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Um massacre para não esquecer

Salmo 91 estreia hoje no Recife. Fotos : Wilson Lima / divulgação

Outubro de 1992. Oficialmente, 111 presos foram mortos na casa de detenção de São Paulo, conhecida pelo nome de Carandiru. Comenta-se, no entanto, que foram mais de 250. A chacina chocou o país e o mundo. Esse episódio virou livro, Estação Carandiru, de Drauzio Varella, e depois teatro. Com texto do jornalista e dramaturgo Dib Carneiro Neto, Salmo 91 aborda o cotidiano selvagem de personagens que se digladiam entre domínios e desejos. Ao dar voz aos prisioneiros, a peça mostra como o sistema carcerário brasileiro está falido.

Composta por dez monólogos, Salmo 91 conta o drama de cada personagem. Dadá, um sobrevivente do massacre inicia a narração. Em seguida, os outros nove presos expõem suas questões.

O texto teve sua primeira montagem em 2007, com direção de Gabriel Vilela, e conquistou o prêmio Shell de melhor autor no ano seguinte. Além da montagem de Vilela, a peça teve outras duas montagens: uma no Uruguai e outra na Bahia. Hoje estreia a versão pernambucana com o grupo Cênicas Cia de Repertório, na sede do grupo, no Bairro do Recife, com direção de Antônio Rodrigues. É a primeira montagem que o grupo fez especificamente para estrear na sede, espaço alternativo importante da cidade, que vem recebendo ao longo dos anos cada vez mais apresentações e projetos. Os ingressos para a estreia já estão esgotados.

Entrevista // Antônio Rodrigues

Antônio Rodrigues, diretor e ator do espetáculo

Salmo 91 é uma peça teatral escrita por Dib, adaptação do livro Estação Carandiru, de Drauzio Varella. O texto já foi encenado várias vezes e ganhou muitos prêmios. O que lhe motivou a encenar esse texto agora, no Recife de 2015?
A relação com o texto, mesmo que indireta, já é antiga. Antes de montarmos Senhora dos Afogados, tínhamos interesse em um texto do Sergio Roveri que era inspirado no conto Barbara, do Drauzio Varella, que tinha o Carandiru como tema. Passamos um tempo procurando textos para o elenco masculino do grupo, mas não montamos na ocasião. Depois do Nelson (Rodrigues) mergulhamos no texto A filha do teatro, montagem com o elenco feminino do grupo. Quando voltamos à ideia de montar um espetáculo com os atores da cia, fomos pesquisar textos dentro do universo carcerário. Foi aí que entramos em contato com Dib Carneiro Neto, que nos enviou o livro com o texto Salmo 91 e a identificação foi imediata. Não somente pelo universo retratado, uma vez que, apesar de terem se passado 23 anos do massacre, essa questão permanece atual e urgente, como também pelo caráter confessional dos monólogos, que nos permitiria uma encenação onde a relação próxima e íntima com o público fosse potencializada, em espaços alternativos, uma vez que tínhamos o desejo de estrear um espetáculo feito no Espaço Cênicas.

Você assistiu a alguma das outras montagens?
Não tivemos a possibilidade de assistir nenhuma montagem anterior. Em nossas pesquisas tivemos conhecimento da montagem do Gabriel Vilela em São Paulo, da montagem baiana e de uma montagem fora do Brasil, no Uruguai.

Qual a sua abordagem nessa encenação?
A peça pretende construir uma ambientação que condense essa atmosfera trágica dos muros e paredes do Carandiru. O público precisa sentir-se dentro desse ambiente, na intimidade dos narradores e com a proximidade como estratégia de ligação com o universo carcerário. A cena se passa no espaço interno do presídio, o público é levado para dentro da cadeia, seja na intimidade das celas ou nos corredores das galerias. As cadeiras serão dispostas nas laterais da cena, fazendo da assistência um espectador próximo e íntimo dos relatos. Além desta pretensa proximidade, a iluminação será pontual valorizando o jogo de claro e escuro, sombra e luz, que revelam ou escondem as dores e agruras expostas. Os depoimentos do texto sugerem uma composição, tanto em termos cênicos como interpretativos, que oscila entre uma mobilidade pulsante dos personagens e das imagens, como em movimentos muitos precisos e limitados pelo ambiente do claustro. As imagens e visualizações potencializam a composição e construção das personagens, revelando as sensações e pulsações da cena. As narrativas dos monólogos têm caráter íntimo e devastador.

Como funcionou o processo de criação – os ensaios, a escolha do elenco?
O elenco é formado pelos atores da Cênicas Cia de Repertório. Fizemos um levantamento de pesquisa sobre o universo da montagem: assistimos documentários, lemos o livro Estação Carandiru e só não fomos ao presídio porque estourou uma rebelião nos presídios de Pernambuco no período dos ensaios. A mola propulsora da encenação é o trabalho de corpo e voz dos atores, que atuam como coautores das cenas, criando uma nova dramaturgia, a dramaturgia do ator. Toda uma experimentação envolvendo contensão física e expansão energética será combustível na criação de um corpus interpretativo que desenvolva no ator a apropriação da atmosfera densa, da construção de personagem e de uma relação próxima com o público. No início foram trabalhados laboratórios com o universo do texto, sem definição de papeis. Só após uma apropriação das possibilidades que os personagens foram sendo construídos. Todos os atores passaram pelos 10 personagens na sala de ensaio. Tivemos a assistência de direção e preparação de elenco de Sônia Carvalho.

A narrativa explora em dez monólogos intercruzados a visão pessoal dos presos em relação à vida e ao crime. Como você elaborou as cenas e conduziu a visão de cada personagem?
Além de dar voz à margem, cada cena, cada diálogo, é um retrato real daquelas vidas, tirando-as do anonimato e colocando-as em destaque para questionar a violência das paredes e daqueles que a habitam. A cena traz a história de 10 detentos do pavilhão 9, onde oficialmente 111 foram assassinados, mas de acordo com a voz dos detentos foram mais de 250 mortos. A peça não é um relato realista do massacre e foca na perspectiva do preso sobre a vida marginal. Por meio da subjetividade das personagens, o drama desenrola questionamentos sociais sobre a marginalidade, colocando em foco as sensações de medo, desejo, vaidade e violência, revelando uma representação do teor do livro que expõe o que realmente acontecia dentro e fora das celas.

O que você acha de ter no Recife outra peça que dialoga com essa questão do cárcere – no caso , Sistema 25?
O massacre do Carandiru, que ficou conhecido como a maior chacina do sistema penitenciário brasileiro, não é um fato isolado. Ter mais de um espetáculo abordando essa temática, revela que o tema é uma questão que urge, o nosso sistema carcerário padece de reforma. Questões como redução da maioridade penal, pena de morte, entre outras, não são verdadeiramente abordadas buscando as reais soluções. O problema é em toda estrutura do sistema. A violência velada desse sistema é algo urgente e atual.

Ficha Técnica:

Texto: Dib Carneiro Neto (adaptação do best-seller Estação carandiru, de Drauzio Varella)
Encenação: Antônio Rodrigues
Preparação de elenco e Assistência de Direção: Sonia Carvalho
Elenco: Álcio Lins, Gustavo Patriota, Raul Elvis, Rogério Wanderley e Antônio Rodrigues
Ator coringa: Tarcísio Vieira – standy by
Figurinos: Álcio Lins, Antônio Rodrigues e Sônia Carvalho
Adereços: Álcio Lins, Felipe Lopes, Sônia Carvalho e o Grupo
Máscaras: Grupo
Cenário: Antônio Rodrigues
Execução de Cenografia: Felipe Lopes
Execução de Figurino: Francis Souza
Maquiagem: Álcio Lins
Sonoplastia: Antônio Rodrigues
Operação de som: Tarcísio Vieira
Fonoaudióloga: Sandra Carmo
Iluminação: Luciana Raposo
Operação de luz: Nardonio Almeida
Design Gráfico: Antônio Rodrigues
Contra Regra: Monique Nascimento
Produção Executiva: Sônia Carvalho e Antônio Rodrigues
Realização: Cênicas Cia de Repertório

Peça expõe sofrimentos, desejos, frustrações, revoltas dos presos do Carandiru

Serviço:

Salmo 91
Quando: De 1º de agosto a 6 de setembro, sábados às 20h; e domingos, às 18h. Os ingressos para a estreia estão esgotados.
Onde: Espaço Cênicas (Rua Marquês de Olinda, 199 – segundo andar. Bairro do Recife Antigo – Entrada pela Vigário Tenório).
Quanto: R$ 20 (inteira) e R$ 10 (meia-entrada mediante apresentação de carteira de estudantes ou RG em caso de maiores de 65 anos.).
Ingressos antecipados no link: http://www.eventick.com.br/salmo-91
Capacidade:65 lugares

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Teatro pernambucano de fora do FIG

Plateia do espetáculo Gonzagão, a lenda, que lotou o Palco Pop/Forró. Foto: Costa Neto

logo garanhuns

O Festival de Inverno de Garanhuns (FIG) é gigantesco, com vários polos nas mais diversas linguagens, da música às artes visuais, do cinema à cultura popular. Passando por patrimônio, literatura, fotografia e artes cênicas. Durante dez dias do mês de julho, esse evento consolidado, e que já conta um quarto de século, atrai gente de todo o Brasil interessada na programação artística gratuita, na gastronomia, nas iniciativas educativas e no friozinho que confere um charme especial a essa cidade do Agreste pernambucano.

Com tantos predicados e um público faminto por consumir arte e cultura, a programação da 25ª edição FIG surpreendeu, frustrou e deixou indignada a classe teatral do Recife e de outras cidades do estado: nenhum espetáculo de teatro adulto de Pernambuco foi selecionado para participar do evento. A única peça de teatro adulto de Pernambuco que entrou nessa grade foi Frei Molambo, de Marcelo Francisco, mas na cota de Garanhuns (do mesmo modo como acontece com a música na Praça Dominguinhos, que sempre traz uma atração da cidade).

Já na categoria para infância e juventude, as três peças que compõem a programação são pernambucanas: Era Uma Vez Um Rio, da Cênicas Cia de Repertório; Haru – A Primavera do Aprendiz, de Carla Souza Navarro; e Salada Mista, da Cia 2 em Cena. Cafuringa, de José Alexandre Menezes de Andrade, também de Pernambuco, foi para a grade de teatro de rua.

Teatro Luiz Souto Dourado, que hospeda as peças adultas

Teatro Luiz Souto Dourado, que hospeda as peças adultas. Foto: Normando Siqueira

Teatro adulto – A programação de teatro adulto do FIG este ano é composta por cinco espetáculos do Rio de Janeiro (Gonzagão, A Lenda, da Companhia A Barca dos Corações Partidos; Oleanna, de Pasodarte Eventos; As Bondosas, da Cia. SOS de Teatro Investigativo; O Pastor, do Cine Teatro Produções e No Buraco, Etc e Tal Produção Cultural), um da Paraíba (Quincas, do Grupo de Teatro Osfodidário,), um do Rio Grande do Norte (Jacy, Grupo Carmin) um do Rio Grande do Sul (GPS Gaza, Cia. de Solos e Bem Acompanhados) e o já citado Frei Molambo, de Pernambuco.

A questão é delicada: não se pode pensar em barrar os bons espetáculo nacionais. E, este ano, as peças até agora tem mostrado ótima qualidade, a exemplo de Gonzagão, A Lenda; Jacy; Quincas e Oleanna. Mas o questionamento também é inevitável. Se o FIG tem todo esse destaque – até o governador faz questão de dizer que o festival valoriza a cultura pernambucana -, como não incluir os pernambucanos?! Os grupos teatrais do estado se sentiram desvalorizados. Com a dificuldade de circular pelo estado, é também uma oportunidade perdida de ver produções ganharem outros públicos.

Convocatória – A seleção de propostas para o 25º Festival de Inverno de Garanhuns – FIG 2015 foi feita através de uma Convocatória Nacional. Esse edital previa a composição da programação cultural com “oficinas, shows, cortejos, performances, intervenções, recitais, vivências criativas, espetáculos, palestras, debates, exposições, mostras, encontros, ações de patrimônio cultural e outras atividades artístico-culturais”.

As propostas inscritas foram avaliadas em duas etapas: a primeira – Análise Preliminar (eliminatória), realizada por equipes técnicas da Secult-PE/Fundarpe; a segunda etapa – Análise de Mérito Artístico-Cultural (classificatória e eliminatória), consiste na avaliação do conteúdo das propostas habilitadas. A Comissão de Análise de Mérito de atividades artístico-culturais de fruição de teatro foi formada por Jorge Clésio e Wellington Júnior, indicados pela Secult-Pe; e Carlos Lira e Ronaldo Lopes Brissant, representantes da sociedade civil.

As 87 propostas aprovadas na Análise de Mérito Artístico-Cultural estão listadas por ordem alfabética. O arquivo está disponível no site Cultura.pe. A tabela inclui tanto espetáculos adultos quanto infantis.

Haru é uma das três peças da grade infantil. Foto: Costa Neto Secult-PE

Haru é uma das três peças da grade infantil. Foto: Costa Neto Secult-PE

Das propostas para teatro adulto do Recife ou de outras cidades de Pernambuco, nenhuma entrou na programação. Identificamos como pernambucanos ao menos 13 espetáculos (a lista não diz a procedência de cada obra): Abraço – Nunca Estaremos Sós, de Lívia Rodrigues Lins; Auto da Compadecida, do Teatro Experimental de Arte – Tea; A Mandrágora, de Galharufas Produções (Taveira Belo LTDA); A Visita, de José Severino Florêncio de Souza; A Receita, d’O Poste Soluções Limitadas; Borderline, de José Barbosa Neto; Em Nome do Pai, da Rec Produtores Associados; Madleia + Ou – Doida, de Henrique Celibi; Matheus e Catirina – 25 Anos de Munganga, de José Brito do Nascimento; O Pranto De Maria Parda, de José Gilberto Bezerra De Brito; Obscena, Um Encontro Com Hilda Hilst, de Fabiana Pirro; Senhora de Engenho Entre a Cruz a Torá, de Patrícia Assunção de Souza e Tapioca, de Bóris Trindade Júnior.

Debate – O questionamento dos produtores é, justamente, se nenhuma dessas encenações mereceria estar no FIG. O produtor Taveira Júnior, de A Mandrágora (Galharufas Produções) considerou a programação do Festival muito ruim, porque contemplou tão somente espetáculos de fora de Pernambuco. “Achei sem identidade com o povo pernambucano que é quem, na verdade, paga o Festival. Minha surpresa maior não foi não constar na lista, e sim saber que uns cem números de espetáculos locais e de qualidade não estavam presentes na mesma, sob a alegação de que não houve pontuação mínima”, argumentou Taveira.

“Acho que não fica claro qual o critério para essas ‘contratações’”, pontua o ator José Barbosa Neto, de Borderline. Também com um sentimento de frustração, Barbosa Neto diz que um dos motivos de ter se mudado para o Recife, além da pesquisa de um novo espetáculo, foi constatar o quanto o pernambucano consome cultura.

Duda Martins e Lívia  Lins, que atuam e dirigem Abraço, produziram musical com dinheiro do próprio bolso. Foto: Fernanda Acioly/ Divulgação

Duda Martins e Lívia Lins produziram musical com dinheiro do próprio bolso. Foto: Fernanda Acioly

As duas atrizes, diretoras e produtoras de Abraço – nunca estaremos sós, Lívia Rodrigues Lins e Duda Martins, são mais moderadas – consideram a programação boa: “diversificada em suas linguagens, traz grandes e ótimos espetáculos, como é o caso de Gonzagão – A lenda, mas deu pouco espaço para as produções locais”, ponderam.

Gilberto Brito, ator de O Pranto de Maria Parda, é mais enfático e se diz não convencido com as escolhas: “parece arrumadinho”. Outro que também discorda do resultado é o ator, dramaturgo e produtor Henrique Celibi, de Madleia + ou – doida. “O tempo passa e a política cultural dos festivais que acontecem aqui é de exclusão do teatro local”, avalia.

Fabiana Pirro, atriz de Obscena

Fabiana Pirro, atriz de Obscena, Um Encontro com Hilda Hilst

Sem desmerecer outros trabalhos, a atriz Fabiana Pirro insiste que é preciso que haja espaço para a produção do estado no FIG. “Estou com uma peça novinha – Obscena, Um Encontro Com Hilda Hilst-, pronta para ser mostrada. E que foi montada sem nenhum apoio do governo ou da prefeitura”. Fabiana lembra que a grade de música contempla os locais e acredita que a de teatro deveria fazer o mesmo. “Sem bairrismo de ser tudo de Pernambuco. Já vi coisas lindas de fora no FIG como o Galpão, Denise Stoklos, mas poxa, vamos botar para trabalhar os da casa também, a gente precisa pagar conta, a gente precisa continuar nossa atividade, porque a gente faz toda a produção para ir pro palco”.

A produção de Em nome do pai (Rec Produtores Associados) atendeu aos critérios exigidos pelo edital, passou por todas as etapas, mas não houve acordo quanto à questão financeira. “Era necessário que o valor colocado (exigência do edital), fosse comprovado em vendas anteriores e como nosso espetáculo ainda não possui este currículo, pois estreou no final de abril e fez apenas uma temporada, não conseguimos uma comprovação de valor que correspondesse à apresentação mais as despesas”, explica a diretora Cira Ramos.

A proposta inicial do grupo foi de R$ 12 mil, porque a produção calculou duas diárias para toda a equipe e todas as despesas (impostos, cachês, translado, transporte de cenário, hospedagem, alimentação e outros. “Foi negociado para baixarmos para R$ 9 mil. Mas as comprovações que conseguimos, não chegaria a este valor”, expõe Cira. Em nome do pai então declinou do convite, já que, segundo os cálculos, o grupo teria prejuízo.

Pela lei de responsabilidade fiscal, todos os espetáculos precisam cumprir as mesmas regras. Mas aí entra a lógica do mercado. Espetáculos, shows, com gente mais famosa e com produtores mais articulados, conseguem maiores cachês. Ao exigir essas comprovações de apresentações feitas, as montagens mais antigas e as que tem mais poder de persuasão ganham espaço.

Cira Ramos, diretora do espetáculo Em nome do pai

Cira Ramos, diretora do espetáculo Em nome do pai. Foto: José Barbosa

Cira Ramos entende que a exigência de comprovação de cachê é excludente para as montagens locais. “Os grandes espetáculos de fora conseguem vender para o FIG com valores reais aos praticados em outras realidades”, deduz. A diretora faz questão de deixar registrado que os funcionários da Fundarpe foram cuidadosos e fizeram esforço para tentar manter o espetáculo na programação. “Enquanto não houver uma mudança neste formato, a nossa produção local continuará excluída deste Festival. Ou então a Fundarpe arque com as despesas das produções pernambucanas, para que o cachê de apresentação fique direcionado para pagamentos dos profissionais. Não é possível embutirmos todas as despesas dentro de um cachê absurdamente baixo! Principalmente sabendo que só recebemos com três ou mais meses depois de finalizado o FIG”, complementa.

O produtor Taveira Júnior sugere um percentual mínimo para espetáculos pernambucanos no FIG. Já José Barbosa Neto propõe a possibilidade de criar mostras, como ocorre em alguns festivais. “Isso poderia equilibrar e promover mais o acesso e a fruição de nossas produções”, acredita.

Lívia Rodrigues e Duda Martins atestam que não são contra a participação de grupos de fora. “Isso faz parte de um festival do porte do FIG e é bom para o intercâmbio cultural. No entanto, a prioridade deve ser das produções locais, pelos motivos óbvios de valorização da cultura local”. Para a dupla de Abraço a questão não é “incluir os espetáculos pernambucanos”. É sim “incluir alguns de fora”. “A sugestão é implantar uma cota para os nacionais e “incentivar” a comissão julgadora a conhecer mais a fundo o que está sendo produzido no estado, o que acreditamos que aconteça muito bem em outros campos artísticos, como a música”.

As atrizes  Agrinez Melo, Naná Sodré e o diretor Samuel Santos, do Grupo O Poste Soluções Luminosas

As atrizes Agrinez Melo, Naná Sodré e o diretor Samuel Santos, do Grupo O Poste Soluções Luminosas

Para o Grupo O Poste Soluções Luminosas, cujo núcleo permanente é formado pelo diretor Samuel Santos e pelas atrizes Agrinez Melo e Naná Sodré, “Se a Fundarpe, toda vez e a cada ano, vem diminuindo os espaços de escoamentos da cena local, ela está trabalhando contra o que ela mesma se destina. É dar um tiro no próprio pé. É preciso, de fato, ter esse objetivo como meta. Já ouvimos dizer que o FIG não é um festival local e sim nacional e, como nacional, a prioridade são os grupos e as atrações de fora. Mas aqui não estamos falando em termos de conceito de festival, mas sim de diretrizes da Secretaria e da Fundação. Estamos falando da Portaria Fundarpe nº 05, de 24/08/2009. Estamos falando de arte e artistas locais e seus principais campos de escoamentos”, atestam. O grupo explicita o Artigo 2º da referida Portaria: “É dever da Fundarpe preservar seu patrimônio histórico, cadastrar os seus bens culturais materiais e imateriais, apoiar e incentivar a valorização, a difusão e a fruição das suas manifestações, pluralidade da produção cultural e impulsionar a sua sustentabilidade econômica”.

“Nós, enquanto grupo de teatro, abrimos um espaço (que fica ao lado da Fundarpe, inclusive) sem nenhum apoio institucional. Como não há apoio, como sobreviver? Como manter esses novos espaços que vem fomentando Pernambuco? Como? Levando as produções locais para os festivais, mostras, municípios de Pernambuco. Criando ações fora edital do Funcultura. Aí é que entra o governamental, o pensamento do estado antenado com a arte e os artistas locais e suas prioridades”, complementam os artistas do O Poste. Eles também questionam o espaço físico disponibilizado para as apresentações. “Nem todas as peças se adequam naquele palco (Teatro Luiz Souto Dourado). Primeiro por que ele não oferece uma estrutura, está obsoleto, tem uma péssima acústica e torna qualquer peça distante do público. Mas por que não procurar outros espaços para a prática do teatro além do teatro da estação? Casarões, mercados, galpões etc. Inclusive mandamos proposta de fazer A Receita num espaço alternativo. Caso não fosse possível faríamos no palco da estação. Por que não pensar noutros espaços que não só o teatro?”

De acordo com o edital, as produções são responsáveis por todos os custos de transporte, hospedagem e alimentação; além disso, os produtores denunciam ainda a demora nos pagamentos dos cachês.

Entrevista // Jorge Clésio – Coordenador de Artes Cênicas da Fundarpe

Jorge Clésio é coordenador de Artes Cênicas da Fundarpe

Jorge Clésio é coordenador de Artes Cênicas da Fundarpe

Quantos espetáculos se inscreveram?
Das 140 propostas inscritas, 124 foram selecionadas para a análise de Mérito Artístico-Cultural, dentre elas, 87 foram habilitadas e 53 desabilitadas.

Essa convocatória foi divulgada no Brasil inteiro. De que forma? Jornais? Sindicatos de artistas?
A convocatória teve divulgação nacional, por meio do Portal da Secretaria de Cultura do Estado|Fundarpe: cultura.pe.gov.br, além do mailling de artes cênicas, inclusive para os inscritos nas convocatórias das edições anteriores do FIG.

Os pareceristas também se inscreveram, não é mesmo?
Sim, por meio de convocatória estadual para seleção de profissionais do 25º Festival de Inverno de Garanhuns – 2015. Enfatizar que essa convocatória foi aberta também para todos os segmentos artístico-culturais.

Qual a comissão que julgou o mérito artístico dos projetos, além de você como representante da Fundarpe?
A Comissão foi formada por profissionais de notório saber em suas áreas de atuação, José Carlos de Oliveira Lira e Ronaldo Lopes Brissant, selecionados pela convocatória estadual para seleção de profissionais do 25º festival de Inverno de Garanhuns – 2015, e José Wellington Fernandes Júnior, indicado pela Secult/Fundarpe, conforme previsto na convocatória nacional.

Para chegar a esse resultado, a comissão avaliou os projetos mediante o quê? Projetos em papel? Vídeos? Ou espetáculos presenciais?
As propostas foram analisadas em meio físico, mediante as informações contidas no Anexo XIII – do Formulário de Teatro FIG 2015, e do DVD contendo a gravação do espetáculo na íntegra, segundo critérios constantes na Convocatória:
a) Qualidade artística/cultural da atividade;
b) Currículo do artista, grupo, profissional ou da equipe principal;
c) Relevância da proposta/originalidade/singularidade;
d) Histórico da atividade.

Imagino que o espetáculo Gonzagão, A Lenda, da Companhia A Barca dos Corações Partidos (RJ), tenha sido convidado para abertura. Gosto muito do espetáculo. Mas gostaria que você expusesse as razões dessa escolha, por quem foi feita.
Trata-se de um espetáculo muito bem recebido pela crítica e pelo público nacional. Achamos muito pertinente que Gonzagão – A lenda, se apresentasse nessa edição do FIG 2015, no Palco Pop/Forró, o que possibilitou o acesso a um público bem maior, considerando a capacidade do Teatro Luiz Souto Dourado, de 600 lugares! Além da temática, emblemática para a cultura brasileira, e direção do consagrado pernambucano João Falcão, a disponibilidade de agenda do grupo para abertura das Artes Cênicas no FIG 2015. Além disso, o espetáculo dialoga com a cultura da região, fortalece a identidade a partir de uma narrativa de um personagem mítico. Esse foi o único espetáculo de Artes Cênicas, convidado para o FIG 2015.

Podemos citar uma dúzia de espetáculos pernambucanos que se inscreveram, passaram pela análise técnica e não entraram na lista final do festival. Você não acha estranho um festival do porte do de Garanhuns não acolher essa produção?
Seguimos criteriosamente a convocatória pública e de abrangência nacional. Nesse caso, todas as 140 propostas inscritas foram submetidas aos mesmos critérios de análise. As propostas habilitadas na Análise de Mérito Artístico-Cultural, mesmo as bem pontuadas, não têm necessariamente sua participação assegurada na programação do 25º FIG, conforme o item 7 da Convocatória. Nesse sentido, vale observar que a programação do Teatro Para Infância e Juventude está 100% pernambucana e isso se deu pelos mesmos critérios, já citados e utilizados pela Comissão de Análise de Mérito. Diante do cardápio das 87 propostas habilitadas pela Comissão, foi possível incluir na Programação de Teatro Adulto 7 espetáculos; 2 de Teatro de Rua; e 3 espetáculos Para Infância e Juventude. Esse trabalho foi feito a partir das seguintes variáveis: respeito à hierarquização da pontuação; disponibilidade de agenda do grupo para o período do FIG 2015; adequação ao espaço e, ainda, a oportunidade do espetáculo em se apresentar com recursos próprios, oriundos de prêmios/fomentos nacionais, como o Myriam Muniz e/ou Lei Rouanet. O processo de composição da programação se deu à luz da transparência, de maneira democrática, o que representa uma conquista da sociedade civil.

Essa produção citada pernambucana é realmente inferior ao que foi escolhido?
Essa afirmativa não reflete, em absoluto, nosso pensamento sobre a produção teatral no estado de Pernambuco, nem de nenhum outro estado brasileiro.

Insisto nisso porque os artistas da área ficaram bem indignados e talvez fosse legal dar uma explicação.
Concordamos com você e sabemos da importância do retorno que precisamos dar aos proponentes sobre o processo e resultado da convocatória. Estamos estudando uma forma mais ágil, por meio da internet, ou carta a ser endereçada aos artistas, além do atendimento usual que damos pelo e-mail cenicas.fundarpe@gmail.com, pelo telefone 81 3184.3077 e, de forma presencial, na Coordenadoria de Artes Cênicas.

Na sua opinião, como está a programação de artes cênicas deste ano?
Consideramos todos os espetáculos que compõem a Programação de Artes Cênicas – Circo, Dança e Teatro – do FIG 2015, com excelente qualidade artística e técnica. Convidamos o público a conferir a diversidade de temas, estilos, conceitos e visões presentes nesse recorte de 41 espetáculos da cena contemporânea brasileira, oriundos de Pernambuco, Rio Grande do Norte, Rio de Janeiro, Rio Grande do Sul, Paraíba, Minas Gerais e São Paulo.

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Outros desafios para Pedro Vilela

Pedro Vilela planeja desenvolver seus processos criativos fora do Magiluth. Foto: Arquivo pessoal

É tempo de mudança para o encenador, ator e iluminador Pedro Vilela. Nos últimos oito anos, ele abraçou o Grupo Magiluth, quando adotou um modelo de gestão que possibilita aos seus integrantes viver exclusivamente do teatro. Esse diferencial teve implicações no palco, nas articulações com outros grupos brasileiros e estrangeiros e nas estratégias de reconhecimento da trupe pelo país afora.

O Magiluth é uma junção dos atores Erivaldo Oliveira, Giordano Castro, Lucas Torres, Mário Sergio Cabral, Pedro Vilela, Pedro Wagner e Thiago Liberdade. O grupo conta 11 anos de trajetória e tem em seu currículo os espetáculos Luiz Lua Gonzaga (2012), Viúva, porém honesta (2012), Aquilo que meu olhar guardou para você (2012), O Canto de Gregório (2011), Um Torto (2010), Ato (2008)e Corra (2007). O mais recente é O ano em que sonhamos perigosamente (2015) – com dramaturgia de Pedro Wagner e Giordano Castro e encenação de Pedro Wagner – que fez uma curta temporada no Teatro Apolo. Pedro Vilela assina a iluminação.

O bando amadureceu nos enfrentamentos da criação artística e da luta por sobrevivência. Mas Pedro Vilela anunciou sua saída do Magiluth. A partir de agora, ele investe suas energias na TREMA! Plataforma, voltada para vários tipos de ação. Uma delas é o TREMA! Festival, cuja terceira edição ocorreu no mês de abril. A segunda atuação é a TREMA! Revista, coordenada por ele e Mariana Rusu, em parceria com Thiago Liberdade, e que vai ser lançada nesta segunda-feira (29), no espaço da Cênicas Cia de Repertório, no Bairro do Recife.

Para 2016, o diretor planeja ativar o núcleo TREMA! Teatro para desenvolver seus processos criativos. Leia a seguir a entrevista com Vilela, sobre sua saída do Magiluth, sua visão da política cultural no estado e no Recife, e sobre o lançamento do periódico.

ENTREVISTA: Pedro Vilela

ENTREVISTA: Pedro Vilela

ENTREVISTA // PEDRO VILELA

Segunda-feira será lançada Trema! Revista de Teatro de Grupo. Como e por quê surgiu esse projeto?
A construção de ferramentas que auxiliem o “pensar” o mundo e seu diálogo com a arte sempre me interessou enquanto gestor. Às vezes, acabamos por focarmos demasiadamente no nosso desejo pelo “fazer” e pecamos um pouco por abandonar o “refletir”. Durante muito tempo esse refletir esteve focado apenas nos críticos e acredito que atualmente existem diferentes vozes e agentes construindo reflexões bastante pertinentes. Sentia também a necessidade de construir ferramentas de diálogo com a nossa sociedade que não fosse apenas o produto artístico, daí pensamos numa publicação.

Qual o conteúdo contemplado para este primeiro número?
A TREMA! Revista é uma publicação bimestral que visa articular arte e política. A cada edição encontramos um tema norteador de pensamento, sendo este um agente propulsor para desdobramentos. Nesta primeira edição tomamos como base a ideia de #facção, refletindo os coletivos teatrais como facções políticas, estéticas, poéticas e que visam operar contrariamente a uma “ordem” dominante.

Quais os critérios de articulação para convidar as pessoas para escrever?
Não queríamos pensar uma revista engessada por regras de sua composição. A revista se configura como agente fomentador de pensamento principalmente para nosso Estado, entretanto não nos interessa a obrigatoriedade de termos colaboradores apenas locais. Buscamos encontrar, em diferentes regiões, pensadores que possam articular nossos desejos. Outro ponto importante é que não só profissionais ligados ao teatro contribuirão com à TREMA! Nos interessa o ponto de vista de diferentes atores sociais, construindo assim uma publicação dinâmica e que não segmente o público leitor.

Você acha que a revista pode preencher a lacuna de pensamento sobre a criação artística teatral na cidade, no estado? Ela sozinha é suficiente? O que falta mais?
Acredito que esta lacuna ainda é grande, não só em nível estadual. Como leitor assíduo da minha área, encontro grande dificuldade de acessar diversos pontos de interesse por falta de publicações. Ao passo que, cada vez mais também percebo a busca por diminuir estas lacunas, seja por novas editoras que estão abraçando o teatro, seja pelos os próprios artistas que estão construindo alternativas para compartilhar o pensamento.  Estamos dando um primeiro passo neste formato de revista e esperamos que ele possa ter vida longa, assim como que outras publicações se unam a nossa no sentido de verticalizarmos o “pensar” a arte em nossa região.

A revista foi contemplada com o Funcultura. Gostaria de saber sua opinião sobre a política cultural no estado de Pernambuco e a distribuição dos recursos do Fundo.
Encontramos no Funcultura atualmente um importante aliado no desenvolvimento da economia da cultura de nosso estado. Acredito imensamente neste modelo, na manutenção de um Fundo onde o estado seja o agente regulador. Ou seja, nós produtores culturais não estamos à mercê da boa vontade de empresas privadas, mas dialogando diretamente com o estado, pois se trata da administração de recursos públicos. Entretanto, uma política cultural madura não pode ser construída exclusivamente com o Fundo e com alguns eventos culturais. Pernambuco é um estado bastante plural e de larga extensão. Louvamos a ampliação do número de produtores interessados pelo Fundo, entretanto não encontramos proporcionalidade na ampliação dos recursos do mesmo. Precisamos também compreender que uma Lei como a do Funcultura precisa constantemente ser revisada, pois cada vez mais vivemos num mercado dinâmico, onde os agentes culturais se deparam constantemente com novos desafios e o fundo precisa acompanhar o seu tempo.

Você, Pedro Vilela, fez críticas severas à política cultural (ou falta dela) da Prefeitura do Recife, um pouco antes da realização do Trema – Festival de Teatro de Grupo. Qual a sua análise dos órgãos e mecanismos municipais de cultura? Você teria sugestões para melhorar o desempenho?
Não me arrependo das críticas realizadas. Elas apontavam um descaso gerencial com a cultura da nossa cidade e esse descaso em nada mudou. Nos deparamos com uma gestão fragmentada, onde os profissionais que a compõem parecem não conseguir se articular em torno do desenvolvimento da área. Vemos interesse e disponibilidade de alguns, mas isto é muito pouco. Vemos uma secretária que possui grande caráter simbólico para nós artistas, mas que não consegue compreender os desafios que é gerir os encaminhamentos culturais de uma cidade como Recife. Parece-me que o problema vem de cima, da falta de interesse e de compreensão que somos um dos principais agentes modificadores deste “Novo Recife” que tanto se fala. E este paradigma só poderá mudar quando nós artistas tivermos força política suficiente para dizermos o “como” queremos.

Produtora Mariana Holanda Rasu e Vilela: cumplicidade

Produtora Mariana Holanda RUsu e Vilela: cumplicidade

Mudando um pouco de assunto. Como é a cumplicidade de pensamento com sua mulher, a produtora Mariana Rusu?
Gosto imensamente desta palavra que você usa: cumplicidade. Somos cúmplices do mesmo delito: a dedicação ao teatro. Mariana é uma profissional extremamente sagaz, com um elaborado grau de exigência nas atividades que se propõe a realizar, isso faz com que nossa parceria renda tantos frutos. Não por ser minha esposa, mas vejo nela uma dedicação a este ofício difícil de encontrar em outras pessoas e ainda uma disponibilidade por defender os projetos que loucamente visualizo. Decidimos dedicar toda esta força a nossa TREMA! Plataforma e desejamos dialogar ainda mais com o teatro de nossa cidade.

Sabemos que a convivência desgasta os relacionamentos e é muito difícil a permanência de grupos estáveis no país e mais ainda em Pernambuco. O Magiluth se tornou uma referência nos últimos anos na cena brasileira pela dedicação e ousadia. O anúncio de sua saída do grupo causou estranhamento e preocupação. O que aconteceu? Disputa por poder? Por liderança?
Não temos como neste momento definir fatores que levaram a esta decisão. Tenho certeza que haverá uma série de suposições sobre a saída (risos). A convivência em um grupo de teatro é algo bastante intensa, como uma família, e sempre haverá concordâncias e discordâncias nos diferentes desafios que o grupo encara. Mas, acima de tudo, é importante preservamos o desejo e amor pelo projeto coletivo que defendemos e isto já não era possível.

Você já afirmou que refletiu muito antes de tomar uma decisão. Mas também disse que a montagem do último trabalho O Ano em que Sonhamos Perigosamente foi o estopim. Então conta como foi o processo.
Cada vez mais percebo o quanto é delicado para os grupos estarem envolvidos em procedimentos de criação, pois eles escancaram questões que sempre permaneceram guardadas. É o momento de debatermos sobre ideias, vontades e principalmente a hora onde a força dos indivíduos, todos os seus conteúdos e disponibilidade para o teatro precisam ser colocados na mesa. O projeto do Ano em que sonhamos perigosamente foi escrito, elaborado e captado por mim. Há muito tempo nutria o desejo de ver o Magiluth experimentando uma “outra forma” de fazer teatro e solicitava esta ruptura. Fatores externos impossibilitaram a execução completa do trabalho, mas fico feliz pela execução do mesmo.

Vilela abraça Giordano, com Erivaldo ao fundo, em Aquilo que meu olhar guardou para você

Vilela abraça Giordano, com Erivaldo ao fundo, em Aquilo que meu olhar guardou para você

E como vai ser o cumprimento dos projetos já em andamento, como a própria revista, as novas edições do Trema e as viagens do Magiluth?
Estarei disponível para executar os projetos acordados anteriormente, sou um profissional e tenho compromissos éticos com a empresa Magiluth. Quanto aos projetos como a revista e festival, é preciso esclarecer que eles não são do grupo. Foram projetos idealizados, geridos e executados por outros profissionais e que em dado momento tiveram o Magiluth como fomentador/financiador (duas primeiras edições do Festival). Estas ações acabaram se confundindo com o Grupo devido a posição que ocupava, mas percebo que a compreensão de projetos individuais dentro da coletividade sempre será bastante complexa. Tanto o Festival, como a revista são ações desenvolvidas pela TREMA! Plataforma de Teatro, empresa que cuido atualmente com Mariana.

O que você tem a dizer sobre a experiência desses anos no grupo, a direção dos espetáculos, o aprendizado?
Sem dúvida foram os anos de maior aprendizado no teatro. Me formei enquanto gestor e criador no grupo. Nos últimos oito anos tive a oportunidade de gerir o grupo, onde idealizei, captei e administrei todos os projetos. Consegui chegar a um modelo de gestão onde os integrantes puderam viver exclusivamente do teatro, com salário, todos os benefícios (13º e férias) incluindo plano de saúde, odontológico… o que me trouxe uma compreensão de gerenciamento de um coletivo sem precedentes. No campo da criação me descobri enquanto encenador e aprofundei meu trabalho com iluminação. Terei um eterno agradecimento aos integrantes pela cumplicidade, parceria e confiança no trabalho.

E daqui para frente quais são os planos? Mestrado aqui, em SP, no exterior?
Meu trabalho continua a ser desenvolvido em duas frentes. A primeira está ligada a retomada dos meus estudos acadêmicos, focando no mestrado. A segundo está ligada ao desenvolvimento da TREMA! Plataforma de Teatro.

E como é concebida a TREMA! Plataforma?
A Plataforma é um núcleo gerencial e criativo em torno do teatro de grupo que trabalha em diferentes linhas de ações. Atualmente desenvolvemos o TREMA! Festival e a TREMA! Revista. Ela é coordenada por mim e Mariana em parceria com Thiago Liberdade. Não a defino como grupo, mas sim como uma plataforma que trabalha com diferentes colaboradores de acordo com as especificidades dos projetos que nos interessa desenvolver. Em janeiro de 2016 pretendo ativar o TREMA! Teatro que será o núcleo onde desenvolverei meus processos criativos. O primeiro trabalho será sobre a fé e as igrejas neopentecostais brasileiras, que me atravessa profundamente e que desde o ano passado estou desenvolvendo a pesquisa.

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SERVIÇO:
Lançamento da TREMA! Revista de Teatro de Grupo, da TREMA! Plataforma de Teatro de grupo (distribuição gratuita da revista), no projeto Segunda com Teatro de Primeira
Quando: Nesta segunda-feira (29), às 20h
Onde: Cênicas Cia de Repertório (Rua Vigário Tenório, 199 – 2º andar – Bairro do Recife),
Atração: Leitura do texto Maumau miau, do dramaturgo Luís Felipe Botelho, pela Cia Incantare de Teatro

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Poesia contra preconceitos

Solo da atriz Soraya Silva é inspirado na obra de Carolina Maria de Jesus e Elisa Lucinda

Solo da atriz Soraya Silva é inspirado nas obras de Carolina Maria de Jesus e Elisa Lucinda

Olhos de Café Quente embala histórias de meninas, mães, madrinhas e mulheres. Episódios belos, tristes, de denúncia. É um espetáculo que acende a memória de feridas provocadas por preconceitos (in)disfarçáveis. No solo, a atriz Soraya Silva debate cenicamente a questão de raça e realiza um mergulho profundo no universo feminino. A peça ergue uma heroína do povo a partir das obras de Carolina Maria de Jesus e Elisa Lucinda. Olhos de Café Quente, com direção de Quiercles Santana, estreia nesta sexta-feira, 1º de maio, Dia do Trabalhador, no Teatro Hermilo Borba Filho, no Recife.

O encenador diz que a montagem é uma aposta no teatro, na delicadeza dos pequenos movimentos, nas ações silenciosas, nas palavras, na poesia. Olhos de Café Quente faz vibrar quando aponta para as dores e as alegrias de existir. A atriz elabora no corpo, nos gestos, movimentos e sentimentos, as recordações e desejos de uma mulher, que são muitas numa só: a menininha abelhuda, a mocinha encantadora, a mulher enérgica, a anciã.

Quiercles Santana nos dá mais algumas pistas. A encenação “é sobre as diversas fomes e sedes que nos consomem… É sobre a solidão da escrita e a paixão por palavras instauradoras de mundos, imagens, sombras, reflexões”.

O processo de criação do espetáculo começou em 2013, a partir da obra de Carolina Maria de Jesus, mulher negra, pobre, catadora de lixo, mãe solteira, semianalfabeta, que morou na favela do Canindé, em São Paulo, e surpreendeu o mundo com uma escrita autobiográfica; memorialista; poética, em formato de contos, provérbios e romances. O contraponto para essa dramaturgia “de grande relevância política, estética e social” é a obra de Elisa Lucinda “negra de olhos verdes”, respeitada atriz, cantora, poetisa e jornalista com sua poesia do cotidiano.

No livro Quarto de despejo: diário de uma favelada, publicado em 1960, Carolina Maria de Jesus (1914-1977) faz um desabafo por todos os excluídos desse Brasil, os abandonados à própria sorte, enfrentando a miséria absoluta, fome e violência. A escritora ainda publicou, no Brasil, os livros Casa de alvenaria (1961), Provérbios (1963), Pedaços da fome (1963) e Diário de Bitita (publicação póstuma, 1982).

Atriz interpreta várias mulheres numa só

Atriz interpreta várias mulheres numa só

“Num balanço se balança, sem pressa, uma jovem mulher, de branco vestida.
É negra ela… Como negra é a tinta com que escreve, na brancura do papel, seus poemas e lembranças.
Suas histórias deslizam com pés de anjo, passos leves, no espaço, como se o tempo fosse outro, como se a vida não urgisse.
Ouvimos quando canta, voz grave, canções antigas.
Vemos quando acende velas multicores.
Sentimos o rescindir de perfumes.
Rodeada de livros e escritos, ela conta, tranquila-tranquila, sonhos de infância, de como entende a vida, de seus desejos de mulher, de suas perdas e danos, das dores e alegrias de ser mulher negra.
Às vezes a sentimos endurecer, guerreira, solicitando mais respeito, mais amor, alguma dignidade. Aí sua voz ganha força, peso, ressoa alto, penetrante, na plateia. Ela nos toca, provoca, afeta, faz pensar.
Ouvimos outras vozes nas suas palavras. E calamos ante sua força e fé. Pois que a dor que lhe grita por dentro não é sua somente. É nossa também. É de todo mundo que já se viu, em algum momento, apequeninado pelo preconceito racial.
A mulher de branco vestida é, ela mesma, um poema feito de carne, músculos e respirações. É puro movimento interno e externo. É um convite para se ver, de outro ângulo, o mundo tal qual o conhecemos.”

A peça é sobre ser negro e pobre, ter de se virar e  manter a altivez

A peça é sobre ser negro e pobre, ter de se virar e manter a altivez

Serviço
Olhos de café quente
Onde: Teatro Hermilo Borba Filho (Cais do Apolo, s/n, Bairro do Recife)
Quando: Sextas, sábados e domingos, de 1º a 10 de maio, às 20 horas
Quanto: R$ 30 e R$ 15 (meia-entrada)

ENTREVISTA // QUIERCLES SANTANA

Quiercles Santana, diretor do espetáculo. Foto: Andréa Neres

Quiercles Santana, diretor do espetáculo. Foto: Andréa Neres

Como vocês compuseram a dramaturgia?
A dramaturgia foi sendo erguida por tentativa e erro na lida diária dos ensaios. A gente testava, como um bricoleur, os fragmentos, casando as vozes, fazendo a alquimia de duas escritoras (Carolina Maria de Jesus e Elisa Lucinda), que têm escritas completamente distintas. Como dar coesão de modo que fossem salvaguardadas as diferenças, fazendo ressaltar as semelhanças a ponto de que a performance da atriz tivesse coerência dramática.

Como foi dirigir poesia?
A poesia está na prosa das escritoras. É uma poesia em potencial, não se trata de poemas, fique claro. É antes uma contundente exposição de argumentos, de relatos sobre o que se vê, o que se vive no dia a dia, nas esperanças e solidões dessas mulheres. É uma poesia garimpada no prosaico da realidade.
Isso se falamos de poesia enquanto dizer, enquanto palavra. Mas o espetáculo guarda outra poesia, super importante para nós, que é a poesia feita com o espaço e o tempo. Porque não são apenas as palavras que falam em Olhos de café quente. É também o silêncio, é o tempo, que diz quando a palavra não pode mais dizer. É a dor entalada no peito, o nó na garganta, a espera, os sonhos não realizados, os nossos mortos que carregamos, as pequenas percepções da vida e do mundo que de repente nos faz silenciar e ouvir este fundo sem fundo que é o tempo passando (ou nós passando por ele).

Por que essa escolha?
Essa escolha, a princípio, foi feita pelas atrizes Márcia Cruz e Soraya Silva. Elas que me convidaram. Com o tempo fui me apaixonando também pela proposta inicial delas.

Quais suas influências para criar a cena?
Sabe, não pensei nisso, em influências. Mas em fluências, sim. Em deixar a “música” soar. Como criar dinamismos, mudanças de atmosferas, instaurar sensações com o corpo, como afetar e deixar ser afetado. Uma leitura que me tem feito pensar muito e que devorei no processo de realização desse sonho foi Ideograma: Lógica, Poesia, Linguagem, do Haroldo de Campos.

Qual o tratamento interpretativo para falar sobre “ser mulher, ser negra e ser pobre no Brasil”?
Talvez alguns estudiosos das obras das autoras reclamem por não vê-las ali representadas. Não queremos representar ninguém, mas apresentar, ou seja, tornar presente uma força que se move, que dança, que se imobiliza, que toca o invisível da linguagem. Não esteve nunca em nosso foco de atenção representar as autoras, mas recriar as suas obras. Não é uma biografia histórica delas. É uma reinvenção das suas vivências. Isso sem panfletos, por que também não é muito a nossa levantar bandeiras, mas provocar, sacudir, pensar sobre as situações. Há momentos do espetáculo que são completamente criticáveis, até politicamente incorretos, que interessam pelo poder crítico que carregam. Não quer dizer que concordamos, mas quer dizer que são importantes como alavancas de reflexão.

Como é a direção de arte e técnica?
Uma opção estética foi pelo mínimo. Até mesmo porque não temos dinheiro e não fomos agraciados por nenhum edital público de fomento. Então apostamos no mínimo. Nenhum grande cenário. Luz e palco quase nu. E olha como é difícil porque não é simples mesmo chegar no simples. É bem complexo. Mas acredito que conseguimos coisas muito importantes aqui, inclusive porque não desistimos de criar este mundo, mesmo sem grana. É uma aposta alta no poder evocativo da palavra e no corpo movente.

O que você espera do público ao abordar episódios complexos e diria até, violentos?
O que espero é que possamos afetar as pessoas de alguma maneira, emocioná-las ao mostrar uma mulher sozinha em cena a conjecturar sobre o valor da arte e da vida, com os seus fantasmas. Que o espetáculo possa ser um espelho e olhando para a Soraya possamos nos enxergar um tantinho melhor. É bem pretensioso, mas sem pretensões como fazer teatro hoje?

Por que vocês vão ficar tão pouco tempo em temporada?
Uma questão é que muitos grupos disputam os espaços hoje no Recife. Outra questão é que a atriz deve voltar à Itália no fim do mês e não temos como segurá-la aqui, a não ser que o espetáculo seja convocado para muitas outras apresentações, mesmo que em espaços alternativos (o que é possível porque tudo cabe dentro de uma mala). Não precisamos de muito para ir adiante. E ainda temos de pagar muita gente que topou esta poesia junto conosco.

FICHA TÉCNICA
Direção e preparação corporal: Quiercles Santana
Assistência de direção: Asaias Lira
Atriz pesquisadora: Soraya Silva
Texto: Carolina Maria de Jesus e Elisa Lucinda
Organização e Seleção de Textos: Quiercles Santana e Soraya Silva
Cenografia e Figurino: Quiercles Santana
Iluminação: Natalie Revorêdo
Vídeo e montagem: D’Angelo Roberto
Fotografia: D’Angelo Fabiano
Programador Visual: José Barbosa e Luca Principi
Consultoria: Raffaella Fernandez – Dra. pesquisadora das obras de Carolina Maria de Jesus
Produção Executiva: Aracelly Silva
Produção Geral: Renata Phaelante
Realização: Eu&tu Nútero de Criação Teatral

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Palco Giratório Recife não irá mais acontecer

Ano passado, depois da coletiva do festival Palco Giratório, realizada no Teatro Marco Camarotti, o titulo da matéria que escrevemos aqui no blog dizia: “Palco Giratório mais enxuto no Recife”. A manchete era explicada pelo fato de que, em 2014, 33 companhias participariam do festival. No ano anterior, esse número havia sido bem maior: 42 grupos.

Agora, em 2015, a decisão do Sesc Pernambuco foi mais drástica: acabar com o Festival Palco Giratório Recife, que era realizado há oito anos no mês de maio e concentrava não só os espetáculos nacionais que estão circulando por todo o país, mas também uma programação local e convidados de outros estados. Como festival, era uma possibilidade de alcançar maior público com uma concentração de espetáculos e divulgação, de incentivar a troca entre os artistas e de propor reflexões sobre a cena, com um panorama bastante amplo, tanto da produção local quando nacional.

Com as dificuldades econômicas e sociais em todos os âmbitos políticos, não seria surpresa se o festival sofresse uma redução, mas não foi isso que aconteceu. A decisão de não realizar o festival, segundo José Manoel Sobrinho, gerente de Cultura do Sesc Pernambuco, “no momento é irreversível, ao menos para os próximos anos”.

Ainda segundo José Manoel, a questão não é de ordem econômica: “O Festival Palco Giratório, a despeito de seu significado e importância é uma ação que concentra recursos em um único mês e em uma única cidade. Este princípio não atende ao entendimento que o Sesc Pernambuco vem buscando operar na operacionalização e execução de sua Política de Cultura”. De acordo com o gerente, a instituição “desde 2012 vem intensificando a sua inserção no interior, implantando um modelo de trabalho sustentado no conceito de Corredor Cultural, tendo como objetivo aprofundar e ampliar a oferta de serviços em municípios, sem que obrigatoriamente haja uma Unidade Executiva do Sesc instalada”.

Pernambuco continua recebendo, em escala muito menor e de maneira desconcentrada, a circulação dos espetáculos escolhidos pela curadoria nacional para se apresentarem pelo país inteiro. Apenas 12 dos 20 grupos selecionados virão ao estado até novembro. Nacionalmente, o projeto acontece em 154 cidades. Pernambuco terá dois representantes na programação nacional: o bailarino Dielson Pêssoa, com o solo O silêncio e o caos; e o Balé Popular do Recife, que será homenageado nesta edição.

O silêncio e o caos, do bailarino Dielson Pessôa, vai circular pelo pais. Foto: Renata Pires

O silêncio e o caos, do bailarino Dielson Pessôa, vai circular pelo pais. Foto: Renata Pires

Balé Popular do Recife será homenageado nesta edição nacional do Palco Giratório

Balé Popular do Recife será homenageado nesta edição nacional do Palco Giratório

Galiana Brasil, curadora do Palco Giratório em Pernambuco, está em Brasília para o lançamento nacional do projeto. E, segundo José Manoel, “ela faz parte de uma equipe técnica e a decisão de reordenar a grade programática do Sesc é uma decisão política, da qual ela participou, mas da qual não tem responsabilidade, nem responde”, disse por e-mail, explicando porque seria responsabilidade dele e não de Galiana responder a entrevista.

Ano passado, em longa entrevista ao blog, Galiana Brasil comentou a redução da programação do festival. As palavras de Galiana, no entanto, parecem fazer muito mais sentido agora: “O Palco Giratório é um projeto (um dentre centenas) financiado integralmente pelo SESC, gerido pela instituição até quando ela entender que ele é importante, necessário. Minha opinião quanto a isso importa bem pouco, eu procuro sempre seguir as diretrizes da instituição, e estou subordinada a gerências e direções, em âmbito regional (jargão do SESC para nos referirmos à administração nos estados) e nacional”.

De acordo com José Manoel, “O Sesc tem muita atenção para com o Recife e continuará tendo, mas não será o Festival Palco Giratório a ação motriz desta atenção”.

José Manoel Sobrinho, gerente de Cultura do Sesc Pernambuco

José Manoel Sobrinho, gerente de Cultura do Sesc Pernambuco

ENTREVISTA // JOSÉ MANOEL SOBRINHO

Qual o motivo da não realização do festival Palco Giratório em maio?
O Sesc em Pernambuco é uma instituição com atuação estadual e desde 2012 vem intensificando a sua inserção no interior, implantando um modelo de trabalho sustentado no conceito de Corredor Cultural, tendo como objetivo aprofundar e ampliar a oferta de serviços em municípios, sem que obrigatoriamente haja uma Unidade Executiva do Sesc instalada. De forma responsável o Sesc foi construindo uma metodologia de trabalho que distribui o seu orçamento equilibradamente em seus diversos projetos. O Festival Palco Giratório, a despeito de seu significado e importância é uma ação que concentra recursos em um único mês e em uma única cidade. Este princípio não atende ao entendimento que o Sesc Pernambuco vem buscando operar na operacionalização e execução de sua Política de Cultura.

O Festival Palco Giratório é uma ação do Projeto Palco Giratório e não o contrário, porque neste existem as Aldeias, os Pensamentos Giratórios, os Cursos e Oficinas, que estão para além do Festival. Há uma diretriz de descentro, de desconcentração e de reorganização dos projetos que constituem o Programa Cultura do Sesc em Pernambuco.

Neste momento tão difícil para a cultura da cidade, lembrando que o Festival Recife do Teatro Nacional não foi realizado, porque a tomada dessa decisão? Aconteceu isso em alguma outra cidade do país? Ou é uma coisa isolada? Foi uma decisão do Sesc-PE ou do Sesc nacional?
Foi uma orientação do Sesc Pernambuco, proposta pela Gerência de Cultura e que a Direção do Sesc endossou, porque há uma sintonia entre o trabalho desenvolvido pelas linguagens. Este mesmo modelo gere as práticas de música, artes visuais, literatura, porque o Sesc não é uma instituição das artes cênicas, portanto constrói o seu módulo de trabalho pensando em atingir o público em sua dimensão simbólica com oferta artística multidisciplinar.

O Sesc Nacional não interfere na gestão dos estados, portanto é uma diretriz local, pensando no Estado de Pernambuco e não apenas no Recife e Região Metropolitana.

Ano passado, já percebemos que houve uma redução do orçamento do festival – com a não realização de ações paralelas, como o Cena Gastrô e Bacante. Qual era o orçamento do festival? Foi uma questão financeira?
Não foi uma questão de ordem financeira, foi o início de uma metodologia voltada para a desconcentração dos investimentos. O orçamento do Programa Cultura em 2014 (R$ 11.109.199,81) foi compatível com o de 2013 (R$ 10.669.150,27), isto para a execução de toda a grade programática do Regional. De fato houve uma redução no orçamento do Festival em relação a 2013, mas foi uma decisão estudada, para garantir o equilíbrio do Programa Cultura no Estado e não apenas em Recife.

O Sesc tem muita atenção para com o Recife e continuará tendo, mas não será o Festival Palco Giratório a ação motriz desta atenção.

Essa decisão de não realizar o festival em maio pode ser reversível?
No momento é irreversível, ao menos para os próximos anos.

As ações de descentralização do festival pelo estado foram realmente ampliadas? Como? Porque as Aldeias e as circulações pelo interior já existiam, não é mesmo?
Não há proposta de “ação de descentralização do Festival pelo estado”, o que há é o foco em uma atuação para além das cidades onde o Sesc atua, mas em todas as linguagens. Entre 2015 e 2018 a meta é consolidar as Mostras de Música e de Artes Cênicas espalhadas pelas diversas regiões, estrutura-las, intensificar as ações formativas, gradativamente, contando sempre com a participação da produção do estado. Também concentrar esforços em projetos para a qualificação de gestores culturais, participar de processos de construção de políticas para a cultura, manter regularmente a presença do Sesc com oferta de serviços culturais para as pessoas.

Particularmente em 2015 serão quatro Aldeias, quando em 2014 realizamos apenas a do Velho Chico, em Petrolina. Por sí só, este projeto, o das Aldeias já demonstra que o Sesc continua com seu investimento em Cultura de forma equilibrada e consequente, mas com critérios que demonstrem seu interesse em todo o território pernambucano.

O Nordeste é a região mais representativa na circulação nacional este ano. Em contrapartida, Pernambuco só tem o espetáculo O silêncio e o caos; e a homenagem ao Balé Popular. Noutros anos, tivemos mais representantes. Como você vê isso?
Não procede esta afirmativa, porque o que há é a confirmação da importância de Pernambuco no panorama do teatro e da dança no Brasil. Em 2015 teremos 2 importantes representantes do Estado, ambos da dança o que demonstra a qualidade e representatividade do trabalho aqui realizado. Mas para elucidar lembro que em 2014 tivemos igualmente 2 representantes do Estado ( Grupos Peleja e Magiluth), em 2013 tivemos 1 grupo, a Duas Companhias, em 2012, novamente 2, o Grupo Grial de Dança e a Trupe Ensaia Aqui e Acolá, em 2011 (Coletivo Lugar Comum e Mão Molenga Teatro de Bonecos), em 2010 a representação foi única com o Grupo Experimental e em 2009 com o Coletivo Lugar Comum, em 2008 e 2007 infelizmente não tivemos nenhum representante, em 2006 nosso recorde de 3 representações com a Remo Produções, Mão Molenga Teatro de Bonecos e Grupo de Artistas Independentes e ainda em 2005 tivemos o Terreiro Produções. Tomei apenas como referência os últimos 10 anos para mostrar que, ao contrário, há a consolidação da representação. Pernambuco ainda contou com espetáculos inseridos nas programações dos anos 2000, 2001, 2003 e 2004.

Aproveito para destacar que o Balé Popular do Recife está recebendo uma grande homenagem do Sesc no Brasil, indo a todas as regiões do país, a mesma homenagem que somente receberam Angel Viana em 2014 e Ilo Krugli e o seu Teatro Ventoforte em 2013. O Circuito Especial destaca a cada ano, desde 2013, um ícone, um expoente, uma referência. E é isso que o Balé Popular do Recife é, uma referência para o Brasil.

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