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Na pandemia, somos todos Caipora
Crítica do espetáculo Caipora quer dormir

Caipora quer dormir, espetáculo com atuação de Giselle Rodrigues. Foto: Diego Bresani

Casa virou local de trabalho, que depois se transforma em restaurante, que vira academia, que pode ser também cinema, sala de teatro, boate de luzes coloridas, igreja e até consultório médico. E olhe que estamos falando de “casa” sendo mais generalistas já que, em terra de pandemia, quem tem espaço, varanda, quintal, ar puro, céu, sol e estrelas é rei. Caipora quer dormir – um espetáculo infantil para adultos estreou em 2017, em Brasília, bem antes dessa loucura que modificou tanto nossas vidas, os contextos familiares, as relações de trabalho. Mas é um espetáculo que, neste momento, expande seus contornos e possibilidades semânticas.

A gravação do espetáculo foi exibida no primeiro fim de semana do 27ª Janeiro de Grandes Espetáculos, uma edição que está acontecendo tanto em formato on-line quanto presencial. Confira aqui a programação.

Um dos elementos que mais nos chama atenção e desperta a curiosidade é a cenografia da montagem. Um apartamento rosa cheio de detalhes que pode ser comparado àqueles de revistas e contas de Instagram de decoração com chamadas “convidativas” do tipo: aprenda como viver “bem” em 10 metros quadrados, com o guarda-roupa que está escondido na parede, a cama que sai de num sei onde, a cozinha que é integrada e fica escondida em algum lugar. Das mágicas que construtoras e arquitetos conseguem fazer para que você ache que o lugar é maravilhoso, mesmo que toda sua extensão termine depois de três passos largos.

A casa de Caipora é exatamente assim – um espaço mínimo, mas com muitas soluções engenhosas, como se a vida se encaixasse perfeitamente em tudo que está disponível ali, naquele quadrado. Para amplificar as identificações que possam ter surgido ao longo dessa descrição, vai aqui mais uma informação: as plantas dispostas pelo cômodo dão a sensação de aconchego e de algum contato mínimo com a natureza.

O problema é que, no nosso caso (ou de muitas pessoas), estamos isolados em lugares mais ou menos assim por quase um ano. A sensação de claustrofobia, de não aguentar mais olhar para as quatro paredes, é gigantesca – ainda que a gente saiba que tragédia mesmo é morrer dentro de um hospital por falta de oxigênio como neste momento está acontecendo no Amazonas. Tragédia é viver num país que não tem governo e deixou que perdêssemos mais de 200 mil vidas numa pandemia.

Caipora volta do trabalho carregada de livros e, nesse intervalo, até que seja obrigada a sair de novo, uma vida inteira de tarefas acontece. Dobrar lençóis, fazer ginástica, estudar.  Só que Caipora está exausta, enclausurada nas obrigações cotidianas que nos acostumamos a tratar como normais na nossa vida. E que acabam preenchendo muito do nosso tempo. Como se a vida fosse só isso. Trabalhar, pagar boleto, lavar prato, ver a série que acabou de sair na Netflix, postar o por do sol no Instagram. Vamos nos habituando, resilientes que somos, e quando vemos, perdemos o controle. Levanta a mão quem não recebe mensagens de WhatsApp falando sobre trabalho depois do horário comercial ou quem não sente os efeitos da exposição prolongada às redes sociais. Se os limites já eram difíceis de serem mantidos, com a pandemia tornaram-se frágeis, esfumaçados.

Personagem está exaurida pelas tarefas do cotidiano

A montagem é uma parceria de dois nomes significativos na cena de Brasília: Giselle Rodrigues, coreógrafa, bailarina, atriz e professora, e Jonathan Andrade, ator, dramaturgo, professor, poeta, dançarino, cenógrafo.  Criação, direção, dramaturgia, cenografia e figurino de Caipora quer dormir são assinados por Andrade e a criação e atuação são de Giselle. Glauber Coradesqui fez colaboração dramatúrgica e assistência de direção.

O espetáculo quase não possui falas da personagem Caipora. O trabalho está baseado num trabalho elaborado de corpo de Giselle. São padrões de repetição, movimentações, uma cansaço que vai se tornando desesperador que ela consegue transmitir até na gravação da peça. A personagem é acompanhada por um narrador, como aqueles de desenhos animados, que conversa com a personagem, que pode ou não ser a nossa voz interior que não se cala nunca.

Por que não dormimos? Conseguimos descansar neste país? No limite da personagem, uma ruptura. Uma busca pelo que é inerente. Neste momento, mais do que nunca, precisamos de árvores plantadas no meio da sala. Precisamos nos reconectar com o que mais importa enquanto, tomara, meu Deus tomara, tudo isso passe.

Ficha técnica:
Caipora quer dormir – um espetáculo infantil para adultos
Criação, direção, dramaturgia, cenografia e figurino: Jonathan Andrade
Criação e atuação: Giselle Rodrigues
Colaboração dramatúrgica e assistência de direção: Glauber Coradesqui
Narração: Lupe Leal
Trilha sonora original: Quizzik
Iluminação original: Dalton Camargos
Ilustração e programação visual: Lucas Gehre
Fotografia: Diego Bresani
Produção executiva e gestão administrativa/financeira: Naná Maris
Cenotécnico: Kai Christian Kundrat
Operação de som: Micheli Santini
Operação de luz: Ananda Giuliani
Contrarregra: Jeferson Alves
Cinegrafista: Fernando Soares
Intérprete de libras: Isah Messias
Arte-educador: Wellington Oliveira
Projeto Escola: Lidi Leão

 

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Teatros latino americano e africano no Distrito Federal

Dani Barros ganhou prêmio Shell com Estamira. Foto: Luis Alberto Gonçalves

Ano passado, o Satisfeita, Yolanda? acompanhou um fim de semana do festival Cena Contemporânea, de Brasília. E foi muito bom não só conferir os espetáculos, conversar com artistas e diretores, mas perceber o quanto a cidade se envolve com o festival. Os teatros são lotados e o festival monta um palco na Praça do Museu Nacional da República que serve como ponto de encontro para os artistas e reúne o público – aquele que vai ou (ainda) não ao teatro. É uma mostra que, ao que parece, consegue se renovar; o desafio que hoje enfrenta o Festival Recife do Teatro Nacional.

Em sua 13ª edição, o Cena Contemporânea está realizando um festival especial, em parceria com o FLAAC – Festival Latino Americano e Africano de Arte e Cultura, da Universidade de Brasília. A programação começa hoje e segue até o dia 29 de julho. Serão 20 espetáculos de teatro e dança e sete shows. As montagens são de países como México, Espanha e África do Sul e de vários lugares do país.

Começando por uma que já foi apresentada aqui no Recife: Foi Carmen, uma homenagem de Antunes Filho a Carmem Miranda e ao mestre do butô, Kazuo Ohno. É um espetáculo difícil, quase videoarte no palco. Do Brasil ainda tem montagens como Estamira, trabalho pelo qual Dani Barros ganhou o prêmio Shell de melhor atriz; Porque a criança cozinha na polenta e Luis Antonio – Gabriela, do grupo Munguzá; Trabalhos de amores quase perdidos, de Pedro Brício; e (Des)conhecidos, de Igor Angelkorte.

Trabalhos de Amores Quase Perdidos, de Pedro Brício. Foto: Cabéra

Dos internacionais, queria ver Villa y discurso, do chileno Guilhermo Calderón. O release diz que são dois espetáculos num só: “no primeiro uma discussão sobre o que fazer com o prédio que abrigou o principal centro de tortura e extermínio da ditadura Pinochet; no segundo, um fictício discurso de despedida da ex-presidenta Michelle Bachelet, ela mesma perseguida e torturada, tentando entender por que não havia conseguido implementar seus planos de justiça social num mundo dominado pelo livre mercado”.

O Cena Contemporânea tem direção e curadoria de Guilherme Reis. O patrocínio é da Petrobras, Caixa, Centro Cultural Banco do Brasil e Fundo de Apoio à Cultura.

Segue a programação:

17/07(terça):
20h – Estamira (Dani Barros/RJ) – Teatro Eva Herz – Livraria Cultura – Shopping Iguatemi
21h – Mi vida después (Lola Arias/Argentina) – Teatro Plínio Marcos – Funarte
21hFoi Carmen Miranda – Grupo de Teatro Macunaíma & Centro de Pesquisa Teatral do SESC (SP) – Sala Martins Pena – Teatro Nacional Claudio Santoro

18/07 (quarta)
19h às 22h – Outra Frequência – Audio-performance para Dois (BiNeural MonoKultur – Alemanha/Argentina) – Praça do Museu Nacional da República
19h30 – Sobre Trutas, Cibalenas e Olhares – BR S.A. Coletivo de Artistas (DF) – CCBB – Teatro II
20h – Criolina champagne – Praça do Museu Nacional da República
20h – Estamira (Dani Barros/RJ) – Teatro Eva Herz – Livraria Cultura – Shopping Iguatemi
21h – Mi vida después (Lola Arias/Argentina) – Teatro Plínio Marcos – Funarte
21h – Foi Carmen Miranda – Grupo de Teatro Macunaíma & Centro de Pesquisa Teatral do SESC (SP) – Sala Martins Pena – Teatro Nacional Claudio Santoro
21h30 – Qualquer coisa eu como um ovo – Companhia Setor de Áreas Isoladas (DF) – Teatro Goldoni

19/07 (quinta):
19h às 22h – Outra Frequência – Audio-performance para Dois (BiNeural MonoKultur – Alemanha/Argentina) – Praça do Museu Nacional da República
19h30 – Sobre Trutas, Cibalenas e Olhares – BR S.A. Coletivo de Artistas (DF) – CCBB – Teatro II
21h –Mi vida después (Lola Arias/Argentina) – Teatro Plínio Marcos – Funarte
21h30 – Qualquer coisa eu como um ovo – Companhia Setor de Áreas Isoladas (DF) – Teatro Goldoni
22h – Sistema Criolina – Praça do Museu Nacional da República

20/07 (sexta)
19h às 22h – Outra Frequência – Audio-performance para Dois (BiNeural MonoKultur – Alemanha/Argentina) – Praça do Museu Nacional da República
20h – Villa y Discurso (G. Calderón/Chile) – Teatro Eva Herz – Livraria Cultura do Shopping Iguatemi
21h – Every year, every day, I’m walking (Magnet Theatre/África do Sul) – Teatro CCBB
21h – EnOtra Parte (L’Explose/Colômbia) – Sala Martins Penna – Teatro Nacional Claudio Santoro
22h – Criolina Brasil – Praça do Museu Nacional da República

21/07 (sábado)
18h – O Corpo é a Mídia da Dança? – Outras Partes (Vanilton Lakka/MG) – Teatro II CCBB
19h às 22hOutra Frequência – Audio-performance para Dois (BiNeural MonoKultur – Alemanha/Argentina) – Praça do Museu Nacional da República
20h – Villa y Discurso (G. Calderón/Chile) – Teatro Eva Herz – Livraria Cultura do Shopping Iguatemi
21h – EnOtra Parte (L’Explose/Colômbia) – Sala Martins Penna – Teatro Nacional Claudio Santoro
21h – Every year, every day, I’m walking (Magnet Theatre/África do Sul) – Teatro CCBB
21h30 – A Carne do Mundo – Companhia B de Teatro (DF) – Teatro Goldoni
22h – Criolina Brasil – Praça do Museu Nacional da República

Every day, every year, I'm walking. Foto: Eric Nathan

22/07 (domingo)
18h – O Corpo é a Mídia da Dança? – Outras Partes (Vanilton Lakka/MG) – Teatro II CCBB
19h – Villa y Discurso (G. Calderón/Chile) – Teatro Eva Herz – Livraria Cultura do Shopping Iguatemi
19h às 22hOutra Frequência – Audio-performance para Dois (BiNeural MonoKultur – Alemanha/Argentina) – Praça do Museu Nacional da República
20h – Every year, every day, I’m walking (Magnet Theatre/África do Sul) – Teatro CCBB
21h30 – A Carne do Mundo – Companhia B de Teatro (DF) – Teatro Goldoni

23/07 (segunda):
18h – O Corpo é a Mídia da Dança? – Outras Partes (Vanilton Lakka/MG) – Teatro II CCBB
19h às 22h – Outra Frequência – Audio-performance para Dois (BiNeural MonoKultur – Alemanha/Argentina) – Praça do Museu Nacional da República
21h – Trabalhos de Amores Quase Perdidos – Pedro Bricio (RJ) – Sala Martins Pena – Teatro Nacional Claudio Santoro

24/07 (terça):
19h às 22hOutra Frequência – Audio-performance para Dois (BiNeural MonoKultur – Alemanha/Argentina) – Praça do Museu Nacional da República
21h – Trabalhos de Amores Quase Perdidos (Pedro Brício/RJ) – Sala Martins Penna – Teatro Nacional Claudio Santoro

25/07 (quarta):
19h às 22h – Outra Frequência – Audio-performance para Dois (BiNeural MonoKultur – Alemanha/Argentina) – Praça do Museu Nacional da República
19h30 – (Des) Conhecidos – Probástica Cia. de Teatro (RJ) – CCBB – Teatro II
21h – Apple Love – Cia. Iker Gómez (Espanha) – CCBB – Teatro
22h – Ilê Aiyê – (Bahia) + Paula Lima (SP) – Praça do Museu Nacional da República
23h30 – Sistema Criolina (DF) e BerlinLOOPBrasil (Alemanha) – Praça do Museu Nacional da República

El Rumor del Incendio. Foto: Andrea López

26/07 (quinta):
19h às 22h – Outra Frecuencia – Audio-performance para Dois – BiNeural MonoKultur (Argentina/ Alemanha) – Praça do Museu Nacional da República
19h30 –
(Des) Conhecidos – Probástica Cia. de Teatro (RJ) – CCBB – Teatro II
21h – Apple Love – Cia. Iker Gómez (Espanha) – CCBB – Teatro
21h – Por Que a Criança Cozinha na Polenta – Cia. Mugunzá de Teatro (SP) – Complexo Cultural da Funarte (Teatro Plínio Marcos)
21h30 – El Rumor del Incendio – Lagartijas Tiradas al Sol (México) – Sala Multiuso – Espaço Cultural 508 Sul
22h – GOG (DF) e Batalha de Rimas (DF) – Praça do Museu Nacional da República
23h30 – Sistema Criolina (DF) e BerlinLOOPBrasil (Alemanha) – Praça do Museu Nacional da República

27/07 (sexta):
17h – Café Frágil – La Casa Incierta (Espanha/Brasil) – Teatro Eva Herz da Livraria Cultura (Shopping Iguatemi)
19h às 22h Outra Frecuencia – Audio-performance para Dois – BiNeural MonoKultur (Argentina/ Alemanha) – Praça do Museu Nacional da República
19h30 – Vestida de Mar – AUGE Produções Artísticas (DF) – Teatro Goldoni
19h30 – (Des) Conhecidos – Probástica Cia. de Teatro (RJ) – CCBB – Teatro II
21h – La Beauté del Diable – Koffi Kôkô (Benim) – Sala Martins Pena – Teatro Nacional Claudio Santoro
21h – Luis Antonio – Gabriela – Cia. Mugunzá de Teatro (SP) – Complexo Cultural da Funarte (Teatro Plínio Marcos)
21h – (Des) Conhecidos – Probástica Cia. de Teatro (RJ) – CCBB – Teatro II
21h30 – El Rumor del Incendio – Lagartijas Tiradas al Sol (México) – Sala Multiuso – Espaço Cultural 508 Sul
21h30 – Mobamba (O que eu sou quando sou samba?) – Cia. Márcia Duarte/UnB (DF)- Praça do Museu Nacional da República
22h30 – Puerto Candelaria (Colômbia) – Praça do Museu Nacional da República
23h30 – Sistema Criolina (DF) e BerlinLOOPBrasil (Alemanha) – Praça do Museu Nacional da República

28/07 (sábado):
17h – Café Frágil – La Casa Incierta (Espanha/Brasil) – Teatro Eva Herz da Livraria Cultura (Shopping Iguatemi)
19h às 22h – Outra Frecuencia – Audio-performance para Dois – BiNeural MonoKultur (Argentina/ Alemanha) – Praça do Museu Nacional da República
19h30 – Vestida de Mar – AUGE Produções Artísticas (DF) – Teatro Goldoni
19h30 (Des) Conhecidos – Probástica Cia. de Teatro (RJ) – CCBB – Teatro II
21h – La Beauté del Diable – Koffi Kôkô (Benim) – Sala Martins Pena – Teatro Nacional Claudio Santoro
21h – Luis Antonio – Gabriela – Cia. Mugunzá de Teatro (SP) – Complexo Cultural da Funarte (Teatro Plínio Marcos)
21h – AMASSA! – Cia. Contém Glúten (DF) – CCBB – Teatro
21h30 – El Rumor del Incendio – Lagartijas Tiradas al Sol (México) – Sala Multiuso – Espaço Cultural 508 Sul
22h – Gaby Amarantos (PA) – Praça do Museu Nacional da República
23h30 – Sistema Criolina (DF) e BerlinLOOPBrasil (Alemanha) – Praça do Museu Nacional da República

29/07 (domingo):
17h – Café Frágil – La Casa Incierta (Espanha/Brasil) – Teatro Eva Herz da Livraria Cultura (Shopping Iguatemi)
17h – Mágicas – Lona Circo Teatro/Palhaça Matusquela (DF)
17h – Programação especial em parceria com o projeto TODOS OS SONS – DOMINGO CCBB – Marakamundi (DF), Ellen Oléria (DF) e Yusa (Cuba) – Praça do Museu Nacional da República
18h30 – (Des) Conhecidos – Probástica Cia. de Teatro (RJ) – CCBB – Teatro II
19h – Luis Antonio – Gabriela – Cia. Mugunzá de Teatro (SP) – Complexo Cultural da Funarte (Teatro Plínio Marcos)
19h – La Beauté del Diable – Koffi Kôkô (Benim) – Sala Martins Pena – Teatro Nacional Claudio Santoro
20h – AMASSA! – Cia. Contém Glúten (DF) – CCBB – Teatro

Café frágil. Foto: Carlos Laredo

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Velhos amigos de guerra

Montagem do grupo Cena traz três ex-combatentes que hoje vivem no asilo. Foto: João Rocha

Mesmo que o tempo seja implacável, que a memória falhe ou o corpo não corresponda, se os amigos estiverem por perto…ah, com eles as guerras podem ser enfrentadas. Sejam lutas imaginárias ou não. Gustavo (João Antônio), René (Chico Sant’Anna) e Fernando (William Ferreira) são três ex-combatentes vencidos pelos anos. Hoje, vivem num asilo e se encontram todos os dias no quintal para conversas interrompidas somente pelos desmaios de Fernando – cada vez mais frequentes -, que tem estilhaços de foguete na cabeça. Vi o espetáculo Heróis, do grupo Cena, no festival Cena Contemporânea, em Brasília.

É uma montagem que combina atores competentes, com trabalhos consolidados, e um texto que tem humor, ironia e só um pouco (sim, só um pouquinho) de melancolia para falar não só de velhice, mas principalmente de amizade. O texto é de Gérald Sibleyras, autor que nunca tinha sido montado no Brasil. Na Europa, ele é bastante conhecido – foi indicado diversas vezes ao Prêmio Molière, na França, recebeu o prêmio em 2010 pela adaptação que fez de 39 Degraus e venceu o Lawrence Olivier Awards de Melhor Comédia, na Grã-Bretanha, pela montagem de Heroes, traduzido para o inglês por Tom Stoppard e protagonizado por John Hurt. Aqui no Brasil, a adaptação foi feita por Carmen Moretzsohn.

Aliás, o Grupo Cena, criado em 2005, é especialista em montar textos de autores pouco conhecidos em terras brasileiras. Começaram se dedicando à dramaturgos latinoamericanos. Vieram Dinossauros e Fronteiras, de Santiago Serrano (em breve posto uma entrevista que fiz com ele) e Varsóvia, de Patrícia Suárez. Depois, em 2007, montaram uma adaptação do romance Os Demônios, de Fiodor Dostoievski, com direção de Antonio Abujamra e Hugo Rodas. As três primeiras montagens têm a assinatura do diretor Guilherme Reis, que em Heróis usou de delicadeza e humor para fugir de qualquer tom mais pesado que o tema velhice pudesse carregar em si mesmo.

Claro que a peça também é sobre limitações, sobre o poder – que se agora não é mais militar, é da irmã Madalena -, sobre impossibilidades. Mas há a esperança do amor, mesmo que de forma inocente, a tentativa de fuga, ainda que seja só para fazer um piquenique. Dos três, Gustavo é o mais ranzinza. Sempre tem resposta pra tudo. Fernando sofre com os desmaios e com a possibilidade de que o asilo abrigue outro idoso que nasceu na mesma data que ele, já que ele acredita que Dona Madalena não permite dois aniversários numa só data. E René é o mais romântico e mais lúcido. Os três atores têm uma interação muito fluida e as interpretações mantêm o mesmo nível, mas é impossível não destacar o trabalho de corpo de William Ferreira, que se transforma realmente num velho e cai o tempo inteiro.

A montagem fez temporada em Brasília e participou do festival. Por aqui, uma ótima oportunidade de trazê-los seria no Janeiro de Grandes Espetáculos (que tal, Paula de Renor?!). Este ano, o festival trouxe Dinossauros, com Carmem Moretzsohn e Murilo Grossi no elenco.

Heróis tem direção de Guilherme Reis. Foto: Leo Moreira

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Um jovem diretor (e ator) aos 70

Aderbal participou do II Encontro de Diretores de Teatro e do Cena Contemporânea, em Brasília. Foto: Sullian Princivali

Em 2010, ele dirigiu Macbeth, com um elenco encabeçado por Renata Sorrah e Daniel Dantas. Também levou aos palcos Orfeu da Conceição, de Vinícius de Moraes, com a colaboração dos diretores musicais Jaques Morelenbaum e Jaime Alem. Emendou com a peça Depois do filme, em que é autor, diretor e ator (há dez anos ele não atuava no teatro) e também com a direção de Na selva das cidades, que está em cartaz no CCBB do Rio de Janeiro e tem no elenco Daniel Dantas e Maria Luiza Mendonça.

O ritmo intenso de trabalho não denuncia a idade de Aderbal Freire-Filho, diretor cearense radicado no Rio de Janeiro: 70 anos. Já tinha entrevistado o diretor algumas vezes por telefone, mas foi nesta última edição do Cena Contemporânea, em Brasília, que tive a oportunidade de conhecê-lo pessoalmente. Aderbal participou do II Encontro de Diretores de Teatro (que teve como tema O diretor e o texto) e ainda apresentou a montagem Depois do filme nos dias 30 e 31. Como voltei de Brasília antes disso, fiz questão de acompanhar a demonstração de trabalho de Freire-Filho no Encontro de Diretores. A entrevista com o diretor tinha feito dias antes, por telefone, quando Marieta Severo e Andréa Beltrão vieram ao Recife para apresentar As centenárias.

No Encontro de Diretores, Freire-Filho voltou à década de 1970 para relembrar o Grêmio Brasileiro Dramático, grupo que mantinha quatro peças em cartaz ao mesmo tempo. “Foi a minha primeira tentativa de manter um grupo. Duas dessas peças eram do Roberto Athayde e duas do Flávio Márcio”, contou. Falou ainda do Centro de Demolição e Construção do Espetáculo, nos anos 1990, que estreou com uma experiência que marcaria toda a trajetória do diretor dali para frente: o romance-em-cena. O espetáculo era A mulher carioca aos 22 anos. “Era uma época em que havia uma discussão entre o teatro da palavra e o teatro da imagem. E eu queria as duas coisas juntas”, avalia. Mais de dez anos depois, vieram outras duas peças que levavam o romance inteiro à cena: O que diz Molero (que deve virar filme) e O púcaro búlgaro.

“Penso que o teatro pode muito, desde que o ator conquiste a cumplicidade do espectador para forçar a sua imaginação”, explicou o diretor. “Sinto absoluta necessidade de ter do ator a sua medida de ruptura, de quebra de ilusão. No cinema, a ilusão é contínua. Mas nesse teatro e no romance-em-cena, é descontínua e compartilhada. É um jogo permanente. Nada é estranho a essa arte do teatro cuja ilusão é tão tênue”. O diretor falava da capacidade dos atores de assumirem vários papeis na montagem. Exemplificou isso com dois textos: um de Roberto Bolaño e outro de Lobo Antunes.

Depois, fez uma ponte entre os seus trabalhos anteriores e Depois do filme. Foi muito bom porque tivemos a oportunidade de ver um pouquinho da peça, mesmo que de improviso. Algumas cadeiras (o cenário mesmo possui 15 cadeiras e ainda uma instalação com outras 15) foram levadas ao palco e Aderbal fez a primeira cena do espetáculo e também uma que se passa num famoso bar do Rio, Academia da Cachaça. Como ele diz na entrevista, apesar da peça ser um monólogo, são vários os personagens interpretados pelo ator num jogo de ilusão compartilhado, a partir do talento e técnica, pelo público. Aderbal, que não vem ao Recife desde a apresentação de O que diz Molero, disse que está com muita vontade de circular e a capital pernambucana está sim nesses planos.

Entrevista // Aderbal Freire-Filho

Você está voltando aos palcos como ator depois de um intervalo de dez anos e um filme que fala sobre a amizade entre três amigos. Porque levar esse personagem do cinema ao teatro? E o que o Ulisses tem de autobiográfico?
Depois que eu vi o filme Juventude, do Domingos de Oliveira, que são sim três amigos de infância que uma noite se encontram e ficam conversando sobre muitas coisas – eu, Paulo José e o Domingos de Oliveira; e o filme passou em Gramado, fez temporada nos cinemas do Rio e São Paulo, mas acho que não tinha uma boa distribuição pelo país, então percebi que esse nome Ulisses tem tudo a ver com o Ulisses do Homero, do Joyce, já sugere um herói viajante. Eu me apropriei desse personagem e imaginei umas situações depois que ele terminou esse dia de conversa com os amigos. É uma certa decadência do meu personagem. Na realidade, uma reflexão sobre a vida, a idade, pessoas que como eu chegam aos 70 e ainda se acham capazes de muitas coisas, mas têm mais consciência de que o tempo é curto. Culturalmente, a gente dura mais do que durava o meu avô, um homem de 70 anos antigamente estaca no fim da vida, mas eu me sinto resistindo, vivendo, trabalhando, namorando, mas com a consciência que o tempo é curto. É uma evidência de encarar a morte, tendo ainda a vontade de fazer muita coisa, sentimentos jovens como o do amor, do desejo, tudo isso me interessava muito no personagem e eu continuei.

Personagem Ulisses saiu do filme Juventude, com Domingos Oliveira e Paulo José. Foto: Grupo Estação/Divulgação

Mas é autobiográfico?
Não, não é autobiográfico. Quis fazer um monólogo, mas faço vários personagens. Faço uma vendedora boliviana de pulseira, por exemplo. Os sentimentos de Ulisses muito provavelmente são meus, de aparência pessoal, idade. Tem uma referência que eu faço há um instituto de orientação profissional, porque eu tinha que escolher uma profissão lá atrás. Eu me diverti, ficava lá trabalhando, com meu assistente de direção.

A peça começa como se fosse um roteiro de cinema? Qual a influência do cinema?
É, eu fiz a peça como se fosse um roteiro de cinema. Toda cena eu começo como se fosse um roteiro. Tipo: “exterior, ponte Rio Niterói, noite; interior, dia, Academia da Cachaça, Leblon”. Noutras peças já tem isso, de gostar de ter trabalhar com outros gêneros. Foi assim em Moby Dick, por exemplo. E em Depois do filme eu brinco, como que dizendo que o que acontecia no filme era verdade. Conto na peça uma história de uma cena que foi gravada, mas não ficou na versão final. É uma brincadeira, falando de personagens e atores, uns como verdadeiros e outros não.

Existe alguma previsão de circulação?
Tenho muita vontade! Vou para Vitória e no Rio não se fico até agosto ou setembro ou se fico até outubro.

Aderbal Freire-Filho vai encenar Depois do filme no Cena Contemporânea. Foto: Nil Caniné

Andréa Beltrão nos disse que você foi um “diretor-criador” na peça As centenárias. Como foi esse trabalho e a primeira parceria com Newton Moreno?
É uma peça com duas atrizes que tem uma história muito bonita, que já fizeram várias peças juntas, que tem uma relação pessoal. E queria acentuar essa amizade no palco. Os papeis que, no livro, seriam direcionados a outros atores, como o coronel, a viúva, Lampião, são feitos pelas próprias atrizes. A peça começa e termina num velório e entre essa cena e a última tem todos os velórios e cada um tem um personagem novo. Sávio Moll, que faz A Morte deu uma composição incrível ao personagem, até porque além da formação de ator, ele é palhaço. Então a minha ideia foi potencializar o trabalho das duas atrizes. Se as duas iriam fazer as carpideiras, a primeira coisa, que foi uma decisão, inspiração, foi que elas tivessem todos esses outros personagens. E isso criou uma necessidade de que elas dialogassem, às vezes, com elas mesmas. Aí entram os bonecos: cada uma delas passa a ter um mamulengo, um boneco de mão que é a sua própria personagem. Isso elimina os atores propostos originalmente pelo livro. Algumas coisas também foram adaptadas. A relação texto e encenação é sempre assim.

As centenárias foi parceria entre Newton Moreno, Aderbal, Marieta e Andréa

Você tem um novo projeto com Andréa Beltrão e Newton Moreno, que é um musical, Jacinta. Como está esse processo?
É a pior atriz do mundo, uma portuguesa. Eu já fiz três peças com a Andréa: A prova, Sonata de Outono e As centenárias. E esse é o próximo projeto, mas ainda não tem nada certo, tem muita vontade! Fizemos uns encontros, umas leituras, trocamos umas ideias, umas sugestões para ajustar no texto.

Como foi trabalhar com o Newton Moreno? O que você acha do texto dele?
Conheci o Newton com As centenárias e vi outras peças. Fiquei encantado com essa aproximação, com a sensibilidade desse poeta, ator, com o alicerce dele, que é fincado no interior, com um olhar do tamanho do mundo. Ele se apóia no conhecimento profundo da sua sociedade, da sua terra, do seu ambiente e projeta isso pra uma cabeça e um coração universais. E tem essa generosidade no que ele faz, essa disponibilidade. Ele não é só autor, mas um homem de teatro, tem formação de ator, de homem do palco, conhece bem como o texto é. Como ele fez isso com outras peças, na direção, sabe o quanto a peça dele vai se transformar noutra peça no palco.

A sua direção mais recente é Na selva das cidades, em cartaz no CCBB no Rio. Como foi esse trabalho?
É uma peça da juventude de Bertold Brecht, uma das primeiras peças dele. Tem uma montagem histórica, feita pelo Zé Celso nos anos 1960 e, desde lá, pelo menos no Rio, não houve outra montagem. Conta a história de um confronto entre dois homens de características bem diferentes – um comerciante e um jovem idealista. No elenco temos nove atores, entre eles Daniel Dantas, Maria Luiza Mendonça, Marcelo Olimpo – aliás, o projeto é dele, ele é da Cia. dos Atores e ele e Daniel Dantas fazem os dois protagonistas, Ines Viana. Ficamos em cartaz até outubro.

Na selva das cidades, com direção de Freire-Filho, está em cartaz no CCBB do Rio. Foto: Dalton Valério

E qual seu próximo projeto?
Emendei uma porção de coisas, juntei Mac Beth, com Orpheu, com Depois do filme e agora Na selva das cidades. Quero me dar um mês ou dois, mas tenho muitas coisas para fazer. Quero filmar O que diz Molero em parceria com o Walter Carvalho, que é nordestino.

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Andarilho no deserto mexicano

Quando se fala em México, difícil não pensar logo na emigração. E em como as artes são influenciadas por esse problema e por tudo que as pessoas são capazes de passar na luta – pela sobrevivência e, principalmente, por um sonho nem sempre dourado do American style of life. Para uma nordestina como eu, difícil também não fazer comparações entre o que representava São Paulo para a minha região e o que representa os Estados Unidos para o México.

Um dos espetáculos internacionais do festival Cena Contemporânea, de Brasília, é Amarillo, do Teatro Línea de Sombra, do México. A companhia foi criada em 1993 e tem como principal característica a utilização de diversas linguagens contemporâneas. A última sessão do espetáculo foi ontem, no Teatro Nacional Claudio Santoro, na sala Martins Pena.

Amarillo mescla linguagens. Fotos: Wesley Souza/Divulgação

No caso de Amarillo, é difícil conseguir trilhar caminhos novos quando o tema é tão recorrente – já visto até em novela da Globo e filme na Sessão da Tarde. Mas o espetáculo dirigido por Jorge A.Vargas consegue surpreender o público. Se não pela temática, pela forma como se utiliza de artíficios tecnológicos e performáticos.

O vídeo projetado na parede é uma extensão do palco – ou melhor, é construído no próprio palco. Quando as mulheres dispõem galões de água no chão, a imagem que se vê na tela é videoarte; no palco, é instalação. O ritmo algumas vezes frenético do personagem que deixou a família com destino a Amarillo, mas promete que vai voltar, é o da dança contemporânea e performance. Não há limites entre o que é uma coisa ou outra.

Espetáculo também traz drama das mulheres deixadas pelos maridos

A narrativa do espetáculo é toda fragmentada

De maneira muito simples, com símbolos como a areia, imagens belas e instigantes vão se formando. E o desenrolar das cenas apresenta a cruel realidade do deserto, a falta de água e o que ela faz com o organismo, as alucinações, a saudade de quem vai, os desafios e desesperança de quem fica. Depoimentos sofridos e ao mesmo tempo de superação de esposas de homens que emigraram e não deram mais notícias.

Quando uma atriz grávida assume um papel de protagonismo, os limites do corpo e do coração são colocados à prova. A música rouca cantada por Jesús Cuevas traz a angústia e melancolia necessárias à situação. A morte está sempre presente, como se fosse um destino quase inevitável. O sonho dourado agora é preto e os corpos estão no chão.

Amarillo fez última apresentação ontem no Cena Contemporânea

Amarillo não é uma obra que se deixa classificar. Não é só teatro, mas como eu disse, artes visuais, performance, teatro, dança. A narrativa mesmo que completamente fragmentada, não perde força. Pelo contrário, é alavancada pelas potencialidades de outras maniifestações artísticas.

Amarillo (México)
Criação e elenco: Raúl Mendonza, Alicia Laguna, Maria Luna, Vianey Salinas, Antígona González, Jesús Cuevas
Textos: Gabriel Contreras
Poema: Muerte, de Harold Pinter
Desenho de luzes e programação digital: Kay Pérez
Espaço: Jesús Hernández
Música original: Jorge Verdín – Clorofila
Voz, música e samplers: Jesús Cuevas
Produção executiva: Alicia Laguna
Direção: Jorge A. Vargas
Produção de teatro: Línea de Sombra y México en escena

Não parece uma pintura? Foto: Roberto Blenda

O vídeo dá uma ideia de como é o espetáculo visualmente:

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