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Feteag confirma Caruaru como
epicentro de descentralização cultural
Peças dos primeiros dias

Entrado do Teatro Lycio Neves no dia da apresentação do Magiluth. Foto: Jorge Farias

Plateia do Teatro Lycio Neves no dia da apresentação de Neva. Foto: Jorge Farias

Fabio Pascoal, diretor e curador do Feteag. Foto: Jorge Farias / Divulgação

A 34ª edição do Festival de Teatro do Agreste (Feteag) acontece sob a égide de uma provocação contemporânea urgente: como manter a humanidade em um mundo hiperconectado? A resposta do Teatro Experimental de Arte (TEA), idealizador e realizador do festival, parece estar na própria escolha curatorial desta edição – uma seleção que equilibra conexão global com intimidade humana, velocidade tecnológica com desaceleração contemplativa.

Em um momento histórico em que a digitalização ameaça fragmentar experiências coletivas, o Feteag 2025 se posiciona como um laboratório de resistência. As escolhas artísticas desta edição arquitetam encontros. Encontros entre públicos diversos, entre linguagens teatrais distintas, entre o cosmopolita e o regional – mas, sobretudo, encontros genuinamente humanos. A participação de La cocina Pública, do grupo chileno Teatro Container no  Assentamento Normandia é inspiração para muitos debates políticos e estéticos.

A curadoria demonstra maturidade ao compreender que estar “conectado com o mundo” não significa necessariamente aderir aos seus ritmos sufocantes. Pelo contrário: a programação funciona como um convite à desaceleração reflexiva, criando espaços onde a experiência teatral pode operar como antídoto ao frenesi urbano contemporâneo.

A aposta em reforçar o território de Caruaru mostra-se cada vez mais acertada. A cidade, que já não corresponde às memórias mais remotas de uma urbe menor, se posiciona como metrópole cultural em potencial. O crescimento urbano veio acompanhado de uma ampla oferta de serviços, mas é no setor cultural que reside ainda o maior espaço para desenvolvimento – lacuna que o Feteag vem preenchendo sistematicamente há mais de três décadas.

O que se observa nesta edição é uma inversão de fluxos culturais tradicionalmente centrípetos. Ao invés de drenar talentos e públicos para os grandes centros, o festival transforma Caruaru em um ímã cultural, atraindo artistas, críticos, curadores e espectadores de diversas regiões. Essa descentralização é geográfica e simbólica, questionando hierarquias culturais estabelecidas.

Talvez o fenômeno mais fascinante desta edição seja o engajamento de uma legião de jovens com o teatro. Estudantes que se transformam em multiplicadores culturais, divulgando, debatendo, vibrando com as propostas artísticas. Esse movimento de apropriação juvenil do festival sugere que estamos diante de uma mudança geracional no consumo e na produção cultural da região.

À mon seul désir (Ao meu único desejo), de Gaëlle Bourges (França)

À mon seul désir, na abertura do Feteag no Recife. Foto: Walton Ribeiro / Divulgação

A abertura do Feteag no Recife (9 e 10 de outubro) com a obra À mon seul désir, de Gaëlle Bourges, sublinha a ousadia curatorial do festival. Espetáculo faz uma desconstrução crítica e performática de um dos ícones da arte medieval, a série de tapeçarias A Dama e o Unicórnio. Bourges utiliza a obra original, rica em simbolismo alegórico sobre os cinco sentidos e o “único desejo”, como ponto de partida para um exame perspicaz da representação feminina na arte ocidental e das construções sociais em torno da feminilidade, pureza e desejo.

As tapeçarias originais, datadas do século XV, apresentam uma figura feminina idealizada, cercada por animais fantásticos e elementos florais, frequentemente interpretada como um emblema de virtude e castidade. Bourges, no entanto, subverte essa leitura ao despir as intérpretes, expondo a vulnerabilidade e a força do corpo feminino em sua forma mais crua. A encenação, com quatro artistas nuas, explora a dualidade entre a figura idealizada da Dama e os simbolismos contidos no bestiário da tapeçaria, como o leão e o unicórnio. Ao vestir as intérpretes com máscaras de animais como o coelho — tradicionalmente associado à fertilidade e, por vezes, à luxúria — e questionar a virgindade da Dama através da exposição do corpo feminino em diferentes perspectivas e movimentos, Bourges provoca e convida o público a repensar os códigos morais e estéticos que moldam nossa percepção da história da arte e da identidade feminina.

A transição de um movimento gracioso e quase pictórico para uma sarabanda frenética de Coelhos pode ser interpretada como uma libertação catártica dessas convenções, um rompimento com a passividade e a idealização atribuídas historicamente à mulher na arte. É um ato de reencarnação dos símbolos, onde o corpo presente e vivo das bailarinas se torna o veículo para uma nova narrativa. A bagagem da diretora, com seu interesse no corpo feminino como ferramentas de análise e expressão sobre autonomia, permeia toda a construção cênica, promovendo a ressignificação da imagem da mulher e a crítica ao olhar patriarcal na história da arte. À mon seul désir é, portanto, uma abertura que celebra a artea, mesmo tempo que a questiona, a transforma e a recontextualiza, proposta alinhada com a escolha curatorial deste ano do Feteag de ampliar diálogos e estéticas desafiadoras.

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Dancemos… que o mundo se acaba! (Bailemos… que se acaba el mundo!), de BiNeural-MonoKultur (Argentina)

Florencia Baigorrí e Maximiliano Carrasco Garrido, comandam as coreografias. Foto: Kari Carvalho / Divulgação

A performance Dancemos… que o mundo se acaba! (Bailemos… que se acaba el mundo!), do coletivo argentino BiNeural-MonoKultur, apresentada em Caruaru, é um exemplo notável de teatro imersivo e participativo que dialoga diretamente com o contexto social contemporâneo. A escolha de um espaço não-convencional como a Estação Ferroviária de Caruaru adiciona camadas de significado. Uma estação, por sua natureza, é um local de trânsito, de chegadas e partidas, de encontros e despedidas, e evoca a ideia de uma jornada coletiva e individual, ressoando com a temática da peça. A proposta de uma experiência coletiva mediada por fones de ouvido ressalta o desejo de romper com as barreiras tradicionais entre palco e plateia, convidando o público a ser co-criador da obra.

A peça é particularmente ressonante por ter sido concebida durante a pandemia de COVID-19, estabelecendo um paralelo provocador com a Epidemia da Dança de Estrasburgo de 1518. Essa conexão histórica explora a dança como uma resposta primal e, por vezes, incontrolável, a momentos de crise, ansiedade coletiva e incerteza existencial. A “Epidemia da Dança” foi um fenômeno em massa, onde centenas de pessoas dançaram incontrolavelmente por dias, muitas vezes até a exaustão ou morte. A ideia de dançar “como se o mundo estivesse acabando” chega como um ato de resistência, libertação e celebração da vida em meio à incerteza, seja ela o contágio dançante de 1518, a pandemia recente, ou as crises climáticas e sociais atuais.

A companhia, conhecida por envolver o público de forma ativa, transforma cada espectador em um cocriador da experiência. Os fones de ouvido criam “bolhas” individuais de percepção sonora – cada participante ouve instruções, músicas e narrativas que guiam seus movimentos e emoções. Paradoxalmente, essa individualização auditiva fomenta uma unidade coletiva, pois todos estão sincronizados por uma mesma “voz” invisível, mas livres para interpretar e expressar-se corporalmente. A coreografia e as instruções compartilhadas forjam uma unidade coletiva, permitindo que cada participante explore sua própria relação com o movimento, a música e o corpo em um espaço compartilhado. Dancemos… é um convite à catarse, à reconexão com o prazer físico e social da dança, e à redescoberta da capacidade do corpo de se expressar e de se libertar, um poderoso antídoto em tempos de isolamento e angústia.

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Magiluth honra local da construção de Édipo REC, em Caruaru

Giordano Castro e Gabriela Cicarello, com Édipo e Jocasta, na sessão do Feteag. Foto: Jorge Farias

Édipo REC é uma releitura vibrante e provocadora da tragédia clássica, concebida pelo Grupo Magiluth como um “jogo” cênico. A peça transforma o mito de Édipo em uma experiência imersiva que dissolve a fronteira entre palco e plateia. Utilizando uma linguagem que mistura teatro, festa e cinema, a montagem transforma Tebas em um Recife contemporâneo e fantasmagórico. Com um DJ no comando da trilha sonora pop e um Corifeu que filma a ação em tempo real, o espetáculo questiona a relevância da tragédia hoje e usa a tecnologia para refletir sobre a era da superexposição e das narrativas digitais.

Em sua apresentação em Caruaru, durante o Feteag 2025, a peça envolveu o público desde antes do início, com os atores interagindo e distribuindo cervejas do lado de fora do Teatro Lycio Neves. A primeira hora se desenrolou como uma festa efervescente, com os espectadores em pé, dançando ao som de ritmos pop. A reação da plateia foi selvagem e contagiante, com uma entrega total à atmosfera de festa. No entanto, essa mesma audiência mostrou-se surpreendentemente tímida quando provocada a um “beijaço” geral, revelando as complexidades e limites da participação mesmo em um ambiente de intensa interação.

O elenco demonstrou um entrosamento comparável a uma orquestra sinfônica, onde cada músico domina seu instrumento em perfeita harmonia com o conjunto. Roberto Brandão assumiu Tirésias com um cinismo elegante e debochado, enquanto Gabriela Cicarello entregou uma Jocasta altiva, permeada por uma melancolia profunda que transbordava em cada gesto. Um momento inesperado e marcante da sessão foi a ação de um espectador anônimo que lançou lixo orgânico no palco no final do primeiro ato. O cheiro pútrido de laranjas estragadas invadiu o teatro, atacando violentamente o olfato da plateia e materializando sensorialmente a “praga” de Tebas. Embora não fizesse parte do roteiro, o gesto adicionou uma camada visceral de caos e decadência que prenunciava tragicamente o segundo ato.

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A potência da indignação articulada em Fábulas de Nossas Fúrias

Coletivo Atores à Deriva (RN) transforma raiva em arte política. Foto: Jorge Farias

Fábulas de Nossas Fúrias, do Coletivo Atores à Deriva, do Rio GRande do Norte, foi apresentado no Feteag como um trabalho teatral que reverbera intensamente, soltando a voz de um acúmulo de silêncios e indignações historicamente reprimidas. Alex Cordeiro assina a direção e constrói a dramaturgia em parceria com Giordano Castro, criando um tecido dramatúrgico que se apropria dos conceitos de “fábula” e “fúria” como estruturas para uma análise das contradições humanas e sociais. A criação do espetáculo contou com a colaboração de Alex Cordeiro, Álvaro Dantas, Mattheus Corpo, Doc Câmara e Thuyza Fagundes, configurando um processo criativo coletivo que se reflete na multiplicidade de vozes e perspectivas presentes em cena.

A peça estabelece uma confrontação direta com a “Justa Raiva” teorizada por Paulo Freire, conceito que reconhece a indignação como um direito legítimo dos oprimidos e como força motriz para a transformação social. Essa perspectiva freireana entende a raiva como uma resposta consciente e necessária às injustiças, diferenciando-a da revolta cega ou do ódio destrutivo, posicionando-a como uma energia pedagógica e libertadora.

Os 17 anos de pesquisa do Atores à Deriva encontram neste espetáculo um tema que ressoa profundamente com as vivências e inquietações dos integrantes do grupo. O trabalho se constrói como um grito articulado, utilizando a fábula como estratagema narrativo para expor opressões contemporâneas de forma alegórica, mas impactante. 

O trabalho corporal desenvolvido pelo elenco (Álvaro Dantas, Doc Câmara, Mattheus Corpo e Alex Cordeiro), sob a direção de movimento e preparação corporal de Dudu Galvão, constitui um dos pilares fundamentais do espetáculo. O corpo em cena assume o território de expressão da fúria e da vulnerabilidade. Através de uma “animalização da existência”, os atores exploram fisicamente os impulsos e essas urgências. Movimentos que variam entre a contorção, a explosão e o recolhimento, respirações que ecoam a angústia, e olhares que carregam histórias de opressão, comunicam dimensões que a palavra sozinha não consegue abarcar. Na gestualidade que transita entre referências animais e a fragilidade humana, a peça encontra um de seus momentos mais potentes, estabelecendo uma comunicação direta e emotiva com a plateia.

Estruturada em fábulas contemporâneas protagonizadas por um macaco, uma baleia e um veado, a dramaturgia, aposta na capacidade de encarar frontalmente as violências do racismo, da misoginia e da homofobia. Cada fábula, embora autônoma, tece uma crítica direta a sistemas de poder e preconceito. A escolha de valorizar o termo “veado”, historicamente usado de forma pejorativa, para afirmar subjetividades gay e seus modos de amar, afirma-se como um ato de subversão linguística e política que espelha a proposta central da peça. Nesse contexto, ações cotidianas como “beijar na rua” adquirem caráter de “fúria” afirmativa, desafiando a heteronormatividade compulsória e as tentativas de invisibilidade. A dramaturgia inverte a lógica conservadora que hierarquiza identidades para celebrar resistências e modos diversos de existir.

A dramaturgia também evidencia a importância das redes de apoio e afetos na construção de subjetividades LGBTQIA+, demonstrando como a solidariedade coletiva se torna estratégia de sobrevivência e resistência em contextos hostis.

Grupo reflete sobre a masculinidade hegemônica. Foto: Jorge Farias

É fundamental ressaltar a relevância política de um grupo formado majoritariamente por homens que encara frontalmente as fragilidades e contradições da masculinidade hegemônica. O espetáculo desnaturaliza padrões machistas ao expor como as pressões de gênero afetam  os corpos masculinos, criando espaço para discussões sobre orientações sexuais e identidades de gênero que desafiam a rigidez dos papéis sociais impostos. Para um coletivo de homens, assumir publicamente as vulnerabilidades da masculinidade e os atravessamentos das questões de gênero constitui um ato de coragem artística e política que amplia os territórios possíveis para a expressão das diversidades.

No entanto, as próprias fissuras dramatúrgicas do espetáculo funcionam como dobras de articulação que revelam camadas complexas da experiência teatral. As transições entre as fábulas não operam por continuidade linear, mas por contaminação emocional e temática – um procedimento que exige do espectador uma disponibilidade para ir além de seus limites nessa construção receptora. Essas lacunas intencionais entre os núcleos narrativos constituem espaços de respiração onde o público processa as camadas de violência e resistência apresentadas. As aparentes descontinuidades se atuam, na verdade, como estratégias dramatúrgicas que permitem que cada fábula ressoe de forma independente antes de se articular com as demais.

Para alguns espectadores, essas dobras podem gerar momentos de desconexão; para outros, constituem territórios férteis onde as indignações pessoais encontram eco nas fúrias cênicas. A dramaturgia assume, assim, o risco de uma incompletude proposital, convidando cada plateia a preencher os intervalos com suas próprias experiências de opressão e resistência.

Beijo inspirado no espetáculo do Grupo Magiluth. Foto: Jorge Farias

Enquanto construção cênica, a dramaturgia e encenação explicitam suas influências e referências, como no beijo francamente inspirado na peça Dinamarca, do Magiluth, estabelecendo um diálogo intertextual que enriquece as camadas interpretativas do trabalho. Essas citações funcionam como reconhecimentos de uma genealogia teatral comprometida com a discussão de sexualidades e identidades dissidentes.

Apesar das questões estruturais apontadas, Fábulas de Nossas Fúrias confirma-se como um espetáculo relevante que articula um trabalho corporal consistente com uma dramaturgia provocativa. Sua capacidade de convocar o público a refletir sobre suas próprias indignações e os lugares de onde elas emergem faz da peça uma experiência marcante. O trabalho  impulsiona discussões sobre direitos de existência e expressão, consolidando o teatro como espaço fundamental para a articulação de afetos transformadores e para a celebração da resistência.

Neva, montagem de Marianne Consentino

Peça pensa a arte em tempos de colapso. Foto Jorge Farias

Neva, na montagem dirigida por Marianne Consentino apresentada no Teatro Lycio Neves durante o Feteag, afirma-se como um espetáculo de complexa densidade, que questiona os limites e contradições entre arte e política, entre a necessidade de criar e a urgência de agir. A peça, escrita pelo dramaturgo chileno Guillermo Calderón em 2005, explora paixões e desencantos que permeiam o universo teatral: a paixão pelo palco, pela arte de interpretar, pelo ofício de representar, mas também interroga as inércias que se justificam em nome da arte, os descompassos entre criação artística e compromisso político, e as dificuldades inerentes a uma arte efêmera que luta constantemente por sua própria sustentabilidade e relevância social.

No centro desta tensão encontra-se uma protagonista que insiste em encontrar o fio condutor de sua personagem enquanto o mundo literalmente desmorona do lado de fora do teatro, metáfora potente para os dilemas do artista contemporâneo diante das crises sociais e da constante necessidade de justificar a existência da arte em meio ao caos.

A escolha de Marianne Consentino por esta dramaturgia, integrada à sua pesquisa de pós-doutorado desenvolvida no Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas da Universidade Federal da Bahia, sob supervisão da professora Dra. Sonia Rangel, transforma a montagem em um laboratório de investigação sobre as relações entre teatro e memória, entre criação artística e contexto histórico. A diretora constrói um espetáculo que dialoga tanto com as urgências do texto original quanto com as ressonâncias que a obra adquire no contexto brasileiro contemporâneo, especialmente em um momento de polarização política e questionamentos sobre o papel da arte em tempos de crise democrática e de constantes ataques às políticas culturais.

O elenco formado por Vika Schabbach, Igor de Almeida, Gardênia Fontes e Guilherme Mergulhão constrói a atmosfera claustrofóbica de três atores refugiados em um teatro de São Petersburgo no fatídico Domingo Sangrento de 9 de janeiro de 1905. Neste dia histórico, manifestantes que marchavam pacificamente para entregar uma petição ao Czar, reivindicando melhores condições de trabalho, foram brutalmente fuzilados pela Guarda Imperial, evento que se tornaria o estopim da Revolução Russa de 1917.

A protagonista Olga Knipper, viúva de Anton Tchekhov e primeira atriz do Teatro de Arte de Moscou, surge como uma figura emblemática desta tensão entre luto pessoal e catástrofe coletiva. Incapaz de representar após a morte do marido por tuberculose seis meses antes, ela insiste em encenar repetidamente a morte de Tchekhov com seus colegas Masha e Aleko, numa compulsão que revela tanto a necessidade de elaborar o luto quanto a incapacidade de se conectar com a tragédia histórica que se desenrola nas ruas.

Vika Schabbach constrói essa complexa protagonista com notável sensibilidade e leveza, expondo as nuances das contradições de uma atriz que exterioriza suas próprias inseguranças através da arte. Suas interações com Igor de Almeida e Gardênia Fontes criam momentos de extrema cumplicidade, recriando a intimidade peculiar de uma sala de ensaio onde os limites entre pessoa e personagem se dissolvem, tornando visíveis os segredos íntimos do ofício teatral.

Um tecido visual com referências clássicas e registros da realidade atual. Foto: Jorge Farias

O material imagético construído por Consentino constitui um dos aspectos mais ricos e provocativos da montagem. A diretora elabora um tecido visual que trabalha deliberadamente com ironias e contrastes entre o que é dito no texto e as imagens projetadas, criando camadas interpretativas que expandem temporalmente a reflexão proposta por Calderón. As referências visuais transitam das clássicas sequências do Encouraçado Potemkin de Eisenstein, com sua famosa escadaria e a violência revolucionária, passando por filmes de propaganda stalinista, até alcançar vídeos contemporâneos que documentam opressões no Brasil e em toda a Nossa América Latina no século XXI. Esta montagem imagética inclui ainda registros dos movimentos patrióticos bolsonaristas, com suas ações frequentemente risíveis e grotescas, estabelecendo uma ponte provocativa entre a repressão czarista de 1905, os autoritarismos do século XX e as manifestações neofascistas atuais.

Particularmente instigante é a incorporação da dramaturgia incidental Estudo Nº 1 Morte e Vida do Grupo Magiluth, que funciona na linha do “plágio e combinação”, seguindo a estética antropofágica de Tom Zé. Esta inserção metateatral, onde uma cena do espetáculo do Magiluth surge dentro do próprio Neva, cria um efeito de mise en abyme que questiona as fronteiras entre criação e citação, entre originalidade e apropriação. Esta estratégia reforça o questionamento central da peça sobre a relevância e a serventia do teatro, ecoando a pergunta que atravessa toda a obra: para que serve a arte quando o mundo está em chamas?

A montagem de Consentino consegue, assim, atualizar a urgência do texto de Calderón para o contexto latinoamericano destes tempos. A questão sobre a importância da memória das ditaduras para a América Latina e o papel do teatro contemporâneo no avivamento desta memória traumática encontra na encenação uma pulsação cênica complexa.

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Édipo REC mais que vibrante
na sua incubadora em Caruaru
Crítica

Giordano Castro e Gabriela Cicarello, com Édipo e Jocasta. Foto: Jorge Farias

Erivaldo Oliveira como Coro no prólogo fora do teatro. Foto: Jorge Farias / Divulgação

Édipo REC, do Grupo Magiluth, do Recife, é um acontecimento cênico vibrante e desafiador. Gestada no Teatro Lycio Neves, em Caruaru, local que acolheu seu retorno no Festival de Teatro do Agreste – Feteag 2025, a peça se apropria de uma narrativa trágica para questionar a sua perene relevância e a capacidade do teatro de provocar, desestabilizar e dialogar com as sensibilidades contemporâneas. A concepção do Magiluth, ligada ao conceito de “jogo” (escolha que valoriza a experimentação, a interação e a imprevisibilidade, convidando o espectador à coautoria da experiência), transforma o palco em um espaço de vivência contínua. Aqui, a plateia é ativamente convidada a participar de uma peça que desestrutura a cronologia linear e as expectativas tradicionais de fruição teatral.

O espetáculo começa antes mesmo da abertura formal dentro do teatro, com os atores circulando entre os espectadores no exterior do teatro, inaugurando um clima de cumplicidade e imersão imediata. Essa introdução festiva, pontuada pela distribuição de cervejas e a presença de personagens já em cena – como Kréonte, Tirésias, o Mensageiro e Corifeu que, munido de uma câmera, filma incessantemente – cria uma ponte fluida entre o cotidiano do espectador e o ritual cênico. O palco se transmuta em uma balada efervescente, com DJ Édipo (interpretado por Giordano Castro) mixando ritmos que vão de Rihanna e Pabllo Vittar a MC Poze do Rodo. Essa trilha sonora pop serve como uma lente para a atemporalidade dos dilemas humanos, justapondo o hedonismo contemporâneo à iminência da tragédia.

Nesse cenário de frenesi, o Coro, interpretado por Erivaldo Oliveira em um figurino provocativo e andrógino de Chris Garrido, assume o papel de anfitrião-provocador e de voz da consciência coletiva. Ele anuncia a festa, mas também alerta para a “vida decepcionante” que se esconde sob o verniz da celebração, encarnando a dualidade entre o júbilo e a premonição.
A plateia, especialmente na sessão em Caruaru, foi rapidamente arrastada para essa atmosfera de confluência entre o hedonismo e a premonição. A primeira hora do espetáculo, vivenciada em pé, em meio a uma balada caótica, permitiu experimentar o teatro como acontecimento, como uma troca mútua e palpável entre quem o faz e quem o assiste. A entrega do público de Caruaru, que se mostrou “animal” e “contagiante”, diz muito da estratégia do Magiluth em estabelecer uma conexão, utilizando a proximidade física e a quebra de protocolos para intensificar a experiência e desmantelar a barreira convencional entre palco e plateia.

Em um dos momentos de maior engajamento, o Coro estimula a “não-monogamia” e um “beijaço” geral. No entanto, apesar da efervescência desde o início da peça para a dança, a resposta do público ao estímulo do “beijaço” foi notavelmente discreta, até mesmo acanhada. 

Roberto Brandão, como Tirésias. Foto: Jorge Farias

Lucas Torres como Mensageiro. Foto Jorge Farias

Gabriela Cicarello como Jocasta

A atuação do elenco – dirigido com criatividade e irreverência por Luiz Fernando Marques, Lubi – assemelha-se a uma partida de basquete em que os jogadores, além de entrosados e estrategicamente alinhados através de um rigoroso trabalho de conjunto, têm espaço para o brilho individual, e todos contribuem para a “cesta” – um jogo perfeito de entrega e colaboração na sessão em Caruaru. Roberto Brandão, assumindo o papel de Tirésias, o cego vidente, com um cinismo elegante e um deboche quase felino, cumpre com dignidade a tarefa de suceder o impacto de Pedro Wagner, injetando uma nova camada de complexidade e impertinência ao profeta.

Enquanto isso, Gabriela Cicarello, substituindo Nash Laila como Jocasta, entrega uma figura altiva e permeada por lutos não verbalizados, transmitindo através de sua postura e olhar uma profundidade melancólica à sua personagem, capaz de transitar entre diferentes estados emocionais e funções narrativas, do desdém à desesperança.

A trilha sonora, festiva e dramática, serve como um motor potente da dramaturgia, carregada de ironia e pensamento. O karaokê de Toda forma de amor, de Lulu Santos, é uma instigação que ressoa com as tensões da peça, indagando sobre os limites e as complexidades do amor, que abarca inclusive os proibidos e os incestuosos, reverberando os dilemas intemporais da tragédia.

As referências a outras obras, como Beijo no Asfalto de Nelson Rodrigues, enriquecem o intertexto, conectando a tragédia grega a outras explorações da paixão, do destino e do julgamento social na dramaturgia brasileira, especialmente no contexto urbano e suas hipocrisias.

Linguagem audiovisual utilizada na reconstrução da tragédia Foto: Jorge Farias / Divulgação

A linguagem audiovisual é um pilar fundamental na construção de Édipo REC. O espetáculo se inspira fortemente no cinema, transformando Tebas em um Recife fantasmagórico e presentificado, onde o Corifeu, munido de uma câmera em tempo real, atua como um olho onipresente e, por vezes, intrusivo. Ele registra e transmite imagens para telões estrategicamente posicionados, como também media a realidade, manipulando a percepção do público e posicionando-o como voyeur e cúmplice.

Essa escolha tecnológica espelha a superprodução de imagens da era das redes sociais, a vigilância constante e a construção de narrativas digitais, onde a verdade é frequentemente moldada pela perspectiva da câmera e pela curadoria do conteúdo. A integração da tecnologia confere uma camada metalinguística à narrativa, explorando a relação intrínseca entre o real e o encenado, entre o que é filmado e o que é vivido.

O grupo Magiluth buscou referências no cinema experimental e underground, explorando como diferentes estéticas cinematográficas poderiam dialogar com a tragédia clássica e contemporânea. Desde o seminal Édipo Rex (1967) de Pier Paolo Pasolini, que explora a tragédia grega com uma estética brutalista, arcaica e quase documental, utilizando não-atores e locações desérticas para enfatizar os instintos primais e a inevitabilidade do destino de forma crua, Édipo REC absorve essa crueza na performance e na representação de um Recife desolado, onde a miséria e a beleza se entrelaçam sem filtros. O vanguardista Funeral das Rosas (1969) de Toshio Matsumoto, um mergulho no universo contracultural das drag queens de Tóquio, com sua subversão de gênero, fluidez da identidade e fragmentação narrativa, influenciou a estética não-linear e a desconstrução de papéis em Édipo REC, onde a identidade de Édipo é constantemente questionada e reconfigurada pela lente da câmera e pela interação com o Corifeu.

Outros filmes como Hiroshima, meu amor (1959) de Alain Resnais, com sua estrutura não linear e a forma como aborda a memória e o trauma, influenciaram a maneira como Édipo REC lida com o tempo e a persistência do passado no presente, utilizando montagens rápidas e justaposição de imagens para evocar a fragmentação da memória e o peso do trauma coletivo. Cinema Paradiso (1990) de Giuseppe Tornatore, que celebra o poder do cinema e da nostalgia, contribuiu para a reflexão sobre a capacidade das imagens de construir e preservar memórias, e como elas moldam nossa compreensão da realidade e do afeto; em Édipo REC, as imagens capturadas e projetadas tornam-se o registro “oficial” da tragédia, o que será lembrado e transmitido. E Cabaret” (1972) de Bob Fosse, que retrata a decadência social e política da Alemanha pré-Nazista através do microcosmo de um clube noturno, influenciou a estética de performance e a crítica social, mostrando como o entretenimento pode mascarar ou, inversamente, expor as tragédias iminentes, utilizando a teatralidade da encenação e a interação com a plateia para desnudar as tensões sociais latentes na Tebas-Recife.

Transformação do amor de Édipo e Jocasta no segundo ato, do Velório. Foto: Jorge Farias

A transição entre os atos é impactante, como quebra narrativa e também como dispositivo que força o público a uma reorientação. Os espectadores são solicitados a se retirar do espaço cênico por alguns minutos, um ato que simula uma interrupção técnica, como se a cena anterior precisasse ser ‘refilmada’ ou o set ‘reajustado’. Esta pausa deliberada para a interrupção da festividade e da ilusão, um reset forçado prepara o terreno para a iminente catástrofe que assola Tebas-Recife ou Caruaru-Tebas.

Se o primeiro ato foi a “festa” de uma grande celebração, onde Édipo ainda se agarrava à esperança de fugir de seu destino através do hedonismo e da negação, o segundo ato é o “velório”, o “enterro” simbólico da ilusão e da inocência. Os espectadores são arrastados para o olho do furacão da tragédia, acompanhando o protagonista em um mergulho implacável nas consequências devastadoras de suas ações e do destino.

A dramaturgia de Giordano Castro, com sua crueza, escancara as feridas da humanidade e as verdades dolorosas detectadas por Sófocles, revelando as consequências inevitáveis do destino e do conhecimento proibido. O amor, antes celebrado e idealizado, assume-se como “horror” para a família de Édipo

Adicionalmente, um evento que marcou o final do primeiro ato – uma “performance” inesperada onde alguém lançou lixo orgânico, com laranjas estragadas, no palco, exalando um cheiro forte e desagradável – adicionou uma camada de caos e crueldade à cena. Ficamos na dúvida sobre a espontaneidade do ato, parecendo até uma cena combinada. Mas não foi. De todo modo, esse gesto metateatral além de mimetizar a desordem e a decadência na cena, materializou a “praga” que assola Tebas, atacando os sentidos do público. A experiência olfativa e visual do lixo orgânico serviu como um presságio sensorial da putrefação moral e social que se revela no segundo ato.

Bruno Parmera. Foto: Jorge Farias

Mário Sérgio e Giordano Castro. Foto: Jorge Farias e Giordano Castro, Kreonte e Édipo. Foto: Jorge Farias

No segundo ato denso, os personagens travam embates de acusação e defesa em um clima crescente do estado de desespero. No desenvolvimento do retorno da memória de Édipo, ganha destaque a projeção de uma gravação em que o protagonista, pilotando uma motocicleta, encontra e mata Laio.

A integração das tecnologias audiovisuais é central para a narrativa e a estética. A presença constante do Corifeu vertido em operador de câmera em cena, que registra e interfere ativamente nos acontecimentos, reflete a ubiquidade da mídia em nossa sociedade e questiona a natureza da verdade e da representação, transformando o público em voyeurs cúmplices da tragédia. A atmosfera torna-se inescapável, remetendo à reflexão de Sófocles sobre a verdadeira medida da vida e da felicidade de uma pessoa, que só pode ser avaliada quando chega ao seu desfecho.

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Escuta pública para discutir
o Festival Recife do Teatro Nacional

 

Sinapse Darwin, da Casa de Zoé, esteve na programação do 23º FRTN. Foto: Marcos Pastich/PCR

Evento acontece terça-feira (29), às 18h30, no Teatro do Parque

A Secretaria de Cultura do Recife convocou uma escuta pública para construir coletivamente a 24ª edição do Festival Recife do Teatro Nacional (FRTN), que acontecerá em novembro. Na próxima terça-feira (29/07), às 18h30, artistas, produtores e demais profissionais da cena teatral recifense são chamados para se reunir na sala da Banda Sinfônica do Teatro do Parque para contribuir com a programação do festival.

“O Festival Recife do Teatro Nacional sobe aos palcos da cidade em novembro. Mas, nos bastidores, a programação já começou. E todos os cênicos da cidade estão convidados a se engajar na produção da próxima edição do festival”, destaca a convocatória oficial.

A iniciativa busca que o festival consiga “apresentar e representar esperanças e necessidades da eloquente cena recifense”, mas enfrenta um desafio que tem se repetido: a baixa participação da classe artística nestes momentos de construção coletiva.

Embora seja comum ouvir reclamações e sugestões da classe teatral recifense nas redes sociais e nas mesas de bares da cidade, a presença física nas escutas públicas tem sido decepcionante. Em 2023, apenas 20 pessoas compareceram. Em 2024, o número caiu para 15 participantes – um quórum que preocupa os organizadores, especialmente considerando que o Recife possui uma cena teatral vibrante e numerosa.

“A hora da grita é essa, mas elas preferem as redes sociais e as mesas dos bares”, observa um integrante da organização, refletindo sobre a contradição entre as críticas virtuais e a ausência nos espaços formais de discussão.

Principais pontos críticos apontados na última avaliação pública 

O encontro de terça-feira ganha ainda mais relevância diante das questões levantadas na avaliação pública da 23ª edição, realizada em dezembro de 2024. Durante três horas de discussão na mesma sala da Banda Sinfônica, artistas, produtores e a avaliadora contratada Giovana Soar debateram os acertos e problemas enfrentados pelo festival.

Infraestrutura e equipe técnica: A avaliação revelou o esgotamento das equipes técnicas dos teatros, especialmente no Centro Apolo-Hermilo. Nathalie Revoredo, iluminadora com 11 anos de experiência no local, alertou: “Temos espaços exaustos e um corpo exausto não consegue realizar muito.” O atraso de uma hora e meia na apresentação de Mulheres de Nínive exemplificou os limites da infraestrutura atual.

Comunicação e divulgação: A avaliadora Giovana Soar identificou a comunicação como “um dos pontos mais delicados”, destacando a necessidade de melhorar a divulgação para alcançar públicos mais amplos. O programa do festival só foi distribuído na segunda semana do evento, comprometendo a estratégia de comunicação.

Ocupação dos teatros: Houve esvaziamento em algumas sessões, especialmente no OFF REC e espetáculos locais da mostra principal, contrastando com a lotação em apresentações com nomes consagrados como Marco Nanini e Othon Bastos.

Democratização do acesso: Foram levantadas questões sobre como atrair o público que compareceu à festa dos 20 anos do Grupo Magiluth (cerca de 2 mil pessoas) para dentro dos teatros durante o festival.

A questão dos pagamentos

Paralelamente aos debates artísticos, a cena teatral recifense tem enfrentado uma crise de confiança relacionada aos atrasos sistemáticos nos pagamentos de cachês por parte da Prefeitura do Recife.

Marconi Bispo, diretor do espetáculo Ọnà Dúdú — Caminhos Negros do Bairro do Recife (destaque do OFF REC 2024), recorreu às redes sociais para cobrar publicamente o pagamento pela participação da peça que envolvia 20 artistas, seis meses após a apresentação.

Não é um caso isolado. Outros artistas também recorreram às redes sociais para fazer cobranças públicas de cachês em atraso, evidenciando um problema que afeta diversos profissionais da cena cultural recifense.

Desafios estruturais e propostas 

A precarização dos espaços teatrais foi outro tema central dos debates. Augusta Ferraz, com 51 anos de dedicação ao teatro recifense, lamenta a situação de equipamentos como o Teatro Barreto Júnior, considerado um “subteatro” na vida cotidiana dos profissionais, e espaços fechados como o Teatro Valdemar de Oliveira (fechado desde 2020 e atingido por incêndio em fevereiro de 2024).

Inês Franco Maia questionou se a cadeia produtiva do teatro em Recife realmente valoriza a cultura local, criticando a tendência de valorizar mais os trabalhos externos: “O Magiluth só conseguiu reconhecimento local após ser legitimado fora de Recife.”

Durante a avaliação, emergiram diversas propostas para fortalecer o festival e a cena teatral local: planejamento antecipado das contratações técnicas e logísticas, melhor distribuição de horários para evitar sobreposições entre espetáculos, parcerias estratégicas com secretarias de Saúde, Educação e Cidadania para formar novos públicos, expansão do “Palco da Aurora” (onde Sinapse Darwin, da Casa de Zoé foi apresentado) para outras áreas da cidade, criação de espaços de encontro e diálogo após os espetáculos e revitalização do Teatro do Sítio da Trindade.

Diante deste cenário complexo, que mistura conquistas artísticas com desafios estruturais e de gestão, a escuta pública de terça-feira representa uma oportunidade crucial para que a classe teatral recifense contribua efetivamente com a construção coletiva da próxima edição do festival.

Milu Megale, secretária de Cultura do Recife, André Brasileiro, coordenador do FRTN, e Alexandre Sampaio, coordenador de produção, estarão presentes para ouvir as demandas e propostas da categoria. A 24ª edição está marcada para 19 a 30 de novembro de 2025.

Serviço

Escuta pública do Festival Recife do Teatro Nacional
Quando: Terça-feira (29/07), às 18h30
Onde: Sala da Banda Sinfônica – Teatro do Parque
Entrada: Gratuita

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No Recife, palcos são ocupados por produções
comerciais e projetos experimentais

Circo Godot faz curta temporada no Teatro Hermilo Borba Filho de 24, 25 e 26 de julho. Foto: Divulgação

Édipo REC faz sessões no Luiz Mendonça nos dias 25 e 26 de julho. Foto: Camila Macedo

Os teatros do Recife são ocupados neste final de julho por grandes produções que desembarcam de outros centros e experimentos que brotam do próprio território pernambucano. De um lado, nomes consagrados da televisão brasileira como Antonio Fagundes e Christiane Torloni garantem bilheteria apoiados na familiaridade que décadas de presença televisiva construíram – fenômeno que leva o público a transformar a proximidade fictícia da tela em desejo de encontro presencial no teatro; do outro, artistas locais investigam desde metáforas biológicas sobre estruturas sociais até releituras de clássicos do teatro mundial. Entre esses extremos, o teatro infantil garante seu festival e a arte negra encontra território próprio em programação especializada.

É um período que permite ao público transitar entre diferentes estéticas – da intimidade televisiva às provocações experimentais, do entretenimento familiar às reflexões sobre ancestralidade -, revelando como a cena recifense acomoda desde apostas comerciais seguras até pesquisas de linguagem que desafiam convenções.

Para uma cidade com a tradição cultural do Recife, contudo, a oferta ainda se mostra aquém das possibilidades. A ausência de perfis curatoriais mais específicos para os equipamentos resulta em semanas onde a maioria dos teatros se encontra ocupada simultaneamente por comédias ligeiras e entretenimento comercial, enquanto o teatro experimental contemporâneo, a dramaturgia nacional de risco e as pesquisas cênicas mais ousadas circulam timidamente pela cidade. 

A programação dá indícios que Recife ainda não explorou plenamente seu potencial como polo de criação teatral nacional. E esse é um assunto que precisamos debater mais profundamente. A cidade possui artistas talentosos e dedicados, público interessado e tradição cultural sólida – elementos que, bem articulados, poderiam gerar cena teatral de projeção nacional. Embora o Grupo Magiluth seja atualmente reconhecido como grande representante da cena pernambucana, demonstrando que a excelência teatral é possível na cidade, os talentos teatrais estão espalhados por todo o Recife e precisam de maior investimento e visibilidade para florescer plenamente. As condições para um salto qualitativo existem, mas permanecem dispersas, aguardando articulação institucional que conecte políticas públicas consistentes, iniciativa privada comprometida com diversidade estética e movimentos artísticos independentes. 

A riqueza cultural que caracteriza Recife historicamente merece programação teatral à altura de sua relevância no cenário cultural brasileiro. A pergunta que emerge desta análise é inevitável: quando a cidade decidirá investir no teatro com a seriedade e a visão estratégica que sua tradição cultural não apenas permite, mas exige?

VAMOS DAR UM ROLÊ PELA PROGRAMAÇÃO

 

Christiane Torloni e Antonio Fagundes na peça Dois de Nós. Foto: Renata Casagrande

🎭 Dois de Nós – O Peso dos Nomes

Antonio Fagundes e Christiane Torloni ocupam o Teatro Luiz Mendonça carregando décadas de presença no imaginário brasileiro através da televisão. São figuras que se tornaram presenças familiares nas casas , e essa intimidade construída pela TV se traduz em garantia de plateia quando migram para os palcos.

O texto de Gustavo Pinheiro explora um dispositivo dramático simples de uma comédia romântica: dois casais de gerações distintas confinados em quarto de hotel, onde segredos emergem através de revelações e mentiras – opera em terreno conhecido, apostando mais na competência interpretativa dos protagonistas que em inovações dramatúrgicas.

A direção de José Possi Neto aposta na química entre os intérpretes – Fagundes, Torloni, Thiago Fragoso e Alexandra Martins – para sustentar uma dramaturgia que se apoia mais na competência interpretativa do que em inovações formais. O cenário único de Fábio Namatame e a iluminação de Wagner Freire criam a atmosfera intimista necessária para que as confissões ganhem peso dramático.

Uma experiência única oferecida é o tour pelos bastidores guiado pelo próprio Antonio Fagundes, incluindo visita aos camarins e sessão de fotos, disponível por R$ 120 adicionais. O tour VIP  exemplifica como o teatro comercial contemporâneo monetiza até mesmo o making-of da experiência teatral.

Fagundes, conhecido por sua intransigência com atrasos – traço que acompanha toda sua carreira -, mantém a política rígida: “quem chegar atrasado não entra”. É postura que revela tanto profissionalismo quanto compreensão de que a experiência teatral exige pacto temporal entre palco e plateia. 

📍 SERVIÇO:
Teatro Luiz Mendonça (Parque Dona Lindu)
19 de julho, 20h
20 de julho, 17h sessão extra
R$ 125 a R$ 250 
Tour VIP: R$ 120 (adicional)


 

Tania Bondezane Fabiana Karla, Foto: Divulgação

🎭“Radojka” – Dramaturgia Internacional

Fernando Schmidt e Christian Ibarzabal construíram texto que aborda dilemas contemporâneos – precariedade laboral, etarismo, desespero econômico – através do filtro da comédia de situação. A trama das duas cuidadoras que escondem a morte da patroa para preservar o emprego funciona como alegoria das condições trabalhistas atuais.

Tania Bondezan, que assina tradução e atua ao lado de Fabiana Karla, encontrou na peça uruguaia material que dialoga diretamente com a realidade brasileira do trabalho doméstico. A direção de Odilon Wagner busca equilibrar momentos farsescos com instantes de melancolia social, evitando que o humor neutralize a crítica implícita.

O sucesso da obra em mais de quinze países demonstra como certas ansiedades laborais atravessam fronteiras culturais, ganhando contornos específicos em cada contexto nacional.

SERVIÇO:
Teatro Santa Isabel (Praça da República)
18-20 de julho (Sex 20h, Sáb 19h, Dom 16h)
R$ 40 a R$ 150


🎭 Um Sábado em 30 – História e Comédia Pernambucana

A montagem do Grupo Teatro de Raízes de Pernambuco retrata uma família do interior de Timbaúba durante a Revolução de 1930. Com sessão única, o espetáculo mistura romance proibido, conflitos familiares e crítica social, tudo temperado com o humor característico do teatro pernambucano.

📍 SERVIÇO
Um Sábado em 30
Teatro do Parque (Rua do Hospício, 81, Boa Vista)
20 de julho (sessão única), às 19h
Ingressos: R$ 50 a R$ 100

🎭 TBT do Matuto nas Férias – Tradição do Humor Regional

Zé Lezin celebra quatro décadas de carreira com seu personagem matuto, figura que atravessou gerações e mantém relevância no imaginário humorístico pernambucano. O espetáculo funciona como retrospectiva afetiva, reunindo causos e histórias que consolidaram o artista como referência do humor nordestino.

A participação de Carlos Santos adiciona camada geracional ao espetáculo, criando diálogo entre diferentes momentos da comédia local. É formato que privilegia a conexão emocional com o público sobre inovações formais, apostando na nostalgia como elemento de coesão.

📍 SERVIÇO
TBT do Matuto nas Férias, com Zé Lezin
Teatro Boa Vista (Rua Dom Bosco, s/n, Boa Vista)
19 de julho, 20h
R$ 50 a R$ 100

Vitor Trindade no Espaço O Poste. Foto: Divulgação

🎭 Espaço O Poste: Território da Arte Negra

Vítor da Trindade – Pedagogia Ancestral

O Espaço O Poste desenvolve programação consistente focada na valorização da cultura afro-brasileira, oferecendo alternativa aos modelos esporádicos de muitos equipamentos culturais. A presença de Vítor da Trindade exemplifica essa curadoria política.

A Vela Branca de Oxalá – Performance poético-musical inspirada no livro homônimo de Vítor da Trindade. Entre crônicas, canções e versos sobre cotidiano, amor e ancestralidade negra, ele é acompanhado da bailarina Elis Trindade, que traduz em movimento corporal o lirismo da obra.

Esta programação representa o compromisso do Espaço O Poste com a valorização da cultura afro-brasileira e a criação de espaços de diálogo sobre questões étnico-raciais através da arte.

📍 SERVIÇO:
A Vela Branca de Oxalá
Espaço O Poste (Rua do Riachuelo, 641, Boa Vista)
Show: 19/07, 19h (R$ 10-20)

 

TEATRO INFANTIL: 21º FESTIVAL DE TEATRO PARA CRIANÇAS E MONTAGENS OUTRAS

Cantigas de Fiar. Foto: João Fernando Bonfim

Cantigas de Fiar(19/07, 16h30) – Companhia Fiandeiros de Teatro Show teatral que reúne crianças, jovens e adultos explorando o tema da saudade através de músicas de André Filho e Samuel Lira. O espetáculo homenageia André Filho, demonstrando como o teatro infantil local constrói memória artística própria. A abordagem de sentimento complexo – a saudade – através de linguagem acessível respeita a capacidade infantil de lidar com emoções profundas.

📍 SERVIÇO
Cantigas de Fiar (Companhia Fiandeiros de Teatro – Recife / PE)
Teatro do Parque (Boa Vista – Recife / PE)
19/07 (Sábado) – 16h30 –
Ingressos: R$ 60,00 (inteira) / R$ 30,00 (meia)

O Mágico de Oz – Foto Christian Farias

O Mágico de Oz (20/07, 16h30) – Capibaribe Produções Adaptação da obra de L. Frank Baum com direção de Roberto Oliveira. A montagem, com duração de 1h10, traz reflexões sobre coragem, amizade e superação através da jornada de Dorothy, embalada por trilha sonora no estilo de grandes musicais. Elenco numeroso inclui Letícia Galeno, Thiago Ambrieel, Janine Aroucha e outros, criando espetáculo de grande formato para público infantil.

📍 SERVIÇO
O Mágico de Oz (Capibaribe Produções / Moreno – PE)
Teatro do Parque (Boa Vista – Recife / PE)
20/07 (Domingo) – 16h30 –
Ingressos: R$ 80,00 (inteira) / R$ 40,00 (meia)

Tatu-do-bem. Foto:_ Luiza Costa

Tatu-do-Bem (19/07, 16h) – Catalumari e os Giguiotes Aventura ambiental que acompanha Andrezinho, filho de atores nômades, em descoberta da caatinga através dos tatus-bolas Tuta e Teteu. A montagem articula educação ambiental com estética regional, escolhendo a caatinga como cenário fantástico e valorizando bioma pouco presente no imaginário infantil urbano. Texto de Lucas Carvalho e direção de Guilherme Mergulhão demonstram maturidade da cena infantil local.

📍 SERVIÇO
Tatu-do-Bem (Catalumari e os Giguiotes / Recife–PE)
Teatro Barreto Júnior (Pina)
19/07 (Sábado) 
Ingressos: R$ 40,00 (inteira) / R$ 20,00 (meia-entrada)

A Batalha de Botas. Foto: Thercles Silva

A Batalha de Botas Fábula que questiona conceitos de civilização através do encontro entre aviador militar e nativo de ilha. Inspirada em Fernando Arrabal e Plínio Marcos, a obra traz figuras do circo tradicional para abordar questões sociais contemporâneas. A montagem paraibana demonstra circulação regional do teatro infantil de qualidade.

📍 SERVIÇO
A Batalha de Botas – Trupe Arlequin (João Pessoa-PB)
Teatro Barreto Júnior
(20/07, 16h)
:R$ 60 (inteira) / R$ 30 (meia)

OUTRAS MONTAGENS PARA CRIANÇAS

Hélio o balão que não consegue voar Foto Ricardo Maciel / Divulgação

Hélio, o Balão que Não Consegue Voar

Produção pernambucana do Coletivo de Artistas que aborda com sensibilidade poética o Transtorno do Espectro Autista. Baseada no texto premiado de Cleyton Cabral, a obra de formas animadas evita tanto invisibilização quanto vitimização, criando narrativa que celebra diferenças através de metáfora delicada.

📍 SERVIÇO
Hélio, o Balão que Não Consegue Voar
CAIXA Cultural Recife 
18 a 20 de julho, 16h
R$ 30 (inteira) / R$ 15 (meia)

A Cigarra e a Formiga. Foto: Renan Andrade

A Cigarra e a Formiga (20/07, 15h) – Teatro RioMar

A clássica fábula de Esopo ganha formato musical sob a direção e adaptação de Roberto Costa, A Cigarra e a Formiga reúne cinco atores – Luan Alves, Ashila Moraes, Isabela Leão, Maycon Douglas e Ania Cellos – que dão vida aos habitantes da floresta, desde a cantante Cigarra até as trabalhadoras formigas, passando por Dona Joaninha, Abelhão, Abelhuda e Borboleta.

O espetáculo conta com três músicos – Luiz Henrique, Linaldo Lima e Arthur Correia – responsáveis pela execução ao vivo de todas as canções que compõem a trama. A adaptação mantém a estrutura narrativa original, acompanhando a cigarra que dedica o verão ao canto enquanto as formigas se concentram no trabalho de estocagem de alimentos para enfrentar o inverno, com a participação dos demais insetos que compartilham o mesmo ambiente florestal. A montagem inclui acessibilidade em Libras e combina humor, música ao vivo e efeitos especiais em uma apresentação voltada ao público infantil e familiar

📍 SERVIÇO

Musical A Cigarra e a Formiga
Domingo, 20 de julho, 15h
Teatro RioMar Recife
Ingressos: A partir de R$ 50
Vendas: Bilheteria do teatro
Acessibilidade: Libras

🎪 PRÓXIMA SEMANA (24 A 27 DE JULHO)

Circo Godot, com Asaías Rodrigues e Charles de Lima. Foto: Divulgação

Experimentação e Pesquisa – Circo Godot

Quiercles Santana dirige Asaías Rodrigues e Charles de Lima em adaptação livre de Esperando Godot que substitui angústia existencial pelo humor circense brasileiro. Gatropo e Tropino (referências a Lucky e Pozzo) comunicam-se através de “blablação” – língua inventada que universaliza a experiência da incomunicabilidade.

A escolha pela linguagem inventada, “gromelô”, elimina barreiras de classe e educação formal, criando comunidade temporária entre público e intérpretes. A participação ativa da plateia transforma reflexão filosófica beckettiana em jogo coletivo, demonstrando como clássicos podem ser reinventados através de filtros culturais locais.

A iluminação de Luciana Raposo e a produção de Juan Saucedo garantem estrutura técnica que sustenta a precariedade voluntária da estética circense. O Teatro Hermilo, com apenas 90 lugares, cria intimidade necessária para que o experimento funcione.

📍 SERVIÇO:
Circo Godot
Teatro Hermilo Borba Filho
24, 25 e 26 de julho
R$ 40 (inteira) / R$ 20 (meia)
Apenas 90 lugares

 

Erivaldo Oliveira interpreta o Coro-drag em Édipo REC. Foto: Foto: Camila Macedo / Divulgação

Tragédia grega na Manguetown

Édipo REC celebra duas décadas de experimentação do Grupo Magiluth, transformando a tragédia de Sófocles em uma experiência contemporânea. Após percorrer o Brasil, a montagem retorna ao Recife, convertendo o Teatro Luiz Mendonça em uma arena onde público e performers se entrelaçam numa dança entre realidade e representação. A direção de Luiz Fernando Marques (Lubi) e a dramaturgia de Giordano Castro criam um fluxo teatral em tempo real, onde câmeras, projeções ao vivo e vídeo mapping constroem uma Tebas reinventada como Recife-Pompéia – território onde a hiperexposição digital encontra a catástrofe ancestral, questionando como editamos nossas próprias vidas numa era de imagens.

A dramaturgia em dois atos conduz o espectador: da euforia de uma festa performática saturada de códigos pop à revelação da tragédia pessoal, onde todas as narrativas implodem. O elenco constrói um mosaico humano – Nash Laila ressignifica Jocasta com uma presença que marca o retorno feminino ao grupo, enquanto Erivaldo Oliveira comanda como Coro-drag, destilando humor e verdades. Giordano Castro molda um Édipo que é ícone pop e vítima de seu próprio narcisismo digital, navegando entre disputas de poder e a ilusão de controle. Mais que uma adaptação, Édipo REC funciona como um autorretrato do próprio Magiluth, interrogando: numa época onde somos diretores e personagens de nossas próprias tragédias virtuais, o teatro ainda possui a força de nos confrontar com quem realmente somos?

📍 SERVIÇO
Édipo REC – Grupo Magiluth
Teatro Luiz Mendonça, Parque Dona Lindu
25 e 26 de julho, às 20h
Ingresso: 30 a 120

Caliuga faz duas apresentações no Teatro Joaquim Cardozo

Caliuga

A Cia. de Teatro Negro Macacada constrói em “Caliuga” uma narrativa que espelha realidades enfrentadas cotidianamente por milhões de brasileiros, utilizando o palco como espaço de reflexão sobre as intersecções entre identidade racial e inserção no mercado de trabalho. O protagonista da obra se torna um representante de experiências coletivas que transcendem a ficção, navegando por situações que revelam as camadas sutis e explícitas de discriminação presentes nos processos seletivos e ambientes corporativos. A escolha dramatúrgica de centrar a ação na busca por emprego permite que questões estruturais sejam exploradas através de situações concretas e reconhecíveis, criando pontes entre a experiência individual do personagem e os desafios sistêmicos enfrentados pela população negra no Brasil.

A produção reconhece que as questões raciais e trabalhistas não podem ser simplificadas ou romantizadas. A Cia. de Teatro Negro Macacada se posiciona dentro de um movimento teatral que utiliza a arte como ferramenta de visibilidade e discussão, contribuindo para um panorama cênico que valoriza narrativas historicamente marginalizadas nos palcos brasileiros. O espetáculo se insere em um contexto cultural onde o teatro negro ganha cada vez mais espaço e reconhecimento, não apenas como expressão artística, mas como plataforma de debate sobre transformações sociais necessárias e urgentes na sociedade contemporânea.

📍 SERVIÇO:
Teatro Joaquim Cardozo – Centro Cultural Benfica
25 e 26 de julho, 19h30
R$ 20 (inteira) / R$ 10 (meia)

 

Dan Stulbach . Foto: Ronaldo Gutierrez. 

RELEITURA DE SHAKESPEARE

O Mercador de Veneza chega à CAIXA Cultural Recife de 24 de julho a 2 de agosto, de quinta-feira a sábado, sempre às 20h. Esta montagem dirigida por Daniela Stirbulov transporta o clássico da Itália do século 16 para um cenário contemporâneo inspirado nos anos 1990, década marcada pela aceleração da globalização e pelo surgimento de uma nova ordem mundial.

A trama acompanha Antônio, um mercador que contrai uma dívida com Shylock para ajudar seu amigo Bassânio. Como garantia para o empréstimo, Antônio oferece uma libra de sua própria carne. O não pagamento da dívida leva a um julgamento dramático, trazendo à tona temas como justiça e preconceito. A Bolsa de Valores dos anos 1990 se torna o espaço simbólico central da narrativa, onde o dinheiro rege as relações humanas, refletindo a aceleração da globalização.

Nesta versão, Shylock assume o papel de protagonista e a história é contada a partir de sua perspectiva, invertendo a estrutura tradicional da peça shakespeariana. 

A cenografia inclui uma estrutura acrílica transparente elevada no centro do palco que cria um tablado dinâmico para os atores, um painel LED circular posicionado no alto que desenha palavras e frases ligadas à ação em tempo real, um operador de câmera que capta imagens em tempo real também projetadas no painel, e uma baterista que executa a trilha sonora ao vivo no palco, criando uma atmosfera imersiva.

O elenco principal é formado por Dan Stulbach como Shylock, Cesar Baccan como Antônio, Gabriela Westphal como Pórcia e Marcelo Ullmann como Bassânio, além de um elenco de apoio que inclui Augusto Pompeo, Amaurih Oliveira, Júnior Cabral, Marcelo Diaz, Marisol Marcondes, Rebeca Oliveira, Renato Caldas e Thiago Sak. A equipe técnica conta com cenografia de Carmem Guerra, figurino e visagismo de Allan Ferc, desenho de luz de Wagner Pinto e Gabriel Greghi, e trilha sonora executada por Caroline Calê.

 

OUTRAS COMÉDIAS

NÂO

NÃO! com Adriana Birolli

A atriz Adriana Birolli retorna ao Recife com comédia de Diogo Camargos que aborda dificuldade de estabelecer limites pessoais. O monólogo, que já percorreu o Brasil com sessões lotadas, explora tema através da perspectiva de mulher que faz terapia há dezoito anos para aprender a dizer não.

A montagem representa teatro comercial contemporâneo: uma atriz conhecida da televisão em texto que combina humor com autoajuda, criando identificação imediata com público urbano de classe média. Adriana Birolli comenta que a resposta positiva de profissionais da saúde mental comprova a pertinência do tema.

SERVIÇO:
Teatro Santa Isabel
25 a 27 de julho (Sex 20h, Sáb 19h, Dom 18h)
R$ 40 a R$ 140

Wilson de Santos intepreta a rmã Maria José. Foto: Divulgação

A Noviça Mais Rebelde

A trajetória de mais de uma década nos palcos brasileiros consolida A Noviça Mais Rebelde  como um fenômeno teatral que conquistou públicos das mais diversas regiões do país. Wilson de Santos constrói um personagem que navega entre a devoção religiosa e as memórias mundanas com uma naturalidade que transforma cada apresentação em uma experiência única, já que a natureza improvisacional do espetáculo permite variações que mantêm a obra sempre renovada.

A habilidade do ator em conduzir a interação com a plateia, alternando entre momentos de reflexão espiritual e explosões de humor irreverente, demonstra sua versatilidade cênica desenvolvida ao longo de colaborações com importantes nomes do teatro nacional. O formato de monólogo interativo, que coloca o público como parte integrante da narrativa, quebra a quarta parede de forma orgânica, criando uma atmosfera de intimidade que faz com que cada espectador se sinta pessoalmente conectado às confissões e travessuras da Irmã Maria José. Esta longevidade artística

📍 SERVIÇO:
A Noviça Mais Rebelde
Teatro do Parque
25 e 27 de julho (Sex 20h, Dom 19h)
R$ 60 a R$ 120

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Espaço de afeto, resistência e invenção
Intercâmbio entre Magiluth e Atores à Deriva

Fábulas de Nossas Fúrias, com Atores à Deriva, de Natal. Foto: Brunno Martins

O projeto Magiluth Recebe propõe um encontro singular entre dois coletivos teatrais importantes do Nordeste – Magiluth (PE) e Atores à Deriva (RN)-, estreitando laços culturais entre Recife e Natal. Durante o mês de maio de 2025, o Teatro Hermilo Borba Filho, localizado no Bairro do Recife, torna-se o cenário de uma intensa troca artística que celebra o teatro como espaço de afeto, resistência e criatividade.

A programação começa com uma residência artística, entre os dias 5 e 8 de maio, onde a convivência entre os artistas do Magiluth e os Atores à Deriva se transforma em uma oportunidade para a pesquisa e o intercâmbio de experiências. Esse período de imersão culmina com a apresentação da abertura de processo do espetáculo Ouriço do Atores à Deriva no dia 8, às 20h.

Em sequência, o coletivo potiguar ocupa o palco com Fábulas de Nossas Fúrias (9, 10 e 11 de maio, com sessões às 20h na sexta e sábado e às 18h no domingo), espetáculo inspirado na “justa ira” de Paulo Freire que convoca quatro intérpretes a reinventar narrativas indomadas para corpos dissidentes – potência e denúncia costuradas pela força da fabulação.

Na etapa seguinte, quem entra em cena é o Magiluth, com a montagem Aquilo Que Meu Olhar Guardou Para Você, nos dias 15, 16 e 17 de maio, sempre às 20h. Criada em 2012, essa produção, fundamentada na improvisação e na memória, convida o público a refletir sobre a passagem do tempo e a efemeridade dos encontros humanos.

O Magiluth Recebe nasce do anseio de ampliar vínculos, dividir palco e cidade com grupos que caminham por trajetórias afins. O projeto afirma o teatro como território de escuta, coletividade e reinvenção constante, promovendo a construção de pontes criativas e políticas entre artistas e coletivos de diferentes cidades.

Ao reunir dois grupos com trajetórias marcadas pelo compromisso com a criação autoral, a iniciativa se destaca como um espaço de experimentação e diálogo, na perspectiva de continuidade para futuras edições reunindo sempre novos coletivos ao redor de processos e criações colaborativas..

A participação do Atores à Deriva, dedicada há 17 anos à pesquisa e criação de teatro autoral em Natal é viabilizada por meio do projeto Fábulações Coletivas, prêmio da Bolsa Funarte Myriam Muniz, com apoio do Governo Federal e Ministério da Cultura (MinC), que possibilita a circulação do espetáculo Fábulas de Nossas Fúrias pelos estados do Ceará, Pernambuco e Rio Grande do Norte.

Serviço

O quê? Intercâmbio artístico entre os coletivos Magiluth (PE) e Atores à Deriva (RN)
Quando? De 5 a 17 de maio de 2025

Residência artística e apresentação inédita do coletivo Atores à Deriva – de 5 a 8 de maio (apresentação de Ouriço no dia 8, às 20h – entrada gratuita)
Temporada de Fábulas de Nossas Fúrias – dias 9, 10, 11 de maio (20h na sexta e sábado; 18h no domingo)
Temporada de Aquilo Que Meu Olhar Guardou Para Você – dias 15, 16, 17 de maio (20h)

Onde? Teatro Hermilo Borba Filho – Bairro do Recife – PE
Quanto? R$ 60 (inteira) | R$ 30 (meia-entrada). Parte dos ingressos distribuída gratuitamente para pessoas trans, negras, periféricas e estudantes de teatro. Ingressos via Sympla e diretamente na bilheteria do teatro.
Mais informações: @magiluth

 

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