formação de Ator, da Universidade Federal de Pernambuco – UFPE. Aceitou. E no Recife experimentou tórridas aventuras. Levou uma vida orgiástica na cidade. E não nos esqueçamos que o país vivia à beira do golpe militar.

Suas peripécias eróticas foram anotadas nas páginas dos seus diários. Aulas disputadas na UFPE, aversão dos seus pares e uma trilha paralela de encontros homoafetivos incendiários. A passagem do argentino pela capital pernambucana é motivo hoje, às 20h, da leitura Orgia:Túlio Carella e o Teatro do Insólito, do dramaturgo Moisés Neto, com direção de Breno Fittipaldi e realização do Grupo Cênico Calabouço. A dramatização integra a segunda edição do projeto Segunda com Teatro de Primeira, realizado pelo Espaço Cênicas e a Cênicas Cia de Repertório.

Bem a produção promete Sexo, Paixão e Teatro como você nunca viu ou ouviu. Mas lembrem-se são palavras. “O latejante erotismo pulsa no verbo teatral”. O dramaturgo recifense Moisés Monteiro de Melo Neto indica um mergulho no absurdo existencial à partir do episódio Carella e propõe criar teias com o teatro do absurdo para discutir terror e êxtase.

“O que leva um intelectual casado e bem estabelecido a largar tudo e cair na orgia com outros homens?” Boa pergunta. Se a leitura não responder à questão vai instigar reflexões sobre subjetividades, os labirintos do ser e os valores ditos “morais” da sociedade. A peça é inspirada nos diários de Túlio Carella. Ele viveu em arrebatamento sexual. Amou e foi amado por “homens com ar de cisnes que usavam seus farrapos com uma majestade indescritível”.

Na criação do texto, o dramaturgo buscou algumas ideias de Artaud e outros autores. “Discute-se o erotismo verbal em intersecção com o insólito, ‘incomum’, como o teatro de Ionesco, Beckett e Pirandello, talvez ao de Qorpo Santo. Uma discussão sobre as palavras de amor e registro da afetividade”, atesta Moisés.

SERVIÇO
Leitura Orgia:Túlio Carella e o Teatro do Insólito
QUANDO: 27 de Abril, às 20h
ONDE: Espaço Cênicas (Rua Marques de Olinda,199 – segundo andar.
Bairro do recife antigo – entrada pela Vigário Tenório).
QUANTO: Pague quanto puder.

Ficha técnica
Leitura Orgia:Túlio Carella e o Teatro do Insólito
Texto: Moisés Neto
Direção: Breno Fittipaldi
Elenco: Breno Fittipaldi, Lucas Notaro e Wellington Júnior
Direção Musical: Lucas Notaro
Designer: Alberto Saulo
Realização: Grupo Cênico Calabouço

PROGRAMAÇÃO da 2° EDIÇÃO – PROJETO SEGUNDA COM TEATRO DE PRIMEIRA
Dia 27/04/2015: Orgia:Túlio Carella e o Teatro do Insólito – Texto Moisés Neto (Grupo Cênico Calabouço)
Dia 25/05/2015: Vênus Metálica – Texto Wellington Júnior (Teatro da Fronteira)
Dia 29/06/2015: Mau Mau Miau – Texto Felipe Botelho (Cia Incantare de Teatro)
Dia 27/07/2015: Surpresa – Texto Alcio Lins (Marcondes Lima)