Arquivo do Autor: Ivana Moura

Agenda teatral intensa de outubro pra novembro

Esquecidos por Deus integra campanha Teatro é Ao Vivo 

Espetáculo How Much We Carry? , do Cirque Immersif, na programação do Festival de Circo 

A última semana de outubro no Recife reúne estreias, retomadas e festivais que aceleram o pulso cultural da capital. O relançamento da campanha “Teatro é ao Vivo”, a chegada do Festival de Circo do Brasil e temporadas consolidadas desenham um mapa artístico que vai de experimentações a espetáculos internacionais, passando por celebrações musicais e aventuras infantis.

Teatro é ao Vivo: Memórias, Samba e Trajetórias

O campanha Teatro é ao Vivo. Vá Ver!, da Associação dos Produtores de Artes Cênicas de Pernambuco (APACEPE) prossegue com Esquecidos por Deus, nesta quarta-feira (29), no Teatro Marco Camarotti (Sesc santo Amaro). O ator Murilo Freire dá vida às personagens que Cícero Belmar reuniu em O Livro das Personagens Esquecidas. Sob direção e dramaturgia de José Manoel Sobrinho, o monólogo da produção do LAPA (Laboratório Pernambucano do Atuante) constrói um território poético onde memória, fé e identidade se entrelaçam através de figuras marginais que habitam o imaginário nordestino. Freire conduz uma jornada pelos esquecidos da sociedade, aqueles que Belmar recolheu das margens da história para transformá-los em literatura. O espetáculo aposta na potência narrativa do ator solo, formato que se consolidou como marca registrada do teatro pernambucano contemporâneo.

No Teatro Capiba, também nesta quarta-feira, Gracinha do Samba apresenta A Raiz do Samba com entrada gratuita, celebração que reúne banda de sete músicos: Ralph (violão, coral e voz guia), Rinaldo (cavaco), Miguel (coral, pandeiro e malacacheta), Rafael Galdino (surdo), Nyll (tantanzinho, efeitos e coral), Nego Thon (repique, conga e efeitos) e Augusto (tamborim). Com produção de Pedro Castro, o espetáculo mergulha nas tradições populares enquanto democratiza o acesso cultural.

Fechando a programação na quinta-feira (31), Geraldo Maia apresenta Minha História Sou Eu, celebrando 45 anos de carreira. Com direção musical de Renato Bandeira e acompanhamento de Gilberto Bala (percussão) e Lieve Ferreira (viola), o show traça pontes entre gerações no Teatro Capiba, oferecendo aos mais jovens a chance de conhecer referências fundamentais da música pernambucana.

CAIXA Cultural: Ciência e Criação em Duas Versões

Frankinh@ na Caixa Cultural. Foto Vilmar Carvalho

O Coletivo Gompa sustenta temporada dupla na CAIXA Cultural colocando arte em diálogo direto com ciência e literatura. Frankinh@ reinventa a primeira obra de ficção científica da história através de linguagem híbrida que mescla narração, teatro, dança, artes visuais e trilha sonora original.

A versão infantil busca despertar o imaginário criativo através da história de Victor Frankenstein, jovem esquisito e solitário que decide criar alguém para lhe fazer companhia. Quando a Criatura não sai exatamente como planejado, Victor aprende a lidar com surpresas e transformações, numa fábula sobre aceitação das diferenças e beleza do inesperado. As apresentações acontecem sábados às 17h e domingos às 11h.

A versão adulta Frankenstein revisita Mary Shelley com perspectiva contemporânea, tecendo paralelos entre corpo feminino e Amazônia para explorar pertencimento, violência e identidade. Os bailarinos Fabiane Severo e Alexsander Vidaleti  fazem as vozes de Sandra Dani e Elcio Rossini em encenação que funde narrativa decolonial com experimentação sonora. Álvaro Rosa Costa assina trilha manipulada ao vivo, criando “dissonância Frankenstein” através de samples, ruídos e improvisações. Sessões às 20h de quarta a sábado.

Espaço O Poste: Desconstruindo Masculinidades

Na sexta-feira (31), Urubatan Miranda encerra outubro no Espaço O Poste com Negaça, solo autobiográfico que desarticula estereótipos sobre masculinidade nordestina. O trabalho tece memória pessoal com questões coletivas sobre identidade de gênero e afetividade, questionando imagens cristalizadas do homem sertanejo. Através de humor, poesia e crítica social, Miranda explora sensibilidades que escapam aos padrões heteronormativos, revelando vulnerabilidades e formas de amar que desafiam o machismo estrutural.

Tom na Fazenda testa sobrevivência de homem gay em ambiente hostil

Tom na Fazenda, sucesso de público e crítica no Brasil e exterior

O Teatro Luiz Mendonça recebe nos dias 7, 8 e 9 de novembro Tom na Fazenda, adaptação de Michel Marc Bouchard, com direção Rodrigo Portella e elenco formado por Armando Babaioff, Soraya Ravenle, Gustavo Rodrigues e Camila Nhary, retorna após turnê europeia de cinco meses. Com temporada em Paris, participação no Festival de Edimburgo e mais de 150.000 espectadores em 450 apresentações desde 2017, o espetáculo explora sobrevivência emocional em ambiente rural hostil.

Tom viaja para fazenda no interior para o funeral de seu companheiro, deparando-se com a mãe que desconhece a orientação sexual do filho e o irmão violento que exige silêncio sobre o relacionamento. Na fazenda, mentir torna-se condição de sobrevivência, gerando dramaturgia visceral que funde realismo e expressionismo para abordar homofobia interiorizada e construção de masculinidades tóxicas.

Aventuras Infantis

O programa

Duas produções infantis estão na pauta do Teatro Luiz Mendonça dois musicais neste fim de semana. Chapeuzinho de Neve Adormecida no sábado (1º de novembro) às 16h30 embaralha múltiplos contos clássicos numa confusão divertida, enquanto A Princesa dos Mares – O Musical no domingo (2 de novembro) no mesmo horário navega por jornada épica oceânica com mensagem ambiental.

Festival de Circo

Rupi e Pitchula em A Risita 

O Festival de Circo do Brasil espalha espetáculos entre teatros e espaços públicos, democratizando acesso através de nove apresentações gratuitas. Nove Tentativas de Não Sucumbir (Cia Devir) inaugura na quinta-feira (31) e sábado (1º de novembro) no Teatro Apolo, transformando trapézio em metáfora sobre resistência sob direção de Jean Michel Guy.

Copyleft (Cie. NDE) no dia 8 no Parque Apipucos reúne dream team de cinco países em turbilhão malabarístico: Juan Duarte Mateos (Uruguai), Lucas Castelo Branco (Brasil), Nahuel Desanto (Argentina), Gonzalo Fernandez Rodriguez (Espanha) e Walid El Yafi (França) sob direção de Nicanor de Elia.

A Mostra PE celebra talentos locais: Aura Duo (lira acrobática), Malabares da Família Malanarquista, Balanceiro de Paiace Brotin, Escada Sem Limites de Xixa Morales (4,5 metros) e Eclipse: Dança dos Astros de Jimmy Sá, criando analogia astronômica entre artista e lira.

How Much We Carry? (Cirque Immersif) propõe encontros através de percha gigante em desequilíbrio, explorando múltiplos sentidos do verbo “carry” (carregar/cuidar) em apresentações itinerantes. A Risita (Coletivo Fuscirco) transforma Fusca Azul 1974 em circo completo com humor cearense.

Cia Nós No Bambu apresenta duas sínteses da pesquisa de Poema Mühlenberg: Sarayvara (21 anos de investigação) no dia 7 no Teatro Hermilo e O Vazio É Cheio de Coisa no dia 6 no Teatro Santa Isabel, materializando relação sensível entre humano e vegetal através de dramaturgia corporal onde artista cuida do bambuzal, colhe, trata e constrói instrumentos.

Entre as criações conceituais, Fragmentos (La Víspera) nos dias 6 e 8 no Teatro Apolo constrói thriller circense sobre fragmentação mental, enquanto Vermelho, Branco e Preto (Cibele Mateus) nos dias 5 e 6 ressignifica o Mateu do Cavalo Marinho como brincadeira-manifesto de reexistência, celebrando alegria como tecnologia de resistência.

SERVIÇO

29 DE OUTUBRO (QUARTA-FEIRA)

“Esquecidos por Deus” (Teatro É Ao Vivo)
Local: Teatro Marco Camarotti – Sesc santo Amaro
Intérprete: Murilo Freire
Direção/Dramaturgia: José Manoel Sobrinho
Baseado em: “O Livro das Personagens Esquecidas” de Cícero Belmar
Realização: LAPA

“Gracinha do Samba – A Raiz do Samba” (Teatro É Ao Vivo)
Local: Teatro Capiba
Ingressos: Gratuito
Banda: Ralph, Rinaldo, Miguel, Rafael Galdino, Nyll, Nego Thon, Augusto
Produção: Pedro Castro

“Frankenstein” (Coletivo Gompa)
Horário: 20h
Local: CAIXA Cultural Recife (Av. Alfredo Lisboa, 505)
Ingressos: R$ 30 (inteira) / R$ 15 (meia)
Bailarinos: Fabiane Severo, Alexsander Vidaleti
Classificação: 16 anos

30 DE OUTUBRO (QUINTA-FEIRA)
“Frankenstein”
Horário: 20h / CAIXA Cultural

31 DE OUTUBRO (SEXTA-FEIRA)
“Negaça” (Urubatan Miranda)
Horário: 19h
Local: Espaço O Poste (Rua do Riachuelo, 641, Boa Vista)
Ingressos: R$ 30 (inteira) / R$ 15 (meia)

“Minha História Sou Eu” (Teatro É Ao Vivo)
Intérprete: Geraldo Maia (45 anos de carreira)
Local: Teatro Capiba
Direção Musical: Renato Bandeira
Músicos: Gilberto Bala, Lieve Ferreira
Produção: Pedro Castro

“Frankenstein”
Horário: 20h / CAIXA Cultural
Acessibilidade: Libras

“Nove Tentativas de Não Sucumbir”
Cia: Devir
Direção: Jean Michel Guy
Horário: 19h
Local: Teatro Apolo
Ingressos: Gratuito (Sympla)
Classificação: 14 anos

1º DE NOVEMBRO (SÁBADO)
“Frankinh@”
Horário: 11h
Local: CAIXA Cultural
Classificação: Livre

“Frankenstein”
Horário: 20h / CAIXA Cultural

“Nove Tentativas de Não Sucumbir”
Horário: 19h
Local: Teatro Apolo
Acessibilidade: Libras

PARQUE SANTANA – PROGRAMAÇÃO GRATUITA:

“Esparrama Circo” (público protagonista)
“A Risita” (Fusca Azul + circo cearense)
“Mostra PE” (cinco números locais)
“Hyperboles” (skate + acrobacia feminina)
“How Much We Carry?” (percha gigante)
2 DE NOVEMBRO (DOMINGO)
“Chapeuzinho de Neve Adormecida”
Horário: 16h30
Local: Teatro Luiz Mendonça
Ingressos: R$ 50 a R$ 100

Repetição Parque Santana

2 DE NOVEMBRO (DOMINGO)
“A Princesa dos Mares – O Musical”
Horário: 16h30
Local: Teatro Luiz Mendonça
Ingressos: R$ 50 a R$ 100

7, 8 E 9 DE NOVEMBRO
“Tom na Fazenda”
Adaptação: Michel Marc Bouchard
Horários: Sex/Sáb: 20h | Dom: 19h
Local: Teatro Luiz Mendonça
Pós-turnê: Europa (5 meses), Paris, Edimburgo

INFORMAÇÕES GERAIS
CAIXA Cultural: (81) 3425-1915
Festival de Circo: 9 espetáculos gratuitos, 4 pagos via Sympla
Acessibilidade: Múltiplas sessões com Libras
Teatro É Ao Vivo: Retomada do projeto nacional 2004-2014

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Germaine Acogny
e a urgência da ancestralidade
Crítica: À un endroit du début

Solo autobiográfico e ficcional. Foto: Marcos Pastich/PCR

À un endroit du début. Foto: Thomas Dorn

Quando Germaine Acogny, 81 anos, pisa no palco, ativa-se uma constelação viva de saberes milenares. Seu corpo carrega décadas de criação e reinvenção africanas, capazes de resistir ao projeto colonial de apagamento, guardando gestualidades rituais, cosmogonias e técnicas de movimento que atravessam gerações. Em À un endroit du début (Em algum lugar no início), solo autobiográfico e ficcional apresentado neste domingo (26/10) no Teatro Santa Isabel, no Recife, como encerramento do Festival Internacional de Dança do Recife e do Festival de Teatro do Agreste – Feteag, essa jornada se transforma em investigação cênica que articula dança, narrativa teatral e projeções visuais. A plateia robusta, embora com espaços ainda disponíveis no histórico teatro pernambucano, acompanhou uma das vozes mais essenciais da dança contemporânea mundial em atividade.

A obra tece sobreposições temporais onde memórias pessoais, legados familiares e processos históricos se abraçam. A corporalidade que materializa códigos ancestrais encontra suas raízes numa biografia atravessada por contradições históricas. Filha de um administrador colonial francófono e neta de uma sacerdotisa iorubá, Acogny habita um território híbrido onde novas formas culturais emergem da negociação complexa entre tradição e contemporaneidade. É a partir desse espaço de confluência identitária que sua técnica busca uma articulação criativa entre danças africanas e métodos europeus.

Cada movimento que ela executa concretiza essa arquitetura temporal, materializando conhecimentos herdados através de uma corporalidade específica. Inspirada na divindade-píton do Benim, sua coluna vertebral se transforma na “cobra da vida” – eixo organizador móvel e ondulado que conecta céu e terra, desafiando paradigmas eurocêntricos de movimento. O corpo torna-se cosmos através de metáforas como o peito como “sol”, o bumbum como “lua”, os quadris como “estrelas”. Nessa geografia corporal em constante movimento, energia circula e códigos ancestrais ganham forma no gesto.

O espetáculo inicia-se com Germaine Acogny evocando os escritos inéditos de seu pai, Togoun Servais Acogny, funcionário colonial que documentou sua própria trajetória de “desconstrução” cultural. Estes manuscritos tornam-se matéria-prima para uma investigação sobre os custos subjetivos da assimilação colonial. Em seguida, ela invoca as memórias de sua avó Aloopho, sacerdotisa vodu de quem seria a reencarnação, segundo os moradores da aldeia que gritavam “Iya Tundé! Iya Tundé!” (a mãe voltou!) em seu nascimento.

O espetáculo é rico em imagens, que permitem muitas interpretações. Foto: Marcos Pastich/ PCR

.As mãos de Germaine dançam constantemente, Foto: Marcos Pastich/PCR

A narrativa desenvolve-se de forma não-linear, privilegiando associações emocionais sobre cronologias factuais. Os elementos cenográficos colaboram nessa estratégia: telas de vídeo criam múltiplas temporalidades; um livro, uma almofada e uma poltrona funcionam como âncoras materiais para diferentes momentos. E a dança está em toda parte, de gestos largos aos contidos,  das intensidades à pulsações suaves. As mãos de Germaine dançam constantemente, mesmo quando ela está sentada.

Em colaboração com o diretor Mikaël Serre, ela entrelaça sua história pessoal com elementos da tragédia grega, especialmente evocando Medeia. A princesa da Cólquida que abandona sua terra natal por amor e é posteriormente rejeitada ecoa as experiências de deslocamento e rupturas afetivas que marcam a biografia de Acogny. O espetáculo transforma a coreógrafa numa Medeia contemporânea que, em vez de destruir, reconstrói e transmite conhecimento ancestral através da dança.

A realidade feminina africana aparece como uma das dimensões mais complexas do espetáculo. Quando a bailarina e coreógrafa declara que “o poder é transmitido de mulher para mulher”, mas simultaneamente afirma que “a mulher é a espécie mais miserável do mundo”, ela articula uma contradição profunda que ecoa nas dinâmicas patriarcais globais. Seus gestos carregam corporalmente as violências entrecruzadas – colonial, racial, patriarcal – demonstrando como mulheres negras africanas constroem estratégias de resistência que criticam tanto feminismos que ignoram dimensões raciais quanto movimentos anticoloniais que silenciam pautas de gênero.

Em determinado momento do espetáculo, Acogny rasga a almofada, liberando penas que voam pelo palco. A música de Fabrice Bouillon LaForest percorre o espetáculo.

O clímax emocional acontece quando Acogny, após exprimir sua fúria de Medeia, pronuncia “Papai, eu te perdoo!”. O momento é atravessado pela complexidade das relações familiares entrelaçadas à história colonial.

Sessão encerrou dois festivais no Teatro de Santa Isabel, no Recife. Foto: Marcos Pastich / PCR

À un endroit du début dialoga com debates atuais sobre descolonização e direitos das mulheres. A obra evoca questões complexas como construir identidades que honrem legados sem se aprisionarem neles? Como as mulheres podem ser simultaneamente guardiãs e transformadoras de suas culturas?

A apresentação no Santa Isabel proporcionou um encontro raro com uma pioneira que continua expandindo fronteiras artísticas e políticas. Ao final, aplausos efusivos ecoaram pelo teatro. Germaine Acogny recebeu flores da secretária de cultura do Recife, Milou Megale, e do diretor do Feteag, Fabio Pascoal. À un endroit du début celebra Germaine Acogny como uma voz artística fundamental, materializando em movimento a cartografia afetiva de experiências continentais.

Ficha técnica

Interpretação e Dança: Germaine Acogny
Direção Cênica: Mikaël Serre
Diretor Técnico: Helmut Vogt
Música: Fabrice Bouillon “LaForest”
Operador de vídeo: Nicolás Kretz
Iluminação: Marco Wehrspann

 

Referências Bibliográficas:
BHABHA, Homi K. O Local da Cultura. Tradução de Myriam Ávila, Eliana Lourenço de Lima Reis, Gláucia Renate Gonçalves. Belo Horizonte: Editora UFMG, 1998. (Publicação original: The Location of Culture, Routledge, 1994).
BRAUDEL, Fernand. História e Ciências Sociais: A Longa Duração. Annales. Économies, Sociétés, Civilisations, 1958.
COLONNA, Vincent. Autofiction & Autres Mythomanies Littéraires. Paris: Tristram, 2004.
DOUBROVSKY, Serge. Fils. Paris: Éditions Galilée, 1977.
GONZALEZ, Lélia. Racismo e Sexismo na Cultura Brasileira. Revista Ciências Sociais Hoje, ANPOCS, 1984.
HANNA, Thomas. Somatics: Reawakening the Mind’s Control of Movement, Flexibility, and Health. New York: Perseus Books, 1988.
LEPECKI, André. Exaurir a Dança: Performance e a Política do Movimento. São Paulo: Editora Contracampo, 2006.
OLANIYAN, Tejumola. Arrest the Music!: Fela and his Rebel Art and Politics. Bloomington: Indiana University Press, 2004.
OYĚWÙMÍ, Oyèrónkẹ́. The Invention of Women: Making an African Sense of Western Gender Discourses. Minneapolis: University of Minnesota Press, 1997.
SWANSON, Amy. Codifying African dance: the Germaine Acogny technique and antinomies of postcolonial cultural production. Critical African Studies, 2019.
TAYLOR, Diana. O Arquivo e o Repertório: Performance e Memória Cultural nas Américas. Tradução de Eliana Lourenço de Lima Reis. Belo Horizonte: Editora UFMG, 2013. (Publicação original: The Archive and o Repertoire: Performing Cultural Memory in the Americas, Duke University Press, 2003).
WYNTER, Sylvia. Unsettling the Coloniality of Being/Power/Truth/Freedom: Towards the Human, After Man, Its Overrepresentation. CR: The New Centennial Review, vol. 3, no. 3, 2003, pp. 257-337.

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Recife intensifica calendário cultural
com programação internacional

Germaine Acogny encerra dois festivais simultâneos, Foto: Thomas Dorn

O último terço do ano confirma a vocação do Recife como palco de experiências cênicas diversificadas. Nos próximos dias a cidade recebe simultaneamente festivais consolidados e estreias nacionais, criando densidade artística que atravessa teatros, parques e espaços alternativos. A programação reúne desde a presença singular de Germaine Acogny, figura seminal da dança contemporânea africana, até companhias europeias que investigam novas possibilidades do circo contemporâneo.

Aos 81 anos, Germaine Acogny chega ao Teatro Santa Isabel como ponto de convergência entre o Festival Internacional de Dança do Recife e o Festival de Teatro do Agreste – Feteag. Fundadora da École des Sables no Senegal, considerada a mais importante escola de dança contemporânea da África, ela desenvolveu metodologia própria que associa técnicas tradicionais senegalesas com formação moderna adquirida em Nova York nos anos 1970.

À un endroit du début surge como síntese autobiográfica onde Acogny revisita suas origens através do prisma da tragédia grega. A montagem, criada em colaboração com o diretor franco-alemão Mikaël Serre, conecta as palavras proféticas de sua avó, a sacerdotisa Aloopho, com o sofrimento de Medeia. A dramaturgia corporal e os elementos cênicos incluem projeções que potencializam a gestualidade ancestral, criando diálogo temporal entre cosmogonia iorubá e dramaturgia clássica ocidental. Ganhadora do Leão de Ouro na Bienal de Dança de Veneza em 2021, Acogny transforma o palco em território onde sua técnica singular ganha dimensão ritualística.

Antes da chegada da mestre senegalesa, o Festival de Dança do Recife apresenta criações que exploram identidade e ancestralidade através da corporeidade. Orun Santana desenvolve em “Orunmilá” um paralelo poético entre sua identidade pessoal e a divindade iorubá da sabedoria e adivinhação. O espetáculo incorpora o jogo de búzios como elemento dramatúrgico, encarnando figuras diferentes e construindo caminhos para lidar com o tempo em seu caráter espiralar, conectando-se à pesquisa do artista sobre A ancestralidade do presente.

Na mesma linha investigativa, Marcos Teófilo questiona expectativas sociais em Para Expectativa Somente Desvios, utilizando narrativas corporais complexas que propõem caminhos alternativos através do movimento. Enquanto isso, a Batalha da Escadaria no Compaz Eduardo Campos reúne vertentes da cultura urbana metropolitana: Serafin’s Company mistura afrobeats com hip hop local, criando sonoridade que reflete a diversidade cultural da região; a Batalha de All Style reúne dançarinos de diferentes vertentes; e o Baile Charme manifesta a cultura de rua que mescla dança, música e sociabilidade urbana.

Paralelamente, o Feteag 2025 examina questões contemporâneas através de obras que interrogam estruturas sociais. Bolor, de Gabi Holanda, Guilherme Allain e Isabela Severi, emprega fungos como protagonistas metafóricos de processos de decomposição e renascimento, confrontando diretamente a mitologia freyreana do açúcar. A criação expõe a violência estrutural da plantation açucareira através de estética que valoriza redes subterrâneas de resistência, dialogando com pensadores como Malcom Ferdinand e Anna Tsing para imaginar futuros decoloniais.

Nessa perspectiva crítica, Les Sans (Os sem), do coletivo Les Récréâtrales-ELAN de Burkina Faso, adapta o pensamento de Frantz Fanon para o teatro através do reencontro de dois ex-companheiros de luta. Ali Kiswinsida Ouédraogo explora o conflito entre Franck e Tiibo, onde um mantém ideais de transformação social enquanto o outro foi cooptado pelo sistema que combatiam, interrogando as limitações da independência burkinabê e questionando se a libertação formal constitui verdadeira descolonização.

Cia Etc reflete sobre as pulsões contemporâneas com O Tempo das Lebres. Foto: Divulgação

Enquanto os festivais investem em questões identitárias e pós-coloniais, a Cia. Etc. celebra 25 anos de trajetória com uma reflexão sobre o tempo contemporâneo. O Tempo das Lebres, investigação artística iniciada em 2019 e inspirada no livro homônimo do filósofo José Antônio Feitosa Apolinário, nasce da urgência de examinar o estado contemporâneo onde pressa e produtividade atingem níveis que empurram o mundo a um estado permanente de exaustão, ansiedade e desconexão, mesmo após a crise provocada pela pandemia.

A estética techno atravessa a montagem, reforçando a pulsação frenética das cidades e das telas presentes na sociedade contemporânea. Dirigida por Marcelo Sena e Filipe Marcena, a obra questiona o culto à velocidade e pergunta sobre o que acontece com quem não acompanha o ritmo imposto. Nesse contexto, a escolha do estúdio da TV Universitária como espaço cênico permite mesclar linguagens da dança, performance, audiovisual, instalação e música, criando imersão inédita onde o audiovisual torna-se parte essencial dos processos de aceleração tecnológica.

Importante destacar que a acessibilidade integra a dramaturgia: audiodescritoras caminham junto ao público composto por pessoas cegas e com baixa visão, narrando cada cena em tempo real no pé do ouvido. Essa escolhas técnica dialoga com as apresentações que sucedem uma série de performances urbanas que serviram como laboratório criativo – Tempo Morto, Fast Foda, Escape e Memória do Mundo – intervenções que discutiram corpo, ritmo e desconforto em espaços públicos.

Experimentações Autorais no Espaço O Poste

Luanda Ruanda – histórias africanas. Foto: Tatá Costa

Fabíola Nansurê em Barro Mulher

Negaça

Em outro território de criação, o Espaço O Poste funciona como laboratório de produções autorais que desenvolvem pesquisas continuadas sobre identidade, memória e resistência. Nessa programação curada, Fabíola Nansurê, reconhecida por suas pesquisas sobre corpo e território, constrói em Barro Mulher uma dramaturgia sensorial que utiliza barro como elemento cênico central. A obra explora texturas, plasticidade e simbolismo do material para questionar padrões estéticos e sociais impostos aos corpos femininos, propondo reflexão sobre resistência, autoconhecimento e reconexão com elementos primordiais da natureza.

A encenação dialoga com tradições ceramistas nordestinas e práticas rituais ancestrais, criando pontes entre saberes populares e linguagem cênica contemporânea. Essa mesma busca por conectar tradições e contemporaneidade aparece em Luanda Ruanda: Histórias Africanas, onde Stephany Metódio, especializada em culturas africanas e afro-brasileiras, apresenta experiência que resgata narrativas africanas através de contação que conecta tradições orais do continente com experiências da diáspora no Brasil.

A artista desenvolve dramaturgia que articula contos tradicionais de diferentes regiões da África com reflexões sobre identidade, pertencimento e resistência cultural, utilizando música, dança e elementos visuais para criar atmosfera que transporta o público para universos narrativos ricos em simbolismo e ensinamentos ancestrais. A montagem possui relevância educativa e cultural, funcionando como instrumento de valorização da herança africana e combate ao racismo através da arte. Contemplado três vezes pelo Funcultura-PE, o espetáculo já percorreu mais de 15 comunidades quilombolas e foi vencedor do Prêmio Pernalonga de Teatro 2024 na categoria Teatro para Infância.

Fechando essa trilogia de investigações identitárias, Urubatan Miranda encerra a programação mensal com Negaça, solo que explora construções de masculinidade no contexto nordestino através de autobiografia cênica que articula memória pessoal com questões coletivas sobre identidade de gênero e afetividade. O trabalho questiona estereótipos sobre homens nordestinos, explorando sensibilidades, vulnerabilidades e formas de amar que escapam aos padrões heteronormativos dominantes, utilizando humor, poesia e crítica social para desconstruir imagens cristalizadas sobre masculinidade sertaneja.

Diálogo Entre Arte e Ciência

Frankinh@ em cartaz na Caixa Cultural Recife. Foto vilmar carvalho

Transitando para um território conceitual diferente, o Coletivo Gompa apresenta na CAIXA Cultural temporada dupla que coloca arte em diálogo direto com ciência, biologia, literatura e física. Frankinh@, vencedor do Prêmio SESC de Artes Cênicas e já apresentado em 18 cidades brasileiras, além de Rússia e Cuba, mescla narração, teatro, dança, artes visuais e trilha sonora original para reinventar a primeira obra de ficção científica da história.

A montagem busca despertar o imaginário infantil e sua capacidade criativa através da história de Victor Frankenstein, jovem esquisito e solitário que acaba criando alguém para lhe fazer companhia, desafiando os limites da ciência. A Criatura não sai exatamente como planejado, ensinando Victor a lidar com surpresas e transformações.

Em contrapartida, a versão adulta Frankenstein revisita o clássico de Mary Shelley com olhar contemporâneo, criando paralelos entre corpo feminino e Amazônia, explorando questões como pertencimento, violência e identidade. No palco, os bailarinos Fabiane Severo e Alexsander Vidaleti dão vida às vozes de Sandra Dani e Elcio Rossini, em encenação que combina textos, cenário, figurinos e iluminação com narrativa decolonial. A trilha sonora, assinada por Álvaro Rosa Costa, é manipulada ao vivo buscando criar “dissonância Frankenstein”, unindo samples, ruídos e improvisações.

Sonho Encantado de Cordel – O Musical é inspirado no enredo da Escola Imperatriz Leopoldinense 

No circuito dos grandes espetáculos, Sonho Encantado de Cordel – O Musical se apresenta como uma das mais ambiciosas produções teatrais da temporada. O espetáculo, inspirado no enredo Uma Delirante Confusão Fabulística de 2005, criado por Rosa Magalhães para a Imperatriz Leopoldinense em homenagem ao centenário de Hans Christian Andersen, funde elementos da cultura nordestina com o universo dos contos de fadas dinamarqueses.

A produção de Thereza Falcão conta com mais de 10 cenários e 50 figurinos criados pela carnavalesca Rosa Magalhães – obra póstuma da artista, que faleceu em julho deste ano aos 77 anos, deixando todos os desenhos prontos na noite anterior à sua partida. Mauro Leite, braço direito de Rosa, conduz a execução dos figurinos, dialogando com projeções e vídeos dirigidos por Batman Zavareze. As coreografias são assinadas por Renato Vieira, enquanto Marcelo Alonso Neves assina a direção musical.

O diferencial musical reside nas 10 composições inéditas de Paulinho Moska, Chico César e Zeca Baleiro, criando linguagem sonora que honra raízes nordestinas e universalidade fabular. A história gira em torno de Rosa Cordelista, jovem que sonha em se tornar grande cordelista e, através de sonho mágico, encontra Hans Christian Andersen em jornada repleta de personagens míticos.

Jeison Walace como Cinderela. Foto: Divulgação

Também investindo no humor como linguagem, o Teatro do Parque recebe Jeison Wallace em Cinderela em: Toda Cidade Tem, espetáculo que explora com inteligência as peculiaridades e situações do cotidiano encontradas em qualquer cidade brasileira. O comediante, consolidado como uma das principais referências da comédia nacional, constrói esquetes que abordam desde fofoca de bairro até personagens que marcam o dia a dia local, criando identificação imediata com públicos diversos através de piadas que fazem aquela mistura.

Na mesma linha de entretenimento familiar, Os 3 Super Porquinhos, também no Teatro do Parque, recebe tratamento contemporâneo de Roberto Costa, transformando o conto clássico em comédia musical que aborda preservação ambiental. A adaptação inverte arquétipos tradicionais: o Lobo torna-se personagem cômico e educativo, interagindo com crianças e se mostrando bobalhão, enquanto a caminhada final pela paz e preservação na floresta propõe conscientização sobre causas ambientais atuais.

Tom na Fazenda, sucesso de público e crítica no Brasil e exterior

Por outro lado, o Teatro Luiz Mendonça recebe produções de maior densidade dramática, como Tom na Fazenda, adaptação da peça de Michel Marc Bouchard que retorna ao Recife após turnê europeia de cinco meses, incluindo temporada de um mês em Paris com recorde de público e bilheteria, além de participação no Festival de Edimburgo. O espetáculo, visto por mais de 150.000 pessoas em mais de 450 apresentações desde 2017, explora sobrevivência emocional em ambiente rural hostil.

A trama acompanha Tom, que viaja para fazenda no interior após morte de seu companheiro para participar do funeral. Lá encontra a mãe, que desconhece a orientação sexual do filho falecido, e o irmão, camponês violento que insiste através de agressão que Tom esconda o relacionamento da mãe enlutada. Na fazenda, mentir torna-se primeira condição de sobrevivência, criando dramaturgia visceral que mistura realismo e expressionismo para abordar homofobia interiorizada e construção de masculinidades.

Festival de Circo

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Nove Tentativas de Não Sucumbir, da Cia Devir 

Espetáculo Juventud da Cie NDE funde dança e malabarismo

Completando esse panorama diversificado, o Festival de Circo do Brasil democratiza acesso ao circo contemporâneo através de programação com espetáculos espalhados por teatros, parques e espaços públicos, sendo 9 totalmente gratuitos. Abrindo essa celebração circense, a Cia Devir apresenta Nove Tentativas de Não Sucumbir, obra dirigida por Jean Michel Guy que transforma o ato de equilibrar-se no trapézio em metáfora sobre reconhecimento, resistência e reinvenção. Entre técnica, vulnerabilidade e humor, o espetáculo investiga o que mantém corpos em movimento e a força de tentar – mais uma vez – não sucumbir.

Da esfera internacional, a programação inclui Copyleft da Cie. NDE, que reúne dream team de cinco países – Juan Duarte Mateos (Uruguai), Lucas Castelo Branco (Brasil), Nahuel Desanto (Argentina), Gonzalo Fernandez Rodriguez (Espanha) e Walid El Yafi (França) – em turbilhão de malabarismo e dança com 45 minutos de duração. Criada para espaços públicos e terrenos diversos, a obra combina precisão técnica e energia coletiva sob direção de Nicanor de Elia.

Retornando à produção nacional, o Grupo Esparrama traz Esparrama Circo, homenagem à tradição popular do circo que transforma o cotidiano em espetáculo. Os palhaços convidam o público a tornar-se protagonista da cena, despertando memórias afetivas ligadas ao riso, ao jogo e à convivência coletiva. Nessa mesma linha participativa, o Coletivo Fuscirco apresenta A Risita, onde Rupi e Pitchula chegam com Fusca Azul 1974 trazendo circo completo: música, malabares, equilibrismo e humor cearense. Do carro que é transporte e lar surgem todos os elementos, transformando o picadeiro em espetáculo que garante interação e alegria do início ao fim.

Valorizando a produção local, a Mostra PE celebra talentos pernambucanos com cinco números: Aura Duo de Jéssica Moura e Fernanda Victor em lira acrobática baseada em confiança e sincronia; Malabares da Família Malanarquista celebrando malabarismo e arte de rua; Balanceiro de Paiace Brotin com habilidades bambolísticas no trânsito; Escada Sem Limites de Xixa Morales com uma das maiores escadas de equilíbrio do Brasil (4,5 metros); e Eclipse: Dança dos Astros de Jimmy Sá, onde artista e lira criam analogia ao fenômeno astronômico.

Explorando territórios experimentais, Hyperboles da Cie. SCoM busca aprofundar interseções entre skate e acrobacia, conectando essas linguagens a reflexão sobre o lugar das mulheres em práticas historicamente dominadas por homens. Reunindo artistas circenses e skatistas de diferentes culturas, o projeto propõe criação de espaço de troca onde cada corpo contribui para enriquecimento artístico mútuo.

Ainda na linha de espetáculos itinerantes, How Much We Carry? do Cirque Immersif convida à pausa e ao encontro ao redor de aparelho circense inusitado: a percha gigante em constante desequilíbrio. Com olhar sensível sobre o verbo “carry” – que significa tanto carregar quanto cuidar –, dois personagens conduzem tudo que encontraram pelo caminho, criando homenagem às caminhadas e àqueles que cruzam nossa trajetória.

Representando a pesquisa continuada brasileira, a Cia Nós No Bambu apresenta dois solos de Poema Mühlenberg que consolidam mais de quinze anos de pesquisa em arte-corpo-bambu. Sarayvara celebra 21 anos de dedicação, enquanto O Vazio É Cheio de Coisa constitui síntese de sua investigação, criando dramaturgia de imagens e significados que emergem da relação sensível entre humano e vegetal. Artista e artesã, Poema cuida de bambuzal: colhe, projeta, trata e constrói instrumentos, transpondo saberes artesanais para corpo cênico.

Nas criações internacionais mais conceituais, Fragmentos da La Víspera explora distorções e desintegrações corporais, transformando dor em linguagem cênica através de máscaras, marionetes e experimentações com luz. O espetáculo aborda fragmentação como alívio paradoxal ao sofrimento, criando thriller circense sobre processo de transformação contínua entre escolhas pessoais e atravessamentos externos.

Por outro lado, Vermelho, Branco e Preto de Cibele Mateus dá vida à figura cômica “Mateu” do Cavalo Marinho pernambucano, construindo brincadeira-manifesto que celebra alegria como tecnologia de reexistência, misturando riso, poesia e encantamento popular para questionar padrões coloniais e afirmar ancestralidade.

Em outra abordagem crítica, Le Bruit des Pierres do Collectif Maison Courbe entrelaça circo coreográfico, artes visuais e teatro físico para examinar ganância da sociedade ocidental pelo ouro. Duas mulheres personificam essa obsessão: uma cobre pedras com folhas douradas em gesto ritual repetitivo, enquanto outra as devora freneticamente até a overdose. Entre pedras e corpos surgem coreografias que exploram suspensão, desequilíbrio e queda, trazendo reflexão sobre exaustão capitalista e fragilidade ambiental.

Encerrando essa mostra circense, Juventud da Cie NDE funde dança e malabarismo, transformando fisicalidade circense em campo de experimentação e liberdade. A obra propõe manifestação em movimento constante, onde beleza não está na ordem ou perfeição, mas na complexidade do coletivo, em que indivíduo e grupo se complementam sem se anular.

Serviço 

Encerramento dos Festivais (Dança e Feteag)

À un endroit du début (Germaine Acogny)
Síntese autobiográfica entre cosmogonia iorubá e tragédia grega
Data: 26 de outubro de 2025 (Domingo) | Horário: 19h
Local: Teatro Santa Isabel (Praça da República, s/n, Santo Antônio)
Ingressos: Gratuito (retirada 1h antes, mediante doação de 1 kg de alimento não perecível)

Festival Internacional de Dança do Recife

Orunmilá (Orun Santana) | Jogo de búzios como dramaturgia espiralar sobre ancestralidade
Data: 24 de outubro de 2025 (Sexta-feira) | Horário: 14h e 19h
Local: Teatro Hermilo Borba Filho | Acessibilidade: Libras
Para Expectativa Somente Desvios (Marcos Teófilo) | Narrativas corporais complexas questionam expectativas sociais
Data: 24 de outubro de 2025 (Sexta-feira) | Horário: 20h30
Local: Teatro Apolo | Acessibilidade: Libras
Cavalo Marinho Estrela Brilhante | Manifestação popular nordestina mistura teatro, dança e improviso
Data: 26 de outubro de 2025 (Domingo) | Horário: 16h
Local: Teatro Hermilo Borba Filho
Circo Experimental Negro – O Encontro da Tempestade e a Guerra | Intersecção afrocentrada entre circo, dança e teatro
Data: 25 de outubro de 2025 (Sábado) | Horário: 17h
Local: Teatro Apolo
“Lúden Cia de Dança – Ciclobrega” | Fusão inusitada entre dança contemporânea e cultura do brega
Data: 25 de outubro de 2025 (Sábado) | Horário: 18h
Local: Teatro Hermilo Borba Filho
“Batalha da Escadaria” | Cultura urbana pernambucana em afrobeats, hip hop e baile charme
Data: 25 de outubro de 2025 (Sábado) | Horário: 15h às 21h
Local: Compaz Eduardo Campos

FETEAG 2025

“Bolor” (Gabi Holanda, Guilherme Allain e Isabela Severi) | Fungos como metáfora da decomposição da mitologia açucareira
Data: 24 de outubro de 2025 (Sexta-feira) | Horário: 19h
Local: Teatro Rui Limeira Rosal | Ingressos: Gratuito
“Les Sans (Os sem)” (Les Récréâtrales-ELAN) | Pensamento fanoniano questiona limitações da independência africana
Data: 24 de outubro de 2025 (Sexta-feira) | Horário: 21h
Local: Teatro Lycio Neves | Ingressos: Gratuito
“L’Opéra du villageois” (Compagnie Zora Snake) | Performance-ritual ressuscita máscaras africanas roubadas pelos museus europeus
Data: 25 de outubro de 2025 (Sábado) | Horário: 17h
Local: Estação Ferroviária | Ingressos: Gratuito
“Corpos” (Cie Mangrove) | Laboratório coreográfico entre culturas caribenhas e brasileiras
Data: 25 de outubro de 2025 (Sábado) | Horário: 19h
Local: Teatro Rui Limeira Rosal | Ingressos: Gratuito
“Inquieta (Música)” (Larissa Lisboa com Gabi da Pele Preta) | Nova cena musical pernambucana negra e LGBTQIA+
Data: 25 de outubro de 2025 (Sábado) | Horário: 21h
Local: Teatro Lycio Neves | Ingressos: Gratuito

Cia. Etc. – 25 Anos

“O Tempo das Lebres” | Estética techno examina aceleração contemporânea e exaustão sistêmica
Datas: 24 e 25 de outubro (Recife) | 30 e 31 de outubro (Triunfo)
Horário: 20h (Recife) | 19h (Triunfo)
Local: TV Universitária – Estúdio B (Recife) | Sociedade Triunfense de Cultura (Triunfo)
Ingressos: R30(inteira)/R 15 (meia) – Recife | Gratuito – Triunfo
Classificação: 12 anos | Mais informações: @ciaetc

Espaço O Poste – Laboratório Autoral

“Barro Mulher” (Fabíola Nansurê) | Dramaturgia sensorial questiona padrões estéticos através do barro
Data: 24 de outubro de 2025 (Sexta-feira) | Horário: 19h
Local: Espaço O Poste (Rua do Riachuelo, 641, Boa Vista)
Ingressos: R30(inteira)/R 15 (meia)
“Luanda Ruanda: Histórias Africanas” (Stephany Metódio) | Contação antirracista conecta tradições africanas com diáspora brasileira
Data: 25 de outubro de 2025 (Sábado) | Horário: 16h
Local: Espaço O Poste | Ingressos: Gratuito | Classificação: Livre
“Negaça” (Urubatan Miranda) | Solo autobiográfico desconstrói estereótipos da masculinidade nordestina
Data: 31 de outubro de 2025 (Quinta-feira) | Horário: 19h
Local: Espaço O Poste | Ingressos: R30(inteira)/R 15 (meia)

CAIXA Cultural Recife – Coletivo Gompa

“Frankinh@ – Uma história em pedacinhos” | Primeira ficção científica da história adaptada para despertar imaginário infantil
Datas: 25 e 26 de outubro e 1º de novembro | Horários: 17h (sábado) | 11h (domingo)
Local: CAIXA Cultural Recife (Av. Alfredo Lisboa, 505, Bairro do Recife)
Ingressos: R30(inteira)/R 15 (meia) | Classificação: Livre
Acessibilidade: Sessão de 26/10 com Libras | Informações: (81) 3425-1915
“Frankenstein” | Perspectiva decolonial conecta corpo feminino e Amazônia
Datas: 30 de outubro (Quinta-feira), 31 de outubro (Sexta-feira) e 1º de novembro (Sábado) | Horário: 20h
Local: CAIXA Cultural Recife | Classificação: A partir de 16 anos
Ingressos: R30(inteira)/R 15 (meia) | Acessibilidade: Sessão de 31/10 com Libras

Produções Teatrais

“Sonho Encantado de Cordel – O Musical” | Fusão entre Hans Christian Andersen e cultura nordestina inspirada na Imperatriz Leopoldinense
Datas: 25 de outubro (Sábado) e 26 de outubro (Domingo) | Horários: Sábado: 17h | Domingo: 15h e 17h
Local: Teatro Luiz Mendonça (Av. Boa Viagem, s/n, Boa Viagem)
Patrocínio: Ministério da Cultura e CAIXA Vida e Previdência
“Cinderela em: Toda Cidade Tem” (Jeison Wallace) | Humor inteligente sobre peculiaridades do cotidiano urbano brasileiro
Data: 25 de outubro de 2025 (Sábado) | Horário: 18h30
Local: Teatro do Parque (R. do Hospício, 81, Recife)
Ingressos: R120(inteira)/R 60 (meia) / R$ 80 (social com 1kg alimento)
Classificação: 14 anos | Informações: (81) 98463-8388
“Os 3 Super Porquinhos” | Comédia musical inverte arquétipos para conscientização ambiental
Data: 26 de outubro de 2025 (Domingo) | Horário: 11h
Local: Teatro do Parque | Ingressos: R100(inteira)/R 50 (meia) / R$ 70 (social)
Acessibilidade: Libras | Informações: @robertocostaproducoes
“Tom na Fazenda” | Sobrevivência emocional em ambiente rural hostil após turnê europeia
Datas: 7 de novembro (Sexta-feira), 8 de novembro (Sábado) e 9 de novembro (Domingo) | Horários: Sex/Sáb: 20h | Dom: 19h
Local: Teatro Luiz Mendonça
“Chapeuzinho de Neve Adormecida” | Confusão divertida entre múltiplos contos clássicos
Data: 1º de novembro (Sábado) | Horário: 16h30 | Ingressos: R50 a R 100
Local: Teatro Luiz Mendonça
“A Princesa dos Mares – O Musical” | Jornada épica oceânica com mensagem de preservação ambiental
Data: 2 de novembro (Domingo) | Horário: 16h30 | Ingressos: R50 a R 100
Local: Teatro Luiz Mendonça

Festival de Circo do Brasil – 13 Espetáculos

“Nove Tentativas de Não Sucumbir” (Cia Devir) | Trapézio como metáfora sobre resistência e reinvenção humana
Datas: 31 de outubro (Quinta-feira) e 1º de novembro (Sábado) | Horário: 19h
Local: Teatro Apolo | Classificação: 14 anos
Ingressos: Gratuito (retirada via Sympla) | Acessibilidade: 1º/11 com Libras
“Copyleft” (Cie. NDE) | Dream team internacional em turbilhão malabarístico de cinco países
Data: 8 de novembro (Sábado) | Horário: 15h
Local: Parque Apipucos | Classificação: Livre
Ingressos: Gratuito
“Esparrama Circo” (Grupo Esparrama) | Público como protagonista em homenagem à tradição circense popular
Datas: 1º de novembro (Sábado) e 2 de novembro (Domingo)
Local: Parque Santana – Ariano Suassuna | Classificação: Livre
Ingressos: Gratuito
“A Risita” (Coletivo Fuscirco) | Circo completo em Fusca Azul com humor cearense
Datas:
1º de novembro (Sábado) e 2 de novembro (Domingo) | Parque Santana – Ariano Suassuna
3 de novembro (Segunda-feira) | 15h | Compaz Ariano Suassuna
4 de novembro (Terça-feira) | 16h | Vera Cruz/Aldeia – Camaragibe
Classificação: Livre | Ingressos: Gratuito
“Mostra PE” | Cinco números da produção local pernambucana
Datas: 1º de novembro (Sábado) e 2 de novembro (Domingo)
Local: Parque Santana (Casa Forte) | Classificação: Livre
Ingressos: Gratuito
“Hyperboles” (Cie. SCoM) | Interseção entre skate e acrobacia questionando lugar das mulheres
Datas: 1º de novembro (Sábado) e 2 de novembro (Domingo)
Local: Parque Santana – Ariano Suassuna | Classificação: Livre
Ingressos: Gratuito
“How Much We Carry?” (Cirque Immersif) | Percha gigante em desequilíbrio como convite ao encontro
Datas:
1º de novembro (Sábado) e 2 de novembro (Domingo) | Parque Santana (Casa Forte)
7 de novembro (Sexta-feira) | 16h30 | Alto da Sé (Olinda)
8 de novembro (Sábado) | 15h | Oficina Francisco Brennand (Várzea)
9 de novembro (Domingo) | 16h | Praça do Arsenal (Recife Antigo)
Classificação: Livre | Ingressos: Gratuito
“Sarayvara” (Cia Nós No Bambu) | 21 anos de pesquisa arte-corpo-bambu em celebração
Data: 7 de novembro (Sexta-feira) | Horário: 19h
Local: Teatro Hermilo Borba Filho | Classificação: Livre
Ingressos: Gratuito (retirada via Sympla)
“O Vazio É Cheio de Coisa” (Cia Nós no Bambu) | Síntese de 15 anos de investigação entre humano e vegetal
Data: 6 de novembro (Quinta-feira) | Horário: 20h
Local: Teatro de Santa Isabel | Classificação: 12 anos
Ingressos: Sympla
“Fragmentos” (La Víspera) | Thriller circense explora fragmentação mental como sobrevivência
Datas: 6 de novembro (Quinta-feira) e 8 de novembro (Sábado) | Horário: 19h30
Local: Teatro Apolo | Classificação: 14 anos
Ingressos: Sympla
“Vermelho, Branco e Preto” (Cibele Mateus) | Mateu do Cavalo Marinho como brincadeira-manifesto de reexistência
Datas: 5 de novembro (Quarta-feira) e 6 de novembro (Quinta-feira) | Horário: 19h30
Local: Teatro Apolo | Classificação: 12 anos
Ingressos: Sympla | Acessibilidade: 5/11 com Libras
“Le Bruit des Pierres” (Collectif Maison Courbe) | Obsessão pelo ouro revela exaustão capitalista e fragilidade ambiental
Datas: 8 de novembro (Sábado) e 9 de novembro (Domingo) | Horários: Sáb: 20h | Dom: 18h
Local: Teatro de Santa Isabel | Classificação: Livre
Ingressos: Sympla
“Juventud” (Cie NDE) | Energia coletiva através de malabarismo, movimento e experimentação
Data: 9 de novembro (Domingo) | Horário: 17h
Local: Teatro do Parque | Classificação: 10 anos
Ingressos: Sympla
Informações Gerais: A programação oferece sessões com Libras em múltiplos espetáculos e 9 espetáculos gratuitos no Festival de Circo (além de 4 com ingressos via Sympla), democratizando acesso à cultura de qualidade internacional.

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Cocina Pública
uma experiência de humanidades

Teatro da mesa comum, duas noites marcantes no Assentamento Normandia, em Caruaru, durante o Feteag.  Fotos: Kari Carvalho / Divulgação

Cocina Pública, do Teatro Contêiner, do Chile. Foto: Kari Carvalho / Divulgação

A luta pela terra é também luta pelo direito de alimentar-se com dignidade. O cientista pernambucano Josué de Castro ensinou que a fome não é fenômeno natural, mas político – resultado de escolhas sociais que determinam quem produz, quem acessa e quem é excluído do banquete da humanidade. No Assentamento Normandia, território do Movimento dos Trabalhadores Rurais Sem Terra (MST) em Caruaru, essa compreensão ganha contornos ainda mais expressivos quando arte e política se encontram em torno de uma mesa comunitária.

Foi exatamente nesse contexto que, durante o 34º Festival de Teatro do Agreste (Feteag), nos dias 18 e 19 de outubro de 2025, cerca de 100 pessoas por noite participaram de uma experiência que transformou o ato de alimentar-se em gesto artístico e cidadania plena. O espetáculo La Cocina Pública, do Teatro Contêiner de Valparaíso, Chile, combina arte performativa com intercâmbio culinário, criando uma cozinha móvel que transforma a alimentação em experiência de reconhecimento mútuo – uma afirmação de que comer é direito inalienável materializado em ação coletiva.

Dessa forma, iniciativas como essa permitem que o teatro vá além da representação para se tornar construção ativa de realidades mais justas, suspendendo temporariamente as hierarquias que determinam quem come o quê, onde e com quem.

O contêiner que carrega utopias

Artistas do teatro e do MST particparam da construção da Cocina Pública em Caruaru

Elencoo do trabalho Cocina Pública

Plaquetas de orientação

Quando chegamos ao final da tarde, a equipe ultimava os preparativos para o espetáculo. O crepúsculo pedia suas memórias enquanto um contêiner permanecia lacrado, com cadeiras dispostas pelo terreiro aguardando a apresentação. Já nesse momento, tabuletas escritas a giz anunciavam: “Vaca Atolada – Cardápio do Dia” e algo como “Cada um lava seu próprio prato” – primeiros indícios de que ali a democracia começaria por gestos simples de cooperação.

Essa proposta ganha força especial ao acontecer no Assentamento Normandia, que carrega uma história de luta e resistência iniciada em 1º de maio de 1993, quando 179 famílias ocuparam a fazenda na zona rural de Caruaru. Foram necessários quatro anos de enfrentamento – cinco ordens de despejo, plantações queimadas, barracos derrubados e até greve de fome – para que, em 1997, Normandia fosse reconhecido oficialmente como assentamento.

Hoje, além do Centro de Formação Paulo Freire, Normandia abriga cooperativa, associação, agroindústria, escola multisseriada e o grupo de mulheres boleiras – estruturas ativas que organizam os assentados e acolhem a comunidade em atividades formativas. Constitui-se, portanto, como espaço agregador onde a educação popular é princípio fundamental.

Prato passa de mão em mão

 É justamente por essa história que apresentar La Cocina Pública em Normandia cria conexões poderosas entre alimentação, luta pela terra e produção de alimentos. Em um território conquistado para que famílias pudessem plantar e colher, o projeto teatral encontra sua expressão mais completa: a mesa comunitária se torna continuidade da luta por soberania alimentar.

Assim, cada prato servido carrega camadas que ultrapassam o nutritivo. É resultado de terra disputada, conquistada, cultivada por mãos que conhecem o valor de cada grão. É materialização do sonho de que produzir alimento pode ser ato de liberdade, não apenas de sobrevivência.

Com essa atmosfera carregada de história, quando os atores surgiram no terreiro, uma transformação começou a operar no ambiente. Um performer subiu ao topo do contêiner e iniciou movimentos entre roupas coloridas espalhadas no teto da superfície metálica. Explorava, brincava com aquela massa têxtil até lançar todo o conjunto ao chão, revelando uma dança de possibilidades: retalhos multicoloridos ganharam vida própria, ondulando como mar têxtil.

O material se transformou inicialmente numa grande saia coletiva, abrigando participantes que emergiam para compartilhar narrativas pessoais. Em seguida, os mesmos tecidos costurados como uma grande tenda fazia a cobertura festiva.

Vista do contêiner

Enquanto essa transformação visual acontecia, os espectadores foram convidados a contornar o contêiner e descobrir seu interior. O que encontramos foi uma cozinha construída com materiais do próprio assentamento: ervas penduradas, pratos organizados, tábuas de cortar legumes, equipamentos improvisados com a criatividade local.

A partir dessa descoberta, o que se seguiu foi uma experiência especial em que artistas e moradores construíram juntos cada momento da apresentação. Os espectadores participaram da cena ativamente, ajudando a organizar mesas e cadeiras, forrando superfícies, distribuindo talheres. Cada movimento se tornava parte de uma coreografia espontânea da cooperação.

Nesse ritmo cerimonial, a refeição chegou em etapas: primeiro os copos e a água, acompanhados de um refresco com cachaça. Em seguida, pães preparados pela própria equipe, servidos com vinhagrete aromático de tomate, cebola e coentro finamente cortados. Entre um gole e outro, as histórias começaram a circular.

Com garfos tilintando nos copos para chamar atenção, um dos apresentadores explicou como se faz: “Piquem o coentro, sintam o aroma e talvez se lembrem da casa de suas avós. Cortem a cebola, limpem os olhos e quem sabe também o coração”.

Arary Marrocos, cofundadora do Teatro Experimental de Arte, presença alegre no Feteag

Sob o teto de tecidos coloridos que criava uma atmosfera circense, mais de cem pessoas se acomodaram para a refeição principal. Os atores narraram a receita da vaca atolada enquanto os pratos eram servidos e passados de mão em mão até as extremidades das mesas. Alguém da comunidade contou a lenda da macaxeira, entrelaçando mitologia local com sabores ancestrais.

Essa atmosfera participativa se intensificou quando o microfone circulou aberto para quem quisesse compartilhar. Canções chilenas foram tocadas e cantadas, alguns brasileiros também aceitaram o convite e tocaram alguma coisa, corpos se moveram em danças espontâneas, criando uma festa transnacional.

Era exatamente essa transversalidade que a companhia havia descoberto ao longo de suas andanças: o projeto permite que diferentes gerações e grupos sociais se encontrem de forma natural e espontânea.

Músicas chilenas e brasileiras animaram a noite

Observando essas dinâmicas, a ideia de transformação ganha dimensão quando percebemos as mudanças subjetivas que a experiência promove. Na mesa da Cozinha Pública, divergências ideológicas se dissolvem no gesto compartilhado de partir o pão, demonstrando como a arte pode criar experiências que expandem nossa capacidade de reconhecer humanidade no outro.

Talvez residam aí as possibilidades revolucionárias mais sutis e duradouras do teatro: não na conversão imediata de consciências, mas na criação de momentos onde a partilha se torna mais poderosa que as palavras, onde o reconhecimento mútuo acontece através de um gesto elementar de comer juntos.

Para compreender melhor essa metodologia, é importante conhecer suas origens. O Teatro Contêiner desenvolveu-se na paisagem de Valparaíso, cidade portuária de colinas e escaladas no litoral chileno, onde os contêineres são presenças constantes na vida cotidiana. Seus criadores perceberam que esses símbolos do comércio globalizado poderiam ser ressignificados culturalmente.

Ao longo dos primeiros dez anos de trabalho, a companhia compreendeu que as linguagens teatrais tradicionais encontravam barreiras em diferentes contextos sociais e geográficos. Essa constatação levou à necessidade de criar códigos mais universais, o que conduziu à descoberta da comida como linguagem compartilhada.

Afinal, todo mundo sabe avaliar se um prato precisa de sal, se está aguado ou se a textura agrada. Esses sabores carregam identidade coletiva, memórias familiares e conhecimentos transmitidos entre gerações.

A alegria que tomou conta do terreiro nas duas noites de Normandia carregava algo mais profundo que o prazer de uma refeição bem temperada. Era a alegria do encontro – aquela que surge quando pessoas se reconhecem mutuamente para além dos papéis sociais que habitualmente ocupam. A festa acontecia porque algo fundamental estava sendo restaurado.

Essas experiências são sementes plantadas na memória afetiva de cada participante. Quando nos despedimos da caravana chilena, ficou a comprovação de que é possível criar, mesmo temporariamente, espaços onde pessoas se reconhecem mutuamente em sua humanidade essencial. La Cocina Pública demonstra que teatro pode ajudar na construção de realidades mais generosas. 

Ficha Técnica

Direção: Nicolás Eyzaguirre
Direção Técnica: Kevin Morizur
Chef e Ator: Juan Larenas
Antropóloga e Oficina de Memória: Ana Insunza
Costureira e Figurinos: Mayra Olivares
Cenografia: Williams Luttgue
Atriz: Irina Gallardo
Ator e Músico: Alexander Castillo
Realização: Teatro Container (Valparaíso, Chile)
Local: Assentamento Normandia, Caruaru/PE
Datas: 18 e 19 de outubro de 2025
Festival: 34º Feteag – Festival de Teatro do Agreste
Classificação: Livre

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Teatro é ao Vivo. Vá Ver!
Apacepe resgata campanha de divulgação

Cúmplices, com Fabiana Pirro e Júnior Sampaio participa da campanha Teatro é ao Vivo. Vá Ver!

Produtor Paulo de Castro na reunião da retomada na Câmara dos Vereadores

Encontro na Câmara, que definiu os rumos da retomada, com articulação da vereadora Cida Pedrosa (ao centro)

A retomada da campanha Teatro é ao Vivo. Vá Ver! pela Associação dos Produtores de Artes Cênicas de Pernambuco (APACEPE) chega como uma promessa de aproximação do potencial público pagante com a produção teatral do estado. Após um hiato que coincidiu com transformações profundas no consumo cultural brasileiro, intensificadas durante a pandemia, esta iniciativa reafirma a arte presencial como experiência insubstituível frente virtualização crescente.

Entre 2004 e 2014, o modelo original estabeleceu uma referência nacional de divulgação teatral. Durante uma década, o projeto garantiu visibilidade para aproximadamente 2.600 espetáculos através de mais de 8.300 inserções televisivas na Rede Globo Nordeste. Baseando-se em contribuições de R$ 150 por semana de cada produção, enquanto a emissora cedia gratuitamente o espaço publicitário, gerou-se um valor estimado de divulgação superior a 49 milhões de reais em valores atuais.

Através desta estrutura, criou-se um sistema democrático de divulgação que beneficiou diretamente o ecossistema teatral pernambucano. Com 16 inserções semanais de um minuto cada, garantia-se exposição regular para produções que, de outra forma, dependiam exclusivamente de divulgação boca a boca ou materiais impressos com alcance limitado. Consequentemente, grupos menores, sem orçamento publicitário significativo, passaram a competir em visibilidade com grandes produções.

Além da divulgação, o projeto padronizou a comunicação teatral em Pernambuco, criando uma linguagem visual reconhecível que educou o público sobre a programação cultural disponível. Esse processo resultou em aumento documentado na frequência aos teatros e na formação de novos hábitos de consumo cultural, especialmente entre segmentos populacionais que tradicionalmente não frequentavam espaços culturais.

Programação de Retorno

Cantiga à Pedra do Reino, de Lucinha Guerra, abriu a projeto nos dias 17 e 18 de outubro. Foto: Reprodução

Cúmplices – Transgressões de um Ricardo III, com Fabiana Pirro e Junior Sampaio. Foto: Michéli de Quadros

Esquecidos por Deus, monólogo com Murilo Freire. Foto: Tayná Nunes e Sérgio Ricardo / Divulgação

Gracinha do Samba apresenta A Raiz do Samba com entrada gratuita. Foto: Reprodução

Geraldo Maia apresenta Minha História Sou Eu, celebrando 45 anos de carreira. Foto: Reprodução 

Iniciada em 17 de outubro, a programação de relançamento demonstra a amplitude conceitual que a campanha pretende manter. Inaugurando oficialmente o retorno, o espetáculo Cantiga à Pedra do Reino, de Lucinha Guerra, ocupou nos dias 17 e 18 o Teatro Arraial Ariano Suassuna, estabelecendo conexões com o legado de Ariano Suassuna através do Movimento Armorial.

Dando continuidade ao cronograma, quatro espetáculos representam diferentes linguagens das artes cênicas. Nos dias 22 e 23 de outubro, Cúmplices – Transgressões de um Ricardo III, com concepção de Moncho Rodriguez e direção de João Guisande e Moncho Rodriguez, ocupa o Teatro Marco Camarotti. Interpretado por Fabiana Pirro e Junior Sampaio, o espetáculo oferece uma leitura politicamente densa da obra shakespeariana, questionando estruturas de poder e mecanismos de cumplicidade social diante de regimes autoritários. Explorando a sedução do poder absoluto e a corrosão moral que acompanha sua busca, a produção dialoga diretamente com questões contemporâneas urgentes.

Para o dia 29 de outubro, Esquecidos por Deus, monólogo com Murilo Freire, baseia-se na obra O Livro das Personagens Esquecidas de Cícero Belmar, com direção e dramaturgia de José Manoel Sobrinho. Navegando pelos territórios da memória, da fé e da identidade, características centrais na dramaturgia nordestina, o espetáculo evidencia a confiança na potência narrativa individual que marca o teatro pernambucano, sendo uma realização do LAPA – Laboratório Pernambucano do Atuante.

A programação musical encerra a semana de lançamento com dois espetáculos no Teatro Capiba. Gracinha do Samba apresenta A Raiz do Samba com entrada gratuita, acompanhada por uma banda formada por Ralph (violão, coral e voz guia), Rinaldo (cavaco), Miguel (coral, pandeiro e malacacheta), Rafael Galdino (surdo), Nyll (tantanzinho, efeitos e coral), Nego Thon (repique, conga e efeitos) e Augusto (tamborim). Com produção geral de Pedro Castro, o espetáculo valoriza as tradições populares e democratiza o acesso cultural.

Fechando a programação no dia 31 de outubro, Geraldo Maia apresenta Minha História Sou Eu, celebrando 45 anos de carreira. Com direção musical de Renato Bandeira e acompanhamento de Gilberto Bala (percussão), Lieve Ferreira (viola) e Renato Bandeira (violão, viola e guitarra semi-acústica), o show funciona como ponte entre gerações, oferecendo aos espectadores mais jovens a oportunidade de conhecer referências fundamentais da música pernambucana. Sob produção geral de Pedro Castro e assistência de produção de Sayonara Silva, o espetáculo marca uma celebração de trajetórias artísticas consolidadas.

Desafios do Retorno

Desde 2014, o cenário midiático transformou-se radicalmente. Com audiências pulverizadas entre plataformas de streaming, redes sociais e conteúdos sob demanda, tornou-se exponencialmente mais difícil alcançar grandes audiências através de um único veículo. Diferentemente do modelo televisivo original, onde a Globo Nordeste assumia os custos de veiculação, as mídias digitais exigem investimentos contínuos em impulsionamento e produção de conteúdo.

Paralelamente às mudanças tecnológicas, a pandemia alterou permanentemente os hábitos de consumo cultural. Desenvolvendo resistência a aglomerações e preferência por experiências controladas em casa, o público também reduziu o orçamento destinado a atividades culturais presenciais. Consequentemente, a campanha precisa reconquistar a confiança na experiência teatral como atividade necessária, exigindo estratégias de comunicação mais sofisticadas que as chamadas de um minuto da versão original.

No aspecto econômico, o modelo financeiro original tornou-se insustentável. Enquanto os custos de produção teatral aumentaram exponencialmente, as receitas diminuíram, tornando qualquer custo adicional um obstáculo significativo para muitas companhias. Simultaneamente, os custos de produção audiovisual profissional cresceram, especialmente para conteúdos que competem por atenção nas mídias digitais.

Estratégias de Adaptação

Estrategicamente, a descentralização por diferentes espaços teatrais – Teatro Arraial Ariano Suassuna, Teatro Marco Camarotti e Teatro Capiba – amplia o alcance do projeto, criando novos hábitos de consumo cultural e fortalecendo o circuito teatral da região metropolitana do Recife. Considerando que cada teatro possui identidade arquitetônica e frequentadores específicos, a campanha consegue atingir segmentos diversificados de público.

No campo digital, a ampliação da presença mencionada no material de divulgação reflete a compreensão de que o mercado cultural contemporâneo exige estratégias híbridas de comunicação. Entretanto, o slogan “Teatro é ao Vivo. Vá Ver!” mantém sua força provocativa, funcionando como manifesto contra a virtualização excessiva das experiências culturais.

Contextualmente, o retorno da campanha em 2025 ocorre durante a recuperação gradual do setor cultural pós-pandemia, quando muitos artistas ainda enfrentam dificuldades financeiras e de público. Portanto, iniciativas como esta representam gestos de afirmação da importância social das artes cênicas, testando a disposição da sociedade pernambucana para revalorizar as experiências culturais presenciais e coletivas.

SERVIÇO

Teatro é ao Vivo. Vá Ver! – Programação

22 e 23 de outubro – 19h30
📍 Teatro Marco Camarotti – Sesc Santo Amaro
🎭 Cúmplices – Transgressões de um Ricardo III
Reflexão sobre poder, ética e cumplicidade diante de regimes autoritários
🎟️ R$ 60,00 (inteira) / R$ 30,00 (meia ou ingresso social + 1kg de alimento)

29 de outubro – 19h30
📍 Teatro Marco Camarotti – Sesc Santo Amaro
🎭 Esquecidos por Deus
Monólogo com Murilo Freire, baseado na obra de Cícero Belmar
🎟️ R$ 60,00 (inteira) / R$ 30,00 (meia)

30 de outubro – 19h30
📍 Teatro Capiba – Sesc Casa Amarela
🎶 Gracinha do Samba – A Raiz do Samba
Celebração do samba de raiz e suas tradições
🎟️ Entrada gratuita

31 de outubro – 19h30
📍 Teatro Capiba – Sesc Casa Amarela
🎤 Geraldo Maia – Minha História Sou Eu
Show comemorativo dos 45 anos de carreira
🎟️ R$ 30,00 (inteira) / R$ 15,00 (meia)

Ficha Técnica:
🎭 Cúmplices – Transgressões de um Ricardo III
Concepção: Moncho Rodriguez
Direção: João Guisande e Moncho Rodriguez
Intérpretes: Fabiana Pirro e Junior Sampaio
Dramaturgia: Moncho Rodriguez
Música: Narciso Fernandes
Figurinos: Marília Castro e Moncho Rodriguez
Cenário: Moncho Rodriguez
Produção: Paulo de Castro Produções e PIANE

Ficha Técnica:
🎭 Esquecidos por Deus
Texto: Cícero Belmar
Direção e Dramaturgia: José Manoel Sobrinho
Atuação: Murilo Freire
Realização: LAPA – Laboratório Pernambucano do Atuante

Ficha Técnica:
🎶 Gracinha do Samba – A Raiz do Samba
Voz: Gracinha do Samba
Músicos: Ralph (violão, coral e voz guia), Rinaldo (cavaco), Miguel (coral, pandeiro e malacacheta), Rafael Galdino (surdo), Nyll (tantanzinho, efeitos e coral), Nego Thon (repique, conga e efeitos), Augusto (tamborim)
Produção geral: Pedro Castro

Ficha Técnica:
🎤 Geraldo Maia – Minha História Sou Eu
Cantor: Geraldo Maia
Direção musical: Renato Bandeira
Músicos: Gilberto Bala (percussão), Lieve Ferreira (viola) e Renato Bandeira (violão, viola e guitarra semi-acústica)
Produção geral: Pedro Castro
Assistente de produção: Sayonara Silva
Realização: APACEPE – Associação dos Produtores de Artes Cênicas de Pernambuco

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