O canto de Gregório, que estreou em 2011, está novamente em cartaz. Foto: Pollyanna Diniz
Filosofia, esquemas lógicos, racionalidade. O canto de Gregório, escrito por Paulo Santoro, é denso, cheio de retórica, réplicas e tréplicas argumentativas. Se fosse para apostar no resultado final, a palavra levada ao palco, talvez arriscássemos dizer que seria um espetáculo ao menos cansativo – embora sim, o texto seja muito interessante (e tenha sido montado por Antunes Filho). Mas, vamos lá, o palpite até poderia ser correto, se o grupo que tivesse decidido montar esse texto não fosse o Magiluth, coletivo pernambucano que comemora dez anos em 2014.
Repassando mentalmente a história do grupo é impossível não observar a sua coerência estética. A cada novo espetáculo eles amadurecem escolhas, desenvolvem soluções que antes tinham sido sutis, embarcam no desconhecido, mas com um background tão sólido – de horas de ensaio, de trabalho continuado, de criação compartilhada, que as coisas parecem se suceder de modo muito natural.
Em O canto de Gregório, que estreou em 2011, Pedro Vilela já deixava claro o seu arrojamento na direção – que estaria ainda mais pungente em Viúva, porém honesta (2013). Nada de marcações estanques ou coreografadas, mas ao mesmo tempo um rigor refinado, que nos dá a impressão de uma brincadeira, um jogo, que vai ao limiar do caótico, mas está completamente sob controle. Além disso consegue ser ácido, sarcástico, de soluções que, de tão simples, podem ser desconcertantes – a chuva de batatas em Viúva para comprovar.
Giordano Castro, Erivaldo Oliveira e Lucas Torres interpretam vários personagens nessa montagem em que aparecem figuras como Jesus, Buda e Sócrates (três Sócrates, aliás). Depois de um ano bastante intenso, de três estreias: Aquilo que o meu olhar guardou para você, Viúva e Luiz Lua Gonzaga, o elenco está mais homogêneo para voltar a encenar O canto de Gregório. As discrepâncias ficam cada vez mais suaves e cada um dos atores traz elementos, características e poéticas muito especiais para a cena.
Além disso, o espetáculo está muito mais leve e próximo do público – quando estreou, a ideia é que ele fosse encenado dentro de um cubo branco – parecia um ambiente hospitalar; numa temporada em Curitiba, depois de muita discussão, o grupo decidiu abolir aquelas paredes brancas, o que fez mesmo muito bem à peça.
Pedro Wagner (foto) defende o personagem-título
O papel título do espetáculo é de Pedro Wagner, um ator que transborda talento; é um sujeito magrelo, doce, mas de opiniões fortes; e que, no palco, toma uma proporção que nos arrebata, com a consciência do seu corpo, da voz, das nuances do texto, das viagens a que pode levar o espectador “só” dizendo algumas palavras.
Apesar do jogo com os personagens, do humor do grupo – afinal, quem diria, Jesus adora carnaval -, a principal característica de O canto de Gregório é o respeito ao texto e a palavra. É nele que o espetáculo está calcado, numa encenação em que, claro, os outros elementos também têm muita importância. Isso talvez também se repita em Viúva, mas não com tanto destaque, por conta da natureza do texto mesmo. É porque em O canto de Gregório o que importa é o jogo retórico, os esquemas lógicos que são construídos, a possibilidade da vitória, ou não, só pela argumentação.
Giordano Castro e Pedro Wagner
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Projeto Pague quanto puder
O Magiluth voltou a encenar O canto de Gregório dentro do projeto Pague quanto puder, que tem o apoio do Funcultura. O espetáculo está em cartaz terças, quartas e quintas-feiras, às 20h, no Teatro Marco Camarotti, no Sesc Santo Amaro. Antes dele, às 19h, Giordano Castro apresenta o solo 1 torto, com direção de Pedro Wagner. Já nas sextas (19h) e sábados (em duas sessões, às 18h e 20h), o grupo ocupa o Teatro Arraial, na Rua da Aurora, com o espetáculo Aquilo que meu olhar guardou para você. Não há um preço pré-estabelecido do ingresso; é o espectador quem define quanto pagará para assistir aos espetáculos.
Clowns de Shakespeare estreia Hamlet. Foto de ensaio feita por Pablo Pinheiro
O grupo potiguar Clowns de Shakespeare estreia hoje, dentro do Janeiro de Grandes Espetáculos, o espetáculo Hamlet, com direção de um dos encenadores mais importantes do país, Marcio Aurélio. A companhia começa a comemorar aqui no festival os 20 anos de atuação. Além de Hamlet (que será encenada hoje e amanhã, às 21h, no Santa Isabel), apresentam O capitão e a sereia (peça inédita no Recife), nos dias 22 e 23, às 19h, no Marco Camarotti (Sesc Santo Amaro); e Sua Incelença, Ricardo III, em única sessão, no dia 26, às 18h, no Pátio do Mosteiro de São Bento, em Olinda. O Clowns também lança o projeto Cartografia do Teatro de Grupo do Nordeste com uma mesa redonda na segunda-feira (21), às 17h, no Centro Cultural Correios, e faz uma oficina de 22 a 25, das 9h às 12h30, também nos Correios, intitulada Clowns de Shakespeare – Prática e pensamento.
Conversei com Fernando Yamamoto, que geralmente dirige as montagens do grupo, sobre o processo de criação da companhia, a aproximação com Marcio Aurelio, o trabalho de grupo, a importância de Sua Incelença, Ricardo III. Foi uma das entrevistas que fiz, em dezembro, para a construção da matéria sobre os 20 anos do grupo, que saiu na edição de Janeiro da Revista Continente.
Direção dos espetáculos do Clowns geralmente é de Fernando Yamamoto
ENTREVISTA // FERNANDO YAMAMOTO
Vocês estão num movimento de reaproximação com Shakespeare? Logo depois de Ricardo III, porque a decisão de montar Hamlet? Como está sendo esse processo de criação, já que Sua Incelença parece ter “absorvido” tanto vocês? Como esquecer um pouco aquelas referências pra trabalhar com outra obra de Shakespeare? Ou quais referências continuam as mesmas?
Desde Muito Barulho por Quase Nada, em 2003, não montávamos um Shakespeare. Partimos para um Brecht – O Casamento do Pequeno Burguês (2006) e três espetáculos com dramaturgia própria: Roda Chico (2005), Fábulas (2006) e O Capitão e a Sereia (2009). No entanto, desde 2007 já sentíamos uma necessidade de não só retornar a Shakespeare, como partir para uma obra não cômica. É quando nos aproximamos do teórico polonês Jan Kott e, principalmente, do Gabriel Villela e do Marcio Aurelio, durante uma residência que fizemos no TUSP, em São Paulo. Como costumamos trabalhar o planejamento do grupo com dois, três anos de antecedência, já iniciamos o flerte com os dois para montar essas obras. No caso de Hamlet, em especial, é uma peça que o Marcio é um grande especialista, já montou e pesquisou muito em cima dela, e surge para nós num momento em que todos estamos passando, ou perto de passar, pela “crise da meia idade”, que é uma das questões que o Shakespeare aborda. A troca com o Marcio e sua assistente, Ligia Pereira, tem sido de grande aprendizado para nós, principalmente porque eles trabalham com uma linguagem muito diferente do Gabriel Villela, que é mais próxima ao que o grupo já tinha.
Marcio Aurelio, da Cia Razões Inversas, assina direção de Hamlet. Foto: Pablo Pinheiro
Qual a contribuição de Marcio Aurelio neste espetáculo?
Como citei antes, a aproximação com o Marcio vem desde 2007, na residência no TUSP, quando tivemos cinco encontros de investigação em cima justamente de Hamlet. Além de todo o encanto por tanto conhecimento e generosidade, pudemos assistir a dois trabalhos da companhia dele, a Razões Inversas, que nos instigaram ainda mais a poder passar por um processo de montagem com ele, que foram o Anatomia Frozen e Agreste. Ele está passando quatro meses em Natal, num processo de de verdadeira troca, já que tem trazido sua bagagem e procedimentos, mas com muita escuta e observação sobre a forma como nós trabalhamos, nossa linguagem, para que possamos construir de fato um espetáculo que marque o encontro entre ele e nós.
Como essa encenação se estabelece? Há, por exemplo, papeis definidos para cada ator ou há uma troca?
Fizemos uma grande intervenção dramatúrgica, numa linguagem contemporânea que não se preocupa em contar linearmente a fábula, mas sim buscar o recorte que nos interesse para apresentar a obra no máximo da sua potência. Assim, dos oito atores que estão em cena, apenas o César (Ferrario) e o Marco (França) se dividem em dois papéis, os demais têm apenas um: Camille Carvalho (Rosencrantz), César Ferrario (Polônio e Laertes), Dudu Galvão (Horácio), Joel Monteiro (Hamlet), Marco França (Rei Claudius e Fantasma), Paula Queiroz (Guildenstern), Renata Kaiser (Rainha Gertrudes) e Titina Medeiros (Ofélia).
O trabalho com diretores convidados é uma constante? De que forma isso enriquece o trabalho e, ao mesmo tempo, como é possível manter a linguagem própria ao grupo? No momento do impasse, qual opinião prevalece? A do diretor ou dos atores?
O Hamlet é o segundo trabalho com diretor convidado. Antes dele, apenas o Ricardo III teve essa característica. O Muito Barulho por Quase Nada e O Casamento do Pequeno Burguês tiveram o Eduardo Moreira, do Galpão, como diretor convidado, mas nos dois casos ele dividiu a direção comigo, então não se tratava de uma direção externa. Os demais espetáculos tiveram a minha direção. Essa premissa de trabalhar com profissionais convidados, não só na direção, como também na direção musical, figurino, cenário, etc., é uma busca por uma oxigenação na nossa prática, para não corrermos o risco de ficarmos sempre circulando nos próprios vícios. Durante os processos, os diretores têm total autonomia – inclusive no meu caso. No entanto, nestas duas experiências (e com o Eduardo Moreira também) sempre tivemos uma relação muito dialógica. Mas a ideia é sempre aproveitar esses diretores convidados para conhecer melhor suas formas de trabalho.
Sua Incelença, Ricardo III trouxe projeção internacional ao grupo. Foto: Pablo Pinheiro
O que significou Sua Incelença na trajetória de vocês? É o mesmo movimento que aconteceu, por exemplo, com Muito barulho por quase nada ou não? Quais foram os momentos mais marcantes de Sua Incelença? Desde a montagem até agora, na recepção do público?
Sem dúvida o Ricardo III proporcionou ao grupo um grande crescimento em diversos aspectos, principalmente de projeção do nome dos Clowns pelo país, e o início do processo de internacionalização. Acho que o momento em que o espetáculo surgiu foi muito oportuno, já que já tínhamos um certo nome e respeito pelo país, mas que foi muito incrementado pelo encontro com o Gabriel Villela e todo o peso do seu nome. É difícil fazer uma comparação com o Muito Barulho, já que sem dúvida foram marcos na nossa história, mas que de certa forma o Fábulas também foi, assim como O Capitão e a Sereia. São muitos momentos marcantes nessas quase 100 apresentações que o espetáculo já cumpriu. A estreia em Curitiba foi um deles, sem dúvida. A residência que fizemos no Complexo do Alemão, pouco tempo depois dos conflitos que lá aconteceram, foi outro. No Festival de São José do Rio Preto, fizemos a abertura para uma arena com 7.000 pessoas! Alguns dias depois, apresentamos na área rural da cidade, para cerca de 100 pessoas, ao lado de um pasto de boi, numa das melhores apresentações do trabalho até agora. Além disso, as duas viagens internacionais, no Chile e na Espanha, também foram marcantes. No Chile destacaria a apresentação que fizemos na frente do La Moneda, palácio do governo, onde Salvador Allende sofreu o golpe militar e foi assassinado. Para nós, contarmos a fábula desse vilão sanguinário e cruel nesse cenário tão impregnado pela história foi muito emocionante.
Como é que esse grupo se reuniu lá atrás, há 20 anos? Houve muitas mudanças na composição do grupo? E uma pergunta clichê, mas que é bastante difícil. Como manter um grupo artístico, um grupo teatral, por tanto tempo?
Da formação inicial, ainda restam três fundadores, eu, a Renata Kaiser e o César Ferrario. A forma como conseguimos construir e manter o grupo é muito difícil de definir. Sem dúvida um dos mais importantes fatores para isso foi conseguirmos estabelecer um equilíbrio entre os desejos pessoais e as demandas do coletivo. Ninguém trabalha nos Clowns com o objetivo de projeção individual, o grupo sempre está à frente. No entanto, é fundamental que as inquietações de cada integrante tenha espaço dentro do grupo. Investimos muito no grupo, dedicamos muito para construir esse projeto artístico que é o projeto de vida de todos nós. No entanto, quando analiso friamente de onde saímos e onde estamos, vejo que é uma história absolutamente improvável, construir um grupo tão sólido e com uma qualidade artística internacional numa cidade tão árida culturalmente como Natal.
Como se dá o processo de gestão do grupo? O apoio da Petrobras, por exemplo? O que significou esse apoio na trajetória de vocês?
Por mais que o patrocínio da Petrobras, que está próximo de terminar, não contemple nem metade dos gastos que o grupo tem, ele significou uma mudança radical na estrutura dos Clowns. A possibilidade de termos um montante fixo mensalmente, que cubra alguns gastos como aluguel da sede, salário de um secretário, uma parte do salário dos demais integrantes, etc, possibilita uma maior tranquilidade para que possamos de fato investir no aprimoramento artístico, sem precisar abrir concessões. O processo de gestão do grupo é algo em constante reavaliação e transformação. Nesse aspecto, temos uma premissa de tentar sempre buscar o equilíbrio entre o pensamento e a prática, que as questões administrativas sempre levem em consideração os princípios éticos e artísticos que o grupo traz na cena.
Fábulas (2006)
Como era o cenário teatral em Natal há quase 20 anos, quando vocês surgiram? E no Brasil? O teatro de grupo já tinha essa força?
Nós somos meio isolados na nossa geração em Natal. Até existem outros artistas da nossa geração, mas grupos não. Naquele momento, Natal tinha dois grupos muito tradicionais, o Estandarte e o Alegria Alegria, e um grupo que era uma referência para nós, o Tambor, capitaneado por João Marcelino. Apesar de formado por artistas mais velhos do que nós, o Tambor era mais ou menos contemporâneo, no entanto não resistiu muito tempo. Houve um hiato nessa história, e depois de muitos anos começa a surgir uma outra geração de grupos na cidade, como o Atores à Deriva, Facetas, Mutretas e Outras Histórias, Bololô, Arkhétypos, dentre outros, alguns deles inspirados na nossa experiência. Nacionalmente, era um momento de retomada do teatro de grupo. Começamos a fazer teatro no período em que os famosos encontros de teatro de grupo de Ribeirão Preto aconteceram.
Aqui vocês vão lançar também o projeto Cartografia do Teatro de Grupo do Nordeste. Qual a importância desse levantamento? Dá para apontar, por exemplo, características comuns ao teatro feito no Nordeste?
O projeto surge justamente com essa inquietação. Circulamos muito pelo Nordeste e em cada estado encontramos parceiros que vivem realidades muito parecidas com as nossas, sejam de conjuntura política, gestão ou inquietações estéticas. Esse mapeamento revela facetas opostas nesse sentido: por um lado, existem recorrências claras, como a dependência aos mecanismos de financiamento federais, ou quase inexistência de grupos que conseguem garantir a manutenção de todos os seus integrantes; de outro, ao conhecer mais de perto cada experiência, fica a evidência que cada experiência é muito diversa da outra, e essa diversidade é muito saudável justamente para que um grupo possa alimentar-se das soluções encontradas pelo outro.
Muito barulho por quase nada, espetáculo de 2003
Queria falar um pouquinho sobre os espetáculos dos Clowns. Para você, Fernando, quais os mais marcantes?
Cada espetáculo teve sua importância e seu momento. Alguns deles foram divisores de água. A Megera DoNada (1998), marcou a transição da primeira fase do grupo, de total amadorismo, dentro da escola, para a nossa legitimação na classe teatral potiguar. O outro salto foi Muito Barulho por Quase Nada, que apresentou o grupo pro resto do país, fez com que circulássemos pelas cinco regiões, conhecêssemos muitos outros grupos, pensadores, críticos e outros profissionais. O Fábulas proporcionou importantes prêmios. O Capitão e a Sereia é provavelmente o trabalho mais especial para os integrantes do grupo que participaram, porque conseguimos como nunca experenciar um processo de pesquisa que dialogou diretamente com o momento e o pensamento do grupo. Foi também a primeira estreia fora de Natal, no SESI Vila Leopoldina, em São Paulo. Depois disso, o Ricardo traz a projeção do nome do grupo e o começo da internacionalização. Agora estamos ansiosos para ver como o próprio grupo responde à radicalização de linguagem que o Hamlet está trazendo.
Quando o grupo conseguiu uma projeção maior? Foi com Muito barulho? O que tinha de especial nessa montagem?
São projeções diferentes. Com o Muito Barulho, aparecemos para o Brasil. No Fábulas, ganhamos os principais prêmios do segmento no país. E com o Ricardo, tivemos um espaço muito especial nos grandes festivais brasileiros, abrindo vários deles (Curitiba, Brasília, Rio Preto e Belo Horizonte), e um espaço na mídia nacional também inédito. Acho que o Muito Barulho foi um trabalho que, por um lado, mostrou ao país que era possível se fazer um teatro de qualidade em Natal. Acredito que foi um choque, no melhor sentido da palavra. Por outro lado, a força do trabalho era a solaridade do grupo, em especial naquele momento de juventude dos integrantes. Acho que é um espetáculo um tanto naïf, e por isso também ele ganha um charme a mais. Temos a intenção de em 2013 remontá-lo, para que participe das atividades de comemoração dos 20 anos do grupo.
O capitão e a sereia é baseado na obra de um pernambucano e tem o cavalo marinho como inspiração. Foto: Maurício Cuca
O capitão e a sereia teve profissionais de oito estados envolvidos. Como foi isso? Como vai ser reapresentar esse espetáculo aqui? O Capitão foi um processo muito especial, sem dúvida o mais próximo do que consideramos o ideal. Conseguimos formar uma equipe de grande qualidade, inclusive com a participação fundamental de dois pernambucanos, o Helder Vasconcelos e o André Neves. Apesar de ser baseado na obra de um pernambucano e ter o cavalo marinho como inspiração, o Capitão ainda é inédito em Recife! Estamos muito ansiosos em poder levá-lo ao Janeiro, porque serão duas estreias na capital pernambucana.
Vocês estiveram muito próximos do Galpão ao menos em duas ocasiões: Muito barulho por quase nada e O casamento do pequeno-burguês. Qual a importância do Galpão no trabalho de vocês? Ou mais especificamente do Eduardo Moreira?
Começamos a fazer teatro sob a influência direta do Galpão. Eles sempre foram a nossa maior referência, seja no aspecto estético, poético, seja no organizacional, de gestão. O Eduardo foi o elo de aproximação da gente com eles, mas depois desses dois trabalhos temos uma relação muito íntima, seja no compartilhamento dos mesmos parceiros – como no caso do Ernani Maletta, Babaya, Gabriel Villela, Mona Magalhães, Francesca della Monica -, seja na troca constante que temos com eles. Para nós é uma honra imensurável poder hoje ter como parceiros e amigos aqueles que um dia foram nossos ídolos “inatingíveis”.
O casamento do pequeno burguês, montada em 2006
Qual a importância do teatro infantil na trajetória de vocês?
Apesar de termos tido algumas outras experiências menores, de fato a nossa relação com o teatro infantil se concentra no Fábulas. Foi uma experiência muito marcante, que ampliou nossa compreensão do fazer teatro e trouxe frutos especiais. No entanto, apesar de ter sido muito bom para nós, hoje não temos encontrado sentido em seguir nessa seara, pelos desejos e inquietações que povoam nosso imaginário hoje.
Qual a relação de vocês com Recife? Quando vieram ao Janeiro pela primeira vez? Porque iniciar essa comemoração aqui?
Sempre fomos muito bem recebidos no Recife, e em especial nessa dobradinha Janeiro de Grandes Espetáculos/Teatro Santa Isabel. Acho que fomos pela primeira vez em 2005, com Muito Barulho, e voltamos com Roda Chico, ambos para abrir o Janeiro. Foram apresentações muito marcantes pra nós. Agora, estamos numa grande expectativa, porque será muito especial abrir os 20 anos no Janeiro, no Santa Isabel, estreando o Hamlet e conseguindo levar, finalmente, o Capitão para Recife. Além desses motivos, e da própria questão do calendário, pelo Janeiro ser o primeiro grande festival brasileiro no ano, estávamos também devendo essa ida. A Paula de Renor tentava nos levar de novo há alguns anos, mas em geral estamos de férias nesse período. Quando ela nos convidou para a edição do ano passado, e tive que declinar mais uma vez porque iríamos para o Santiago a Mil, no Chile, me comprometi com ela a levar uma série de atividades para lançar os 20 anos nesta edição de 2013, e que bom que o Janeiro apostou e tudo deu certo!
Quais são as preocupações estéticas e conceituais do Clowns hoje com relação ao teatro? Que teatro vocês querem fazer? O que discutir hoje?
Essa é uma pergunta difícil de responder, tanto pela complexidade que exige para respondê-la, quanto pelo fato que está em constante transformação. Em determinado momento, quando o grupo completou dez anos, acho que a nossa principal atitude política era provar, para os outros e para nós mesmos, que era possível fazer um teatro de qualidade no Nordeste, no Rio Grande do Norte, em Natal. Naquele momento, isso já bastava, era suficiente. É nesse contexto que surge o Muito Barulho, o Fábulas, o Casamento. No entanto, cumprida essa etapa, as demandas vão se tornando cada vez mais exigentes. Hoje não conseguimos conceber um teatro que não tenha uma relação direta com o pensamento. Algumas questões vêm nos provocando, como o papel do artista latinoamericano, ou como encaramos o passar do tempo, para proporcionarmos um envelhecimento, dos integrantes e do grupo, que possibilite que nos reinventemos, que mantenhamos vivo e renovado o sentido de fazermos teatro dentro dos Clowns. É nessa perspectiva que as questões estéticas precisam se alinhar.
E porque os Clowns insistem em fazer teatro?
Acredito que insistimos porque é no teatro que encontramos o nosso lugar no mundo, é a nossa forma de nos reconhecermos, propormos reflexões e idealizarmos transformações. É nessa perspectiva coletiva, que tanto anda no contrafluxo do que a lógica estabelecida tenta nos empurrar, que nos legitimamos como artistas e como cidadãos.
Eduardo Moreira, um dos fundadores do grupo Galpão. Foto: Adalberto Lima
Tem mais Minas em Pernambuco! Eduardo Moreira, um dos fundadores do Galpão, está no Recife para discutir teatro de grupo – mais especificamente o tema: A trajetória do Grupo Galpão e as alternativas do teatro de grupo no Brasil. Eduardo aproveita também para lançar o livro Grupo Galpão – Uma história de encontros (R$ 50). Será hoje, às 19h30, na Caixa Cultural, no bairro do Recife.
Já tem um bom tempo que o Galpão não vem ao Recife com espetáculo. Se não me engano, a última vez foi com Till, a saga de um heroi torto. Não vimos por aqui, por exemplo, as peças do projeto Viagem a Tchékhov. Teve Tio Vânia (aos que vierem depois de nós), sob direção de Yara de Novaes, que estreou ano passado (com crítica aqui no Yolanda) e Eclipse – esta última com direção, dramaturgia, cenografia, figurino e treinamento do diretor russo e professor russo Jurij Alschitz. É uma lacuna que os produtores da cidade bem que poderiam ajudar a resolver!
E em junho do ano que vem provavelmente tem espetáculo novo. O Galpão, que completou 30 anos, entra daqui a pouco em novo processo de montagem. O gigante da montanha, de Pirandello, terá direção de Gabriel Villela.
Eduardo está vindo ao Recife através de um programa de ação cultural da FIAT Automóveis em parceria com o Sempre um Papo no Recife, com apoio da Lei Federal de Incentivo à Cultura. A ideia da empresa é realizar um intercâmbio entre os dois estados brasileiros que sediam fábricas da montadora.
Serviço:
Minas – Pernambuco – Sempre um Papo com Eduardo Moreira do Grupo Galpão Quando: hoje, às 19h30 Onde: Caixa Cultural Recife (Avenida Alfredo Lisboa, 505, Praça do Marco Zero) Informações: (31) 3261.1501 Entrada: gratuito. O livro custa R$ 50
Probido retornar, do grupo Teatro Invertido, no Trema! Foto: Pollyanna Diniz
“Cheiro tem história e memória…”
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Nos últimos dois meses senti cheiro de Sertão. De terra seca, mato e alecrim. Lembrei muito desses cheiros ontem quando vi Proibido retornar, do grupo Teatro Invertido, de Belo Horizonte, dentro da programação do Trema!.
O cheiro do Sertão me trouxe de volta a senhorinha toda arrumada, de blush e batom, que me recebeu com o sorriso mais largo desse mundo, mas logo me disse que não tinha água para cozinhar naquele dia. Que a cisterna estava quase seca. E que precisava visitar a filha, que estava de cama depois de uma crise de epilepsia.
O cheiro me trouxe de volta uma família que mora na principal e única avenida de Caiçarinha da Penha, um distrito de Serra Talhada. O pai, talvez parecesse 70, mas não tinha tudo isso. Sentado na calçada, a vida passando só ali em frente. Engatei uma conversa e logo estava na sala – ele me pedindo para tirar uma foto dele com aquele retrato pintado – ele e a mulher, noutros tempos, bem mais novos. Da época do casamento. A neta na barra da calça com os olhinhos curiosos. Lembro que voltei lá depois disso; recebi um abraço como se há muito fosse conhecida e minha falta tivesse sido sentida.
Lembrei da Extrema – um povoado de dez casinhas coloridas e igreja. No meio do tempo. No meio do tudo. No meio do nada. Um caminho lindo até lá.
Lembrei da jovem mãe de um distrito chamado Malhada. 28 anos. Dois filhos. Olhar envergonhado, mas destemido, se é que essa contradição é possível. Conversávamos sobre a educação dos filhos dela. Lá pelas tantas, escuto algo do tipo: “as minhas esperanças se perderam neste lugar. Tenho medo que com os meus filhos aconteça a mesma coisa. Queria ter saído daqui. Foi a vida que não deixou?”. A jornalista já não estava mais na sala.
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Espetáculo traz a história do retirante Moacir, que vai parar na construção civil
O tempo vai e volta em Proibido retornar. Um movimento que faz muito bem ao espectador, que se desgruda da linearidade na qual o texto poderia cair. É uma história por demais conhecida. De um retirante que saiu do interior, foi parar na construção civil e acabou mendigo nas ruas da cidade grande. Dos pilares que compõem a montagem, o texto é, aliás, o que mais nos deixa a desejar. Porque é um discurso maniqueísta, não apresenta nada de novo e esbarra nas imagens já pré-fixadas na nossa mente. O ingênuo homem do campo que sonha em ser gente, a cidade grande e os seus personagens tão cruéis, o arranha-céu opressor.
Quando o texto toma mais força é quando ele se volta para o interior. Interior geográfico e interior humano. Quando fala de um Sertão que geralmente as pessoas só ouviram falar. Quando deixa que a história alcance a poesia simples. Claro que as quebras são fundamentais à proposta do grupo e à encenação – mas o homem morto atrapalhando o tráfego é uma imagem por demais mastigada.
Leonardo Lessa e Robson Vieira
São quatro atores em cena que se revezam em alguns papéis. Moacir Ferreira da Silva, 22 anos, é o garoto que sonha em estudar e crescer. Que aprendeu com a mãe que estar vestido já é lucro pra quem nasceu nu. Tem a mãe, o pai. A empregadora que oprime. Os atendentes de um bar.
É a encenação que garante a força da montagem. A escolha por atiçar os sentidos. O cheiro – que pode ser de Vick ou um fedor insuportável de carniça. O gosto da rapadura. A zoada da britadeira. A ida e volta no tempo. O ritual da areia preta escorrendo pelo corpo do ator nu.
E também algo que comentei quando escrevi sobre Aquilo que meu olhar guardou para você. Talvez o público não queira convite para estar no meio da encenação. Ele simplesmente está. Proibido retornar é assim. Quando menos esperamos, somos “despejados”. Aqueles locais ocupados serão demolidos – precisamos sair rápido. Não temos mais lugar – a não ser o palco. E olhe que houve quem resistisse muito e brigasse com o ator – o que deixou a encenação muito mais viva. “Ei..não bata nele”, gritava a senhora, antes público, agora ocupando outro papel.
Talvez seja mesmo Proibido retornar. Desse caminho que nos leva a outro teatro, a outra forma de enxergar aquele com o qual lidamos.
Dramaturgia e direção são coletivas
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Os atores do Grupo Teatro Invertido se encontraram, como o Magiluth, na universidade, em 2004. Eles já têm cinco espetáculos no repertório: Nossa pequena Mahagonny (2003), Lugar cativo (2004), Medeiazonamorta (2006), Proibido retornar (2009) e Estado de coma (2010). Proibido retornar é o primeiro espetáculo escrito e dirigido só por integrantes do grupo, num processo de criação coletiva. Esta é a primeira vez que eles se apresentam no Recife.
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Assim como o grupo Quatroloscinco, o Teatro Invertido também fez um oferecimento da montagem à atriz Cecília Bizotto, brutalmente assassinada durante um assalto em Belo Horizonte, na madrugada do domingo.
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Na construção civil
Ficha técnica Proibido Retornar
Direção e dramaturgia: Camilo Lélis, Kelly Crifer, Leonardo Lessa, Rita Maia e Rogério Araújo Atuação: Kelly Crifer, Leonardo Lessa, Rita Maia e Robson Vieira Preparação corporal: Leandro Acácio Preparação vocal: Ana Haddad Cenários e figurinos: Paolo Mandatti e Camila Morena Iluminação: Felipe Cosse Trilha sonora: Ricardo Garcia Produção executiva: Natália Domas
Serviço: Proibido retornar
no Trema! Festival de Teatro de Grupo do Recife Quando: quinta-feira (11), às 19h Onde: Teatro Marco Camarotti, Sesc Santo Amaro Quanto: R$ 20 e R$ 10 (meia-entrada)
O Magiluth é geração Y. Querem viver tudo, intensamente, rápido. Não esperam acontecer. Vão lá e fazem.
São articulados, constróem redes, se jogam. Agora, eles concretizaram mais um projeto: o Trema! Festival de Teatro de Grupo do Recife, que começou na última segunda e segue até o dia 14 na capital pernambucana. O Trema! é fruto das andanças do grupo pelo país, do convívio com outros coletivos, da vontade de sair da mesmice. O Satisfeita, Yolanda? adorou a ideia e virou parceiro do festival. Vamos tentar aqui estabelecer um diálogo sobre as montagens e sobre o que é fazer teatro para esta geração. Começamos com uma entrevista com Pedro Vilela, ator e diretor do Magiluth.
ENTREVISTA // PEDRO VILELA – ATOR E DIRETOR DO GRUPO MAGILUTH
Recife já tem muitos festivais! Porque fazer mais um?
O Trema! é pensando não para ser mais um evento que agrega produções distintas na cidade. Ele é pensado com um recorte de pensamento e com uma linha de atuação bastante específica. Antes de ser um evento, é a possibilidade de congregarmos pesquisas e pensamento perante o teatro de grupo. Cada vez mais, os grupos teatrais no país vêm buscando a criação de redes internas de circulação e compartilhamento e não possuímos em nossa cidade nada parecido.
Qual foi o critério que vocês usaram para escolher as montagens?
Esta primeira edição do Trema! esta muito pautada no desejo do encontro. Como unir numa cidade como Recife, sem nenhum edital aprovado, todos estes coletivos? Ativamos uma rede de encontros que só foi possível porque encontramos parceiros desejosos. São grupos que encontramos em nossas circulações e que por afinidades estéticas e de modo de produção resolvemos unir para compreendermos melhor e aprofundarmos estas relações. Também está pautada na possibilidade de oferecer ao público do estado trabalhos que não se encontram nas grandes rotas do teatro. Esteticamente dialogam muito por abordarem questões que passam pela política e pelo existencial. Assim como no Aquilo (nosso espetáculo escolhido), os espetáculos também lidam com questionamentos sobre os limites entre realidade e ficção; sobre a relação entre memória e história; e sobre os conflitos entre o universo particular e o coletivo.
Quando a gente pensa em festival, lembra logo de grana; com que grana vocês vão fazer o festival?
Nosso festival não possui incentivo financeiro de nenhum órgão federal, municipal ou estadual. As parcerias criadas são com instituições e empresas privadas. Recebemos o apoio fundamental de duas instituições: o SESC, que possibilitou a hospedagem para todos os coletivos; e o Programa Rumos Itaú, que nos ofereceu oficinas e o documentário. Os grupo que estão aportando no Recife possuem projetos de circulação aprovados e solicitaram aos órgãos responsáveis para mudarem a rota e virem a Recife. Ou seja, não estamos visando lucros. Estamos todos trabalhando, sem recursos, inclusive colocando dinheiro do Magiluth na produção para ativarmos esta rede de encontro e compartilhamento.
Aquilo que meu olhar guardou para você, na temporada do Teatro Joaquim Cardozo. Foto: Ivana Moura
Pensando que as relações são tão líquidas, como adoramos lembrar no teatro, porque você acha que o teatro de grupo ainda sobrevive?
Simplesmente porque é nele que reside nossa base de subsistência. Estar em Teatro de Grupo é acima de qualquer coisa um posicionamento político, e hoje cada vez mais temos medo de nos posicionarmos. Preferimos a liberdade de estar aqui hoje e amanhã em outro lugar. Tomamos esta decisão há oito anos: a de estarmos juntos em todos os lugares, lutando juntos. Este é o modo de produção que acreditamos e que a história nos mostra todo dia. Se olharmos para a história de nossa arte, tudo que aconteceu de interessante veio de grupos. Até mesmos os grandes encenadores e teóricos precisaram de grupos para colocar em prática seus pensamentos.
Qual o tipo de teatro que o Magiluth quer fazer hoje?
Temos a preocupação de realizar obras que dialoguem com nosso tempo, sem pudores ou limites de abordagens. Desejamos comunicar, sermos ouvidos, dialogar. Compreender também para onde nossa arte aponta e nosso estar no mundo enquanto artistas.
Sei que vocês estão maturando a ideia de ter uma sede que possa abrigar espetáculos; isso já está acontecendo com alguns grupos da cidade. Como está esse projeto?
Estamos em estudos para darmos este próximo passo. Todas as nossas ações, por estarmos em grupo, são pautadas a longo prazo. Não podemos dar passos maiores do que as pernas, pois hoje contamos com uma estrutura física-financeira grande que temos que dar conta. Trabalhamos com um núcleo de cinco atores com salários em dia, plano de saúde, sede alugada, 05 espetáculos em repertório, 05 profissionais colaboradores e atualmente obrigados a nos ausentar muito de nossa cidade. Mas a ideia é sim termos um espaço que abrigue nosso repertório e que principalmente abrigue novas produções da cidade. Queremos muito contactar os novos grupos, aqueles que passam hoje pelo que passamos no início. Mas o projeto da sede esta próxima. Assim desejamos. Quem sabe em 2013?
PROGRAMAÇÃO TREMA!
QUARTA-FEIRA / 10.out
14h às 17h
Oficina Meus delírios, meus delitos
Teatro Kunyn (SP)
Local: Espaço Magiluth – Recife Antigo
Proibido retornar. Foto: Juliana Palhares
19h Proibido Retornar
Grupo Teatro Invertido (MG)
Local: Teatro Camarotti – Sesc Santo Amaro
20h
Lançamento do livro Cenas Invertidas – Dramaturgias em Processo
Grupo Teatro Invertido (MG)
Local: Teatro Camarotti – Sesc Santo Amaro
QUINTA-FEIRA / 11.out
19h Proibido Retornar
Grupo Teatro Invertido (MG)
Local: Teatro Camarotti – Sesc Santo Amaro
21h Aquilo que meu olhar guardou para você
Grupo Magiluth (PE)
Local: Teatro Apolo – Recife Antigo
SEXTA-FEIRA / 12.out
9h30 às 12h30 e das 14h às 17h
Oficina Rumos Teatro
Narrativas urbanas na terra sem lei
Núcleo Argonautas (SP) e Cia Senhas (PR)
Local: Espaço Magiluth – Recife Antigo
Dizer e não pedir segredo. Foto: Adalberto Lima
19h Dizer e não pedir segredo
Teatro Kunyn (SP)
Local: Espaço Cênicas – Recife Antigo
SÁBADO / 13.out
9h30 às 12h30 e das 14h às 17h
Oficina Rumos Teatro
Narrativas urbanas na terra sem lei
Núcleo Argonautas (SP) e Cia Senhas (PR)
Local: Espaço Magiluth – Recife Antigo
19h Dizer e não pedir segredo
Teatro Kunyn (SP)
Local: Espaço Cênicas – Recife Antigo
a partir das 22h
Festa de Encerramento do TREMA!
Restaurante Sétima Arte
Local: Rua Capitão Lima, 195, Santo Amaro
DOMINGO / 14.out
15h
Documentário Evoé! Retrato de um Antropofágico
Direção: Tadeu Jungle e Elaine Cesar
110 min/ Classificação: 16 anos
Local: Centro Cultural Correios – Recife Antigo
19h Dizer e não pedir segredo
Teatro Kunyn (SP)
Local: Espaço Cênicas – Recife Antigo