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Dramaturgia espanhola no Janeiro

Os corpos perdidos trata do extermínio de mulheres. Com o Angu de Teatro e convidados

Os corpos perdidos trata do extermínio de mulheres. Com o Angu de Teatro e convidados

janeiro-de-grandes-espetáculos-SSSS Ciudad Juárez é um dos lugares mais violentos do México na década de 1990. A obra dramática Os corpos perdidos, de José Manuel Mora com tradução de Cibele Forjaz, trata da torrente de assassinatos de mulheres. Impera a impunidade para os criminosos e a negligência do governo. A peça mergulha nessa pungente memória de mais de 300 mulheres executadas.

O texto integra a Coleção Dramaturgia Espanhola, da Editora Cobogó, que tem lançamento hoje e amanhã (ao preço de R$ 30 cada). O lançamento ocorre junto com leituras dramatizadas, com entrada franca.

A leitura de Os corpos perdidos conta com a participação do o elenco do Coletivo Angu de Teatro e convidados (Marcondes Lima, Arilson Lopes, André Brasileiro,Gheuza Sena, Nínive Caldas, Ivo Barreto, Daniel Barros, Hermínia Mendes,Márcio Antônio Fecher Junior, Paulo De Pontes e Lúcia Machado). E tem direção de  Cibele Forjaz. Nesta quarta, às 20h, no Teatro Arraial Ariano Suassuna.

O programa reserva para quinta-feira a leitura dramatizada da obra A Paz Perpétua, de Juan Mayorga, dirigida pelo gaúcho Fernando Philbert. A intriga que envolve violência, poder e autoridade é defendida pelos atores do Grupo Magiluth (Giordano Castro, Mário Sergio Cabral, Erivaldo Oliveira, Lucas Torres Magiluth e Bruno Parmera). Às 20h de amanhã, no palco do Teatro de Santa Isabel (entrada pela administração).

O Projeto de Internacionalização da Dramaturgia Espanhola promovida pela Acción Cultural Española – AC/E, conta com o envolvimento do TEMPO_FESTIVAL (Rio de Janeiro), Editora Cobogó, Porto Alegre em Cena – Festival Internacional de Artes Cênicas; Cena Contemporânea – Festival Internacional de Teatro de Brasília; Festival Internacional de Artes Cênicas da Bahia – FIAC; e Janeiro de Grandes Espetáculos – Festival Internacional de Artes Cênicas de Pernambuco.

 

Leitura Dramatizada e Lançamento de Livros

Dia 20 de janeiro de 2016 (quarta), 20h, gratuito
Teatro Arraial Ariano Suassuna
Leitura dramatizada do texto Os Corpos Perdidos, de José Manuel Mora, pela encenadora Cibele Forjaz e participação do Coletivo Angu de Teatro e atores convidados.

Lançamento dos livros A Paz Perpétua, de Juan Mayorga, com tradução de Aderbal Freire-Filho, e Os Corpos Perdidos, de José Manuel Mora, com tradução de Cibele Forjaz e colaboração de Kako Arancibia.

 

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Peça As Confrarias expõe lado podre do poder

Espetáculo As confrarias, montagem da Cia Teatro de Seraphim. Foto: Larissa Moura

Uma mulher do povo contra um mundo injusto, desumano e cruel. Como Antígona, heroína de Sófocles, Marta desafia os poderosos para sepultar seu ente querido. O dramaturgo Jorge Andrade (1922 -1984) foi buscar material no Brasil colonial (tempo da mineração) para falar das atrocidades que brasileiros anônimos foram vítimas no final da década de 1960. Uma estratégia para estabelecer o distanciamento crítico.

O espetáculo As Confrarias leva para o centro da cena a trajetória de uma mãe, Marta, na sua determinação por enterrar seu filho, José, um ator assassinado. As autoridades desconfiaram que ele participava de movimentos revolucionários e o extinguiram. Sua morte, como sua vida, vale pouco para os detentores do poder, mas não para a sua mãe. José multiplicava seu corpo em muitas vidas, nas suas metamorfoses de ator. Morto vira uma arma em mãos maternas para lutar contra a prepotência e a hipocrisia desses “clubes” que se arrogam ser senhores do destino material e espiritual de toda comunidade. No final do espetáculo ela fala: “(…) Sabe por que o deixei naquele adro? Por que usei seu corpo? (…) porque… se eu o enterrasse com minhas mãos, esqueceriam que você viveu… e porque morreu”.

Nilza Lisboa, como Marta, Roberto Brandão (José) e Carlos Lira (Sebastião)

Não, não é uma peça fácil de ser erguida. A começar pelo número de personagens, mais de 40. As mudanças temporais também exigem uma engenharia (produção, verba para traduzir a opulência das confrarias) e criatividade para não cair no didatismo. E também uma pulsação contemporânea para que a peça não seja encarada como um episódio longínquo do passado. Criar nervuras que toquem e signifiquem no presente.

Escrita em 1969, a peça As Confrarias ficou inédita até este ano, quando a Cia. Teatro de Seraphim encarou o desafio de encená-la. A montagem fez temporada no Teatro Barreto Júnior, no Recife, e participou há pouco do  Aldeia Yapoatan – II Mostra de Artes em Jaboatão dos Guararapes.

O encenador Antonio Cadengue diminuiu a peça, cortou cenas, personagens, multiplicou papéis para um mesmo intérprete. O espetáculo de um único ato está dividido em dois planos de ação: presente e passado. A Marta do presente é interpretada por Lúcia Machado. A do passado, por Nilza Lisboa. Alternando entre passado e presente, estão as passagens – muito bonitas, por sinal – da mãe e de Quitéria, namorada de José, carregando uma rede com o corpo inerte do filho de Marta. As portas do cenário significam, fecham e abrem, em movimentos de revelação/ocultação. A cenografia é assinada por Doris Rollemberg.

Portas se abrem para revelar a passagem do morto

Um dado histórico é de fundamental importância para o entendimento dessa luta. Não existiam cemitérios públicos no período colonial brasileiro. Os que existiam funcionavam junto às igrejas, em solo dito sagrado. As igrejas guardavam os registros de nascimento, casamento ou morte. Pense num poder!!! Isso passa a ser um problema para Marta, porque seu filho não era vinculado a nenhuma ordem.

E os integrantes das irmandades e confrarias não eram santos e estavam muito mais preocupados com o reino da Terra e os seus prazeres materiais do que com o reino do Céu. Funcionavam como clubes fechados que serviam aos interesses de determinados grupos sociais. Para participar de cada uma delas havia uma longa lista de exigências. E por trás dessas exigências se escondiam a tirania de seus dirigentes, que manipulavam discursos e regras a partir de seus interesses, dando interpretações bem pessoais às leis.

Pároco da Irmandade de São José (Rudimar Constâncio) pressiona Marta

Pároco da Irmandade de São José (Rudimar Constâncio) pressiona Marta

Marta, uma desclassificada, questiona o poder das confrarias ao aparecer em cada uma delas para pedir um lugar para sepultar o corpo de José. É um embate individual contra o mundo hostil que a cerca. Os diálogos estão repletos de tensão e ironias de todos os lados.

A peleja de Marta é travada em um único dia, em Vila Rica (hoje Ouro Preto, Minas Gerais), no século XVIII, à época da Inconfidência Mineira. Andrade não enfocou os que a Pátria consagrou como heróis. O dramaturgo põe uma lente de aumento na relação de despotismo dos religiosos para com os marginalizados. E desnuda os procedimentos de exclusão por parte de quem estigmatiza os abandonados da sociedade. No caso os confrades desqualificam, eliminam de seus quadros tendo como parâmetros – não muito claros – questões de cor e raça. Muitas profissões também são alvo de perseguição, a de ator é uma delas.

A protagonista de As Confrarias também é personagem de outra peça de Jorge Andrade, O Sumidouro, em um papel secundário de uma empregada questionadora. Em As Confrarias, Marta conduz a trama. O debate sobre o papel social do produtor de arte também é levantado pelo autor em O Sumidouro, só que lá as crises de criação se concentram na figura do dramaturgo.

Os bastidores do poder são expostos a partir das confabulações, intrigas e decisões das irmandades e confrarias.

Os bastidores do poder são expostos a partir das confabulações, intrigas e decisões das irmandades

Como sabemos desde as bancas do colégio, devido à exploração do ouro, Minas Gerais teve um desenvolvimento muito grande. As “ligas” dirigidas pelos religiosos gostavam de exibir opulência. Na peça aparecem quatro de muitas que existiram em Vila Rica, no século XVIII. São elas: Irmandade do Carmo (confraria dos brancos e ricos); Irmandade do Rosário (dos negros puros); Irmandade de São José (dos pardos que recebia os artistas) e Irmandade da Ordem Terceira das Mercês (que juntava negros, brancos e mulatos).

A primeira Confraria visitada é a da Ordem Terceira de Nossa Senhora do Monte do Carmo, que recusa o pedido:

Ministro – Não sabe que infiéis, suicidas e atores não podem ser enterrados em igrejas?

Marta – Uma confraria cativa em gargalheiras de sangue, de crença, interesses, de leis, torna-se covil de tiranos. Não seria aqui que deixaria o corpo do meu filho…

Antes desse arremate há todo um jogo de revelações até a conclusão de que o filho era ator, uma profissão considerada perigosa e marginal.

A Confraria do Rosário, que reúne escravos e ex-escravos, foi a segunda a ser visitada. “Meu filho viveu entre pessoas como vocês(…) e amou mulher de sua raça”, argumenta Marta. Mas por meio do embate discursivo ela chega à conclusão de que essa irmandade é tão preconceituosa quanto a outra: “A única diferença entre vocês e o Carmo é a cor da pele. Escondem-se atrás dela, e só sabem se lamentar. O que geram seus pais é produto de venda, compra ou troca. Escravizam também por este ouro! São tão odientos quantos os brancos”.

A Irmandade São José, dos mulatos, é a terceira a ser visitada por Marta. Lá também é rechaçada. Gananciosos e ávidos pelo poder, tentam conseguir informação sobre os inconfidentes para negociar em benefício próprio. Marta dá o troco deixando uma sacola de areia, que eles pensam que é ouro.

Cobiça é um dos pecados desses grupos

Cobiça é um dos pecados desses grupos

A quarta e última visitação de Marta é feita à Ordem Terceira da Mercês, irmandade que, teoricamente, admite sujeitos de todas as origens. O debate dos seus integrantes é o mesmo das outras confrarias, ouro, poder e desta vez se divertem com a notícia de que Marta pregou uma peça na irmandade de São José.

“Devem estar aqui os que pensam como meu filho, os homens que ele procurava. É esta a minha igreja”, provoca Marta. Depois de uma longa e torturante inquirição por parte dos religiosos, a protagonista grita: “Por quem meu filho morreu? Por vocês? Malditos hipócritas!”

Anjo Negro de Mapplethorpe em sequência de poses

Anjo Negro de Mapplethorpe em sequência de poses

As cenas seguem uma ordem de revelações. Abre com o ator Gilson Paz como o Anjo Negro de Mapplethorpe em sequência de poses (algumas carregando flores) para celebrar as imagens do fotógrafo norte-americano Robert Mapplethorpe (1946-1989), famoso por suas fotografias de nus masculinos, carregadas de erotismo homossexual. Esse Anjo volta a parecer no decorrer do espetáculo, ou para saturar sentidos Terra/Céu, para investir na cena de sensualidade ou estabelecer conexões entre cenas.

A interpretação dos atores salienta o jogo de teatralidade. Isso ganha grandes proporções nos embates entre Marta e os confrades. Mas não há muitas variações entre presente e passado. No geral há uma frieza na montagem, que não aquece as palavras do autor. É como se as interpretações seguissem uma linha monocromática e previsível – mesmo com a alternância entre planos e a exposição de episódios soturnos, não ganham relevo.

O texto de Jorge Andrade é complexo e vai desfiando aos poucos a história de Marta, de seu marido Sebastião e de seu filho José. Em cada irmandade é revelada um pouco mais dessa trajetória.

Lúcia Machado

Lúcia Machado

Lúcia Machado vive a Marta da via-crucis. Com maestria faz o jogo teatral, provocando seus interlocutores, explorando com riqueza expressões faciais e gestuais. Mas houve problemas com a voz. Na apresentação no Teatro Luiz Mendonça, por exemplo, estava com pouca projeção vocal, o que dificultou a audição.

Brenda Ligia está bem no papel de Quitéria (namorada de José) que ganhou a liberdade com o dinheiro ganho como cortesã e desafia os costumes.

A opção do encenador de dobrar papéis é válida. Mas como os atores que se revezam nas confrarias pouco se diferenciam entre si, parece que há apenas trocas de figurino. Mesmo as reações mais fortes de um ou outro intérprete, como Rudimar Constâncio ou Ivo Barreto, Marcelino Dias ou Taveira Júnior, não demarcam as diferenças entre eles.

Não enxerguei individuações entre os representantes de cada confraria. E chego a pensar que isso poderia ter sido proposital para produzir o sentido de que todos agem da mesma forma. Mas o preconceito dos diferentes ganharia mais relevo.

A narrativa vai se encaixando e revelando detalhes terríveis da constituição humana. Mas sinto falta de vigor na montagem. Ela não vibra, com exceção da atuação de Lúcia (embora prejudicada pela projeção vocal). A história desperta interesse, mas não toca. Parece parada num passado distante sem que isso nos diga respeito.

A ideia de espelhamento de Marta, entre passado e presente é bem interessante. A Marta do passado (Nilza Lisboa) parece mais presa, meio sufocada em suas vestes. O melhor momento é quando ela desafia o religioso que tenta “catequizar” Quitéria. Marta busca chocar o homenzinho da igreja ao afirmar que assiste às cenas de amor de seu filho com a namorada.

Roberto Brandão interpreta José

Roberto Brandão interpreta José e Brenda Lígia, Quitéria

A atuação de Roberto Brandão, ator que faz José, é correta, mas sem brilho. Não traduz a juventude de seus anos nem a ousadia de suas escolhas. Parece acanhado, tímido demais para desafios tão grandes. O link com o presente – da insatisfação contra o mundo e manifestações que ocorrem mundo afora – poderia ter potência nas cenas das buscas do jovem ator, mas isso não se estabelece.

No metateatro (nas representações cênicas de José à partir da memória de Marta), falta fôlego a essa “apologia da expressão teatral”. Na tragédia Catão ele faz Marco-Bruto, com roupa de centurião, e falta peso, densidade, vigor.

Não podemos deixar de registrar que há uma meticulosa precisão na marcação cênica feita pelo encenador. Mas essa ocupação de espaços com suas hierarquias não é suficiente para incendiar a mente do espectador.  As marcas do encenador estão lá, mas parece um registro dobrado de si mesmo.

A revolta transforma um pacato cidadão

A revolta transforma um pacato cidadão

Carlos Lira, que interpreta Sebastião, não destaca a transformação pela qual passa esse pacato cidadão que plantava e colhia nas terras de Morro Velho. Encontraram ouro e anunciam que o subsolo pertencia ao Estado e à Igreja. Suas terras são confiscadas. Os momentos da revolta inicial, passando pelo engajamento político – de fazer justiça com as próprias mãos –, ao desfecho de ser enforcado, não são devidamente ressaltados em sua riqueza de detalhes.

Os figurinos e adereços de Anibal Santiago e Manuel Carlos são elegantes com seus ternos e opas. A iluminação tem momentos de envolvimentos, como nas aberturas das portas e passagem das mulheres carregando a rede, mas em outros parece errar a mão e a marcação, deixando atores no escuro, por exemplo.

A trilha sonora de Eli-Eri Moura dá textura às situações dramáticas; cria climas com os cruzamento das músicas sacras, barroca, até o toque do maracatu. É uma presença.

De todo modo, a Cia. Teatro de Seraphim e seu diretor Antonio Cadengue prossegue e persegue um teatro crítico, que leva à reflexão.

*Este texto é resultado de uma parceria com o Sesc Piedade, realizador do Aldeia Yapoatan

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Cia Teatro de Seraphim estreia As Confrarias

Antonio Cadengue assina direção de As confrarias. Fotos: Américo Nunes

Antonio Cadengue assina direção de As confrarias. Fotos: Américo Nunes

O decreto de Creonte era claro: dizia que o corpo de Polinice não deveria ser pranteado ou enterrado. Assim como Antígona não deixou o irmão insepulto, na tragédia grega escrita por Sófocles, no teatro moderno de Jorge Andrade (1922-1984), a personagem Marta também venceria qualquer obstáculo para conferir dignidade ao filho José, depois da morte. O drama dessa mãe é contado em As confrarias, texto que – apesar de escrito em 1969 – só estreia nacionalmente agora, em encenação pernambucana assinada por Antonio Cadengue. A montagem marca a retomada das atividades da Companhia Teatro de Seraphim, cuja última produção foi A filha do teatro, há seis anos. A peça entra em cartaz no dia 9 de junho, cumprindo temporada até o fim do mês, de quinta-feira a domingo (20h), no Teatro Barreto Júnior.

Em 1977, Jorge Andrade concedeu entrevista à Folha de S. Paulo em que sentenciou: “Não há censura que acabe com o homem brasileiro. Ninguém pode apagar a história. Uma hora ou outra ela vem à tona. A minha obrigação é escrever, registrando o homem no tempo e no espaço. Se a peça vai ser encenada agora, ou não, isso é outro problema. Um dia ela será”. A declaração evidenciava a noção do dramaturgo quanto à dificuldade de se montar As confrarias à época, oito anos depois de escrita.

Aquele era um tempo de censura ferrenha – o primeiro ano de vigor do Ato Institucional nº 5, no governo do general Costa e Silva. Talvez por isso aspectos práticos, como o número de personagens do enredo, não importaram ao autor: são 43, se considerarmos todas as indicações. O desafio de transpor ao palco uma dramaturgia com tantos personagens não assustou a Seraphim que, em 1995, empreendeu outra estreia nacional – Os Biombos, de Jean Genet – com mais de cem deles.

“Como não houve montagem, Andrade não teve chance de ouvir o texto, de revê-lo através do palco, como aconteceu com outras obras, principalmente com aquelas encenadas pelo Teatro Brasileiro de Comédia (TBC), como Pedreira das almas, A escada, Os ossos do Barão e Vereda da salvação”, explica o diretor que, ao lado da atriz Lúcia Machado e de Igor de Almeida Silva, doutorando em Artes Cênicas, adaptaram a dramaturgia. Foram cerca de 15 versões testadas à exaustão durante os ensaios – 14 atores se revezam na interpretação dos personagens.

Peça de Jorge Andrade nunca havia sido montada

Peça de Jorge Andrade nunca havia sido montada

Jorge Andrade usa um pano de fundo histórico: ambienta a ação em Vila Rica, hoje Ouro Preto, à época da Inconfidência Mineira, no século 18. Marta carrega o corpo do filho, na difícil missão de enterrá-lo, já que não havia cemitérios públicos. Para ser sepultado, o morto deveria pertencer a uma confraria, só que o filho exercia uma profissão profana: ator de teatro. A mãe vai, então, percorre quatro confrarias: a Irmandade do Carmo (confraria dos brancos), a Irmandade do Rosário (dos negros puros), a Irmandade de São José (dos pardos, que aceita artistas, pintores, escultores, trabalhadores) e a Ordem Terceira das Mercês (mistura de negros, brancos e mulatos).

Essa jornada materna evidencia questões sociais, políticas e econômicas – a desigualdade social, os preconceitos, as injustiças. O autor vasculhou a história, mas para referir-se ao seu tempo, ao Regime Militar. Parece o mesmo intuito da montagem agora ao lançar discussões, por exemplo, sobre a intolerância.

Teatro Político – A peça utiliza ainda do recurso da metalinguagem e questiona as funções do ator e do dramaturgo, da arte e do teatro na contemporaneidade, principalmente no que diz respeito ao caráter de contestação que podem assumir. Ao rememorar o passado, Marta resgata a figura do filho representando, por exemplo, a tragédia Catão, de Almeida Garret, que tratava dos abusos de poder na Roma Antiga. “Tenho algumas mães na minha carreira, como a de Bodas de sangue, de Federico Garcia Lorca, mas faltava Marta. É muito forte perceber que ela praticamente leva o filho à morte, porque o incitou a lutar através dos personagens que ele fazia”, diz Lúcia Machado.

Desde 2007, a atriz estava longe dos palcos, exercendo funções relacionadas à gestão cultural, como a coordenação do Centro Apolo-Hermilo, ligado à Prefeitura do Recife. O elenco conta com mais duas mulheres: Nilza Lisboa, que faz a Marta jovem; e Brenda Lígia, interpretando Quitéria, amante de José. Completam o time de atores Rudimar Constâncio, Alexsandro Marcos, Gilson Paz, Ivo Barreto, Marinho Falcão, Mauro Monezi, Ricardo Angeiras, Taveira Júnior, Carlos Lira, Marcelino Dias e Roberto Brandão. Os três últimos estavam em Vestígios, montagem mais recente assinada por Cadengue. “As confrarias é uma peça em que a teatralidade está muito baseada na imagem, uma característica, aliás, dos trabalhos do diretor”, comenta o ator Rudimar Constâncio.

Na encenação, Cadengue explora o “estranhamento brechtiano” – elementos que tiram por alguns instantes o espectador da fábula e podem ser até bizarros. “Inicialmente, para resolver um problema da encenação, imaginei a figura de um anjo que vai aparecer em alguns momentos da peça. Como Jorge Andrade, gosto da metalinguagem e trago elementos intertextuais para a cena. Esse anjo tanto é uma homenagem a Nelson Rodrigues e ao seu Anjo negro quanto às referências interétnicas da obra do fotógrafo americano Robert Mapplethorpe e a própria Seraphim, cujo ícone é um anjo de fogo”, afirma. Outras influências para a cena também foram trazidas pelo diretor, como o filme Terra em transe, de Glauber Rocha.

Montagem marca a retomada da Cia Teatro de Seraphim

Montagem marca a retomada da Cia Teatro de Seraphim

A ficha técnica da produção, que conta com o apoio do Fundo Pernambucano de Incentivo à Cultura (Funcultura), inclui a cenógrafa Doris Rollemberg, parceira da companhia desde Os biombos; figurinos, adereços e maquiagem de Aníbal Santiago e Manuel Carlos; luz de Luciana Raposo; e trilha sonora de Eli-Eri Moura. Para o diretor, ainda que tenha um traço trágico, a peça carrega em si o valor da esperança. Numa das falas, Marta diz que gosta de plantar. “É uma montagem que trata deste país. De como ele é complexo, difícil, mas como pode ser lido através da poesia, pela lente do teatro.”

* Esse texto foi originalmente publicado na edição de junho da Revista Continente

Serviço:
As confrarias
Quando: estreia neste domingo (9), somente para convidados
Temporada: de quinta a domingo (de 13 a 30 de junho), às 20h
Onde: Teatro Barreto Júnior (Rua Estudante Jeremias Bastos, s/n, Pina)
Quanto: R$ 10 e R$ 5 (meia-entrada)

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Deolinda Vilhena avalia Festival Recife do Teatro Nacional

Festival foi aberto com espetáculo sobre Gonzagão. Foto: Pollyanna Diniz

Avaliação do 15º FESTIVAL RECIFE DO TEATRO NACIONAL
Por Deolinda Catarina França de Vilhena (BA)

PRÓLOGO

Não sei quantas horas ao longo desses últimos dias passei diante da tela do computador tentando imaginar um começo para essa Avaliação. Li e reli, diversas vezes, os textos de meus antecessores nessa missão em busca de inspiração. E nada. Pelas regras da boa educação talvez devesse começá-la com os agradecimentos de praxe, mas apaixonada e entusiasmada que sou, aos agradecimentos de praxe prefiro aqueles feitos pelo coração e esses hão de aparecer no momento que quiserem e não obrigatoriamente no prólogo dessa conversa.

Uma outra possibilidade era começar citando uma frase de um pernambucano ilustre, e não são poucos os que admiro. No quesito poesia, por exemplo, há os que prefiram Drummond, mas declaro publicamente que entre os poetas brasileiros, o meu preferido é um pernambucano de boa cepa chamado Manuel Bandeira. Mas hoje em dia o Facebook banalizou o efeito das citações. E depois, isso aqui não é um trabalho acadêmico para que eu desate a inserir notas de rodapé.

E imaginando todas as possibilidades de como seduzi-los desde o começo desse texto, encontrei um detalhe interessante, pode não ser suficiente para conquistá-los, mas pelo menos apresenta um dado novo: nesses 15 anos do Festival Recife do Teatro Nacional é a primeira vez que a avaliação foi entregue a uma Produtora. Talvez tenha sido um descuido, pois a produtora que sou tornou-se Pós-Doutora, e como tal é Professora da Escola de Teatro e do Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas da Universidade Federal da Bahia, aposentando por uns tempos a produtora, que com 36 anos de experiência ainda dá de dez na professora-pesquisadora. Diria mesmo que meu olhar de produtora, ao mesmo tempo atormenta e alimenta a professora-pesquisadora.

Isso significa que nossa conversa de hoje será construída em função do olhar de uma produtora, que escreve como uma jornalista e tenta articular o pensamento com a seriedade de uma professora-pesquisadora ligada à instituição e à academia, ainda que lutando obstinadamente para fugir do ranço eventualmente cultivado por alguns colegas.

Dito isso, vamos ao que interessa, antes que Ivana Moura não se sinta satisfeita e escreva que comecei essa Avaliação com um tremendo nariz de cera.

Deolinda Vilhena, na ponta à esquerda, foi a avaliadora do 15º Festival Recife do Teatro Nacional. Também na foto Jorge Clésio, Roberto Lúcio, Albemar Araújo e Lúcia Machado. Foto: Marcelo Lyra/divulgação

ATO 1 – FESTIVAIS

Em outubro de 2011 realizei na Universidade Federal da Bahia o I Colóquio Internacional No Reino dos Festivais – Festival: instrumento ou pretexto para as políticas culturais? como parte de um projeto de pesquisa intitulado Artes do espetáculo no Brasil e seus impactos econômico, político e social na primeira década do século XXI. Entre os convidados estava Bernard Faivre D’Arcier – diretor de 16 edições do Festival de Avignon – e foi Bernard que chamou minha atenção para algo que andamos esquecendo por aqui, e eu cito: “devemos pensar os festivais por sua utilidade artística e não unicamente por seus benefícios econômicos e turísticos. Da mesma forma que é preciso defender, junto às instâncias políticas, a cultura como um componente essencial da sociedade, da atividade humana e não somente como um setor de emprego entre outros, ou um simples fator de desenvolvimento social.“1

Não poderia encontrar definição melhor para o que imagino ser um festival de artes cênicas. Nunca quis que a cultura fosse um braço da economia, mas que soubéssemos ser capazes de usar os instrumentos disponíveis na economia a nosso favor e não apenas em benefício dela.

Um festival de artes cênicas é hoje espaço privilegiado de intercâmbio artístico, circulação de ideias, conferência de linguagens e estéticas, oportunidade para diálogos e conhecimento, marco para futuros desafios. Quando concebido e organizado a partir dessas premissas é, também, uma ocasião oportuna para que os apreciadores desta arte recebam não só o melhor, mas também o que há de novo, provocador e polêmico no panorama da produção contemporânea. Mas funciona também como uma forma de luta contra a exclusão, pela integração dos jovens em dificuldade, envolvendo a participação deliberada e organizada de uma ação coletiva ao mesmo tempo lúdica, pedagógica e formativa. Afinal, além da programação artística, os festivais apresentam uma rica agenda de formação, programando encontros com os grupos, oficinas de interpretação, de circo, de preparação de espaços culturais, dramaturgia e diversos seminários.

Claro que não devemos ignorar o caráter de evento dos festivais, eventos garantem as cidades que os acolhem um impacto de notoriedade frequentemente muito importante em relação ao esforço financeiro empenhado. Em parte por essa razão, os festivais têm um papel importante na redescoberta, na reabilitação e na promoção de lugares históricos, que servem como pano de fundo para uma grande parte deles, e o exemplo da Europa – desculpem mas faço parte dos que ainda têm o Velho Continente como referência, acredito que antiguidade é posto e hierarquia deve ser respeitada – onde os festivais colocaram diversas cidades no mapa-múndi da cultura, e entre elas destaco Avignon, na França e Edimburgo, na Escócia.

Por outro lado, um festival bem sucedido pode ser o detonador de uma série de ações municipais abertas à juventude local, ou de operações de iniciação à cultura e à ação cultural em escolas e universidades. Histórias de sucesso mostram que a ação cultural, declinação de um evento cultural, da mesma maneira que o esporte pode ajudar a libertar os jovens da sua solidão. A cidade ganha com isso uma maior coesão social. Em algumas ações nas RPAs pude constatar que isso acontece aqui em Recife, com grupos que surgiram de ações passadas do festival e foram capazes de criar, de maneira espontânea, grupos improvisados. Alguns, pelo seu entusiasmo, sua originalidade, sua criatividade inspirada mesmo em sua condição social, alcançaram o profissionalismo e buscam agora o seu lugar na profissão.

Mas produzir e organizar um festival significa ultrapassar as infinitas problemáticas de organização decorrentes de um processo de mudança constante, que exige, cada vez mais, inúmeras habilidades diferentes. Os profissionais precisam desenvolver a versatilidade e a competência para participar efetivamente da sua organização. Entre os muitos aspectos a serem levados em consideração destacamos: criação, difusão, mediação cultural, desenvolvimento local, meios de comunicação, enquadramento jurídico e fiscal, o estudo do desenvolvimento sustentável e público. Tudo isso tendo como pano de fundo as novas exigências dos festivais e sua capacidade de adaptação à evolução e as novas realidades do mundo cultural.

Exatamente por conhecer, intimamente, as dificuldades de realização de um evento desse porte, na prática e na teoria, que esta avaliação é, antes de tudo uma declaração de amor e respeito a todos os membros da equipe de realização do 15o Festival Recife do Teatro Nacional. Isso não significa que concordarei com eles em gênero, número e grau ou que não irei fazer as críticas e sugestões necessárias, afinal, como para Deleuze “opor-se é construir”, é o que busco aqui por acreditar ser necessário construir antes de mais nada, opor-se vem como uma consequência, opor-se sem construir é insuficiente e sem sentido.

ATO 2 – AS ATIVIDADES ESPECIAIS DO 15º FESTIVAL RECIFE DO TEATRO NACIONAL

A importância que atribuo a formação e a qualificação na área da cultura, área de pesquisa na qual atuo, tendo mesmo organizado em maio último o 1o Seminário Internacional de Formação e Capacitação em Cultura, realizado no Teatro Vila Velha em Salvador, numa parceria da UFBA com a Universidade Paris Ouest Nanterre – La Défense, na França, me fez acompanhar de perto as atividades especiais do festival tão bem pensadas, articuladas e colocadas em prática por Roberto Lúcio e Maria Clara Camarotti sob o olhar atento de Lúcia Machado.

Curso O teatro brasileiro em dois tempos foi ministrado por Elton Bruno. Foto: Victor Jucá

CURSO

O teatro brasileiro em 2 tempos. Ministrado pelo Prof. Doutor Bruno Siqueira (PE) na Sala de Ensaio do Teatro de Santa Isabel, com um conteúdo programático em total acordo com o tema do festival e a figura do homenageado Marcus Siqueira. Credito a participação de 20 alunos, estudantes e profissionais de artes cênicas e áreas afins, ao período e ao horário escolhido para a realização do curso: de 17 a 22 de novembro, portanto começando antes mesmo do festival e acontecendo no horário noturno (19h às 22h). Estive no curso apenas uma vez, conversei com o professor e colhi impressões dos alunos, e todos foram unânimes em ressaltar a importância de um espaço de reflexão no festival, uma atividade para exercitar a atividade cerebral e não voltado para o corpo, numa reaproximação muito bem recebida entre corpo e mente tida por eles como indispensável para a formação de atores, a grande maioria dos presentes.

SEMINÁRIO

Seminário sobre Marcus Siqueira, homenageado do Festival. Foto: Victor Jucá / Divulgação

Passei as tardes de 26 e 27 de novembro no Salão Nobre do Teatro de Santa Isabel assistindo ao seminário A politização do teatro brasileiro. Acompanhei a mesa 4 intitulada Marcus Siqueira em sintonia com a cena brasileira dos anos 70 com direito a uma emocionante palestra-depoimento de João Denys Araújo Leite e tendo como debatedores Romildo Moreira e Luís Augusto Reis. Pude estar presente ainda na mesa Realidade e ficção: a cidade como cena e figura com palestra de José Fernando Azevedo (SP) e tendo como debatedora minha colega da Escola de Teatro da UFBA, Hebe Alves (BA).

Infelizmente, por alterações e acertos de agenda não acompanhei a terceira e última mesa da série: Os (des) caminhos do teatro político na cena contemporânea e deixei de ouvir a palestra de Márcio Marciano (PB), responsável por um dos espetáculos mais aplaudidos por mim no festival Milagre Brasileiro – do Coletivo de Teatro Alfenim do qual ele é diretor e dramaturgo, perdendo ainda a oportunidade de ouvir as considerações mais do que especiais de Aimar Labaki.

Divulgado em todo o material promocional do festival, com ampla difusão na internet – e-mails e redes sociais, com convites feitos por telefone aos representantes dos grupos teatrais da cidade, as entidades representativa das artes cênicas, ao SESC e pessoalmente aos alunos e ex-alunos do curso de Teatro da UFPE e alunos e professores da Escola Municipal de Arte João Pernambuco, o seminário reuniu em três tardes apenas 95 pessoas, sendo 35 na primeira, 40 na segunda e 20 na terceira. Vale registrar que entre as 40 pessoas da tarde do dia 27 de novembro estavam os integrantes (14) do Teatro de Narradores dirigido pelo palestrante do dia José Fernando Azevedo.

Ou seja, senti falta de público no belíssimo Salão Nobre desse não menos belo Teatro de Santa Isabel. Senti falta dos alunos da licenciatura, futuros arte-educadores, do curso de teatro da Universidade Federal de Pernambuco. Senti falta dos professores desse mesmo curso. Senti falta da classe artística. Mas sobre essa “ausência” de público falaremos no bate-papo.

WORKSHOPS

Em companhia dos três mosqueteiros – Lúcia Machado, Roberto Lúcio e Maria Clara Camarotti – visitei quatro das seis Regiões Político-Administrativas do Recife: RPA 01 – Centro; RPA 02 – Norte, RPA O3 – Nordeste, RPA 06 – Sul para acompanhar os workshops. Fui por eles informada que esses locais foram pensados estrategicamente pela Coordenação dos Eventos Especiais em harmonia com a assessoria de articulação da Secretaria de Cultura a partir da necessidade e tradição do festival de levar as atividades do festival para as RPAs da cidade.

Workshop com integrantes do Grupo Bagaceira, do Ceará. Foto: Marcelo Lyra/Divulgação

Confesso, num primeiro momento, ter achado bastante interessante a tarefa, era uma possibilidade de conhecer a cidade de uma outra maneira, indo a locais que não constam da programação turística e, mais do que isso, iria conhecer o maior patrimônio desses lugares: seus habitantes. E mais ainda, aqueles que entre eles se interessam por essa arte que nos fascina e seduz.

Entretanto, já no primeiro dia pude constatar o quanto seria invasivo e inútil passar 20/30 minutos como “ouvinte/observadora” de um trabalho conduzido em média durante três horas e, em alguns casos, com um número extremamente reduzido de participantes. Constrangedor para o ministrante, para os inscritos e para a avaliadora.

Na impossibilidade de um acompanhamento da totalidade da atividade após acompanhar os workshops Jogos teatrais, ministrado por Samya de Lavor e Rogério Mesquita/Grupo Bagaceira de Teatro (CE) na RPA 1 – Santo Amaro e na RPA 6 – Escola Apolonio Sales – Ibura; Improvisação teatral, a cargo de Elaine Cardim (BA) na sede do Grupo Daruê Malungo – Chão de Estrelas, na RPA 2 e Workshop para atores aplicado pela atriz Dani Barros (RJ) na RPA 3 – Sitio da Trindade – Casa Amarela, em comum acordo com Maria Clara Camarotti e Roberto Lúcio, renunciei aos outros, minha presença nada acrescentaria, ao contrário, e essas quatro participações foram mais do que suficientes para constatar alguns problemas a serem contornados nas próximas edições.

Um deles é a escolha do espaço físico para a realização da atividade, por mais que tenhamos consciência de que estamos nos dirigindo à comunidades carentes não acho produtivo e aconselhável que os locais de trabalho disponibilizados sejam sujos e inadequados. Em dois deles o estado das salas – com um odor forte e desagradável e a ausência de banheiros em condição de uso transformam em momento de terror o trabalho da avaliadora, e com certeza, o de todos os envolvidos. Em outro, vi Maria Clara Camarotti e Roberto Lúcio de balde e vassoura na mão, tentativa desesperada, de levar a cabo a missão que lhes foi confiada, mas que certamente não passava pela faxina.

Workshop com Dani Barros. Foto: Victor Jucá

O segundo problema, e com certeza mais importante do que o anterior, é a ausência de público interessado nas propostas oferecidas. Em Santo Amaro, por exemplo, apesar de ter sido informada de que é um dos bairros mais perigosos da cidade, com direito a divisões na comunidade o que implica em não deslocamento entre áreas de grupos rivais, do cuidado de encontrar uma zona neutra do bairro, da mudança de local da atividade, com carro disponibilizado para buscar os alunos no local marcado anteriormente para transportá-los ao novo local, mesmo com toda essa meticulosa articulação só se apresentaram para a atividade dois alunos.

Mesmo a atividade ministrada por Dani Barros – Prêmio Shell de Melhor Atriz e com um dos espetáculos mais concorridos do festival Estamira – voltada para atores não conseguiu atingir sua capacidade de vagas disponíveis. Confesso que fiquei intrigada com o aparente desinteresse pela ocasião de trabalhar com uma das mais importantes atrizes de sua geração. Talvez, na nossa conversa, vocês possam me esclarecer melhor pois busco compreender se há um efetivo desinteresse ou um excesso de oferta, em função da febre da contrapartida exigida pelas leis de incentivo, como se a contrapartida da arte não pudesse ser a própria arte. Mas fica o registro: mais uma vez a “ausência de público interessado” nos é sinalizada. Sinal que o assunto requer atenção.

OFICINAS

Residência artística realizada no Espaço Fiandeiros. Foto: Victor Jucá /Divulgação

Das duas oficinas programadas pude acompanhar apenas a Oficina-Residência Artística Teatro de Narradores | Oficina Cidadematerial ministrada por José Fernando Azevedo, Lucienne Guedes e Danilo Eric/ Teatro de Narradores (SP), no Espaço Cultural Fiandeiros de Teatro. Tendo como público alvo estudantes de teatro, atores, diretores, dramaturgos, cenógrafos a oficina incluiu em seu processo de seleção a necessidade de uma carta de intenção e um minicurrículo, ambos analisados e selecionado pelos professores. Esse aparente detalhe pode ter contribuído para o sucesso da mesma no quesito número de inscritos: 26. Mas a euforia é momentânea: se ultrapassou as 20 vagas inicialmente previstas, apenas 13 participantes participaram do trabalho.

Ao longo dos anos acompanhando oficinas e workshops, dos primórdios há mais de 30 anos até a febre imposta dos dias de hoje, confesso que o trabalho realizado pelo Teatro de Narradores é dos mais interessantes – ao lado do método desenvolvido por Antônio Araújo e seu Teatro da Vertigem – que vi nos últimos cinco anos. Ouso creditar, em grande parte, a ausência de público a uma repetição do que é ensinado/compartilhado nessas ocasiões.

José Fernando Azevedo ao tirar os “alunos” do casarão dos Fiandeiros e jogá-los nas ruas do bairro, incentivando o diálogo com os passantes, os habitantes e/ou trabalhadores da área, usando imediatamente o trabalho realizado nessas “saídas” para compor o conteúdo programático da oficina do meu ponto de vista, seduz, fascina e desperta para o ouvir o outro, e compreender que sem o outro não é apenas teatro que não fazemos, não se faz nada. Pude observar o retorno desses “alunos” e vi que havia energia e vida pulsando na volta à sala.

Digno de observação: o processo de seleção mais meticuloso e a elaboração da oficina. Ao acenar com algo fora do padrão convencionado e estabelecido, como fez o Teatro de Narradores, talvez possamos trazer para as indispensáveis atividades formativas esse público perdido. A debater. A questionar.

LANÇAMENTO DE LIVROS

João Denys com a família de Marcus Siqueira. Foto: Victor Jucá/Divulgação

Marcus Siqueira: um teatro novo e libertador, de João Denys Araújo Leite, Palavra de ator – espetáculo-conferência, de Maurice Durozier, em edição bilíngue e Festival Recife do Teatro Nacional – 15 anos em cena, ambos organizados por nossa batalhadora incansável, Lúcia Machado. Três livros, três momentos fortes dessa edição.

Por acreditar no papel, por acreditar na palavra escrita e na necessidade de cultivarmos a memória, memória essa que quando é esquecida permite que se escreva a história do teatro brasileiro pautada apenas no eixo São Paulo-Rio de Janeiro, saio do Recife impressionada com a quantidade de livros retratando a vida teatral dessa cidade, desse estado, levo em minhas malas parte da história do teatro brasileiro e creiam irei dividi-las com meus alunos e meus leitores do Terra Magazine.

Não pude ainda avaliar a qualidade, apenas passei os olhos nos livros, tempo ocioso foi algo escasso em minha vida nesses últimos 13 dias, mas os nomes envolvidos funcionam como uma griffe. Não posso deixar de registrar um fato excepcional, na maior linha “santo de casa não faz milagre”: o festival deu quinau na França ao publicar em primeira mão, em edição bilíngue, o livro de Maurice Durozier, uma jóia para todo e qualquer apaixonado pelo teatro.

Ainda no quesito editorial sou obrigada a confessar que algo me impressionou, e muito: o fato dos livros serem oferecidos gratuitamente a todas as pessoas que vieram aos lançamentos.

Essa gratuidade me surpreendeu porque sou radicalmente contra a gratuidade na área da cultura, no verão passado fui das primeiras a apoiar um movimento criado por Márcio Meirelles em Salvador, De graça não tem graça. Todos os estudos – sérios! – que conheço realizados nos quatro cantos do planeta afirmam categoricamente que ingresso de graça nunca aumentou o número de espectadores nas salas de espetáculos ou nos museus. Não se pode desejar aquilo que não se conhece, e cabe a todos nós despertar esse interesse nas pessoas e isso não passa pela gratuidade. Há anos digo que meu sonho de consumo é ver pessoas poupando para assistir uma peça de teatro, com a mesma euforia que poupam para comprar fantasias para as Escolas de Samba do Rio de Janeiro e abadás para os blocos no carnaval de Salvador. Nesse dia meus anos como mulher de teatro na prática e na academia terão valido à pena.

Lúcia Machado lançou catálogo em comemoração aos 15 anos do festival. Foto: Victor Jucá/divulgação

Logo, ver esses livros ofertados ao público presente aos lançamentos me causou um misto de surpresa e alegria. Surpresa porque não esperava jamais que isso acontecesse, alegria porque estou cansada de ver dinheiro público utilizado em publicações que apodrecem nas salas de nossas repartições públicas, quando poderiam ser distribuídas aos alunos das escolas e universidades desse país continente.

Parabéns pela iniciativa. Livros sobre teatro são, com certeza, instrumentos indispensáveis na formação de plateias.

LEITURAS DRAMÁTICAS

Um grito parado no ar, de Gianfrancesco Guarnieri, com direção de Bruno Siqueira (PE) com os alunos do curso O teatro brasileiro em 2 tempos (PE) e Por telefone, de Antonio Fagundes, com direção de Reinaldo de Oliveira, com Reinaldo de Oliveira e Clenira Bezerra de Melo (Teatro de Amadores de Pernambuco) no Salão Nobre do Teatro de Santa Isabel.

Leitura dramática do texto Por telefone, com Reinaldo de Oliveira e Clenira Bezerra. Foto: Victor Jucá/Divulgação

Entusiasta que sou da leitura dramática, por gostar da sensação de trocar a experiência individual e solitária de leitura pela coletiva, da troca que se estabelece, da interlocução que possibilita leituras individuais em cada um dos presentes, tendo como guia apenas a voz humana e, ainda assim, traduzir sentimentos do personagem, despertando o público e colocando o texto em evidência, passei bons momentos no Salão Nobre.

Em tempos onde o tempo é cada vez mas escasso, considero um luxo e um privilégio estar numa sala diante de atores para ouvir uma leitura dramática. Vi apenas duas, das três programadas, e ambas tiveram um gosto especial: a leitura de Um grito parado no ar por ter utilizado os alunos do curso de Teatro Brasileiro, unindo teoria e prática; além de ter me proporcionado a redescoberta de um texto, 38 anos após o espetáculo dirigido por Fernando Peixoto ao qual tive a oportunidade de assistir aos 15 anos de idade. Para minha surpresa ele é totalmente atual.

Quanto a leitura de Por Telefone, registro a emoção de ter visto Reinaldo de Oliveira, ocasião rara para uma “estrangeira” de ver em cena um dos grandes nomes do teatro brasileiro. Inclusive pedi para ser apresentada a ele, pois estava diante do filho de Valdemar de Oliveira. Momento emocionante.

ATO 3 – A MOSTRA DOS ESPETÁCULOS

Pensando em Marcus Siqueira, o homenageado e no tema-conceito – O teatro que forma e transforma – da décima quinta edição do Festival Recife do Teatro Nacional, encontrei no texto de Roberto Lúcio para o programa do festival a “deixa” perfeita: “A homenagem a Marcus Siqueira pelo XV Festival Recife do Teatro Nacional, por si só, constitui um ato político. Ela reafirma o Festival como um espaço de reflexão, um lugar de trocas e de pedagogias, plurais, multifacetadas, que revigoram a força do atual panorama do teatro brasileiro. A programação de espetáculos e as ações formativas elencadas em 2012 fazem jus à trajetória de Marcus Siqueira (1940-1981), referência fundamental no teatro pernambucano nas décadas de 1970 e 1980, desde os anos 1960 um ator e diretor teatral marcante, combativo, questionador, amante e defensor do teatro de grupo e do aspecto pedagógico da arte do teatro.“.

A quase morte de Zé Malandro encenada no bairro de Campo Grande. Foto: Marcelo Lyra

As ações formativas confirmaram o que disse Roberto Lúcio. E foi com entusiasmo que constatei que a mostra de espetáculos seguiu o mesmo mote.

Em entrevista concedida a repórter Beth Nespóli, em julho de 2007, Paulo Arantes chamava à atenção para o fenômeno “teatro de grupo” em São Paulo capital e dizia que “ao lado da explosão do hip-hop, com o qual tem muito a ver malgrado as diferenças de escala e classe, não sou por certo o único a reconhecer no atual renascimento do teatro de grupo o fato cultural público mais significativo hoje em São Paulo. Fala-se em mais de 500 coletivos, por assim dizer, dando combate no front cultural que se abriu com a ofensiva privatizante. Não são só os números que impressionam, mas também a qualidades das encenações, cuja contundência surpreende, ainda mais quando associada a uma ocupação inédita de espaços os mais inesperados da cidade, gerando pelo menos o desenho de uma mistura social que ninguém planejou, simplesmente está acontecendo como efeito colateral das segregações e hierarquias que o novo estado do mundo vai multiplicando.”.2

A programação de espetáculos do 15 Festival Recife do Teatro Nacional – com 19 espetáculos entre locais e nacionais – faz com que eu ouse transformar em pergunta essa afirmação de Paulo Arantes: será que cinco anos depois não podemos falar nesses termos em nível nacional? Afinal, dos 19 espetáculos, salvo engano de minha parte, usando como fonte o programa do festival, 13 têm sua origem em grupos oriundos de estados diversos, como Ceará, Paraíba, Pernambuco, Bahia, Rio de Janeiro e São Paulo.

Textos de criação coletiva, textos de autores como João Falcão, Rafael Martins, Nelson Rodrigues, Fábio Espírito santo, Claudia Schapira, Noëlle Renaude, Maurice Durozier, Ronaldo Corrêa de Britto, José Fernando Azevedo, Beatriz Sayad, Dani Barros, Ariano Suassuna, Elizabeth Mazev, adaptações/inspirações de Brecht, Sófocles, Strindberg e Joaquim Cardozo, só do lado do texto dramatúrgico temos um panorama diverso, elevado ao cubo quando passamos para a cena. E, graças ao trabalho de grupo, comprovando a necessidade do coletivo, da mais coletiva das artes, o que vimos nos palcos dos teatros e das ruas e praças do Recife foi, quase sempre, fruto de um trabalho de pesquisa, suado, sofrido, elaborado mas quão prazeroso para os que o fazem e para os que o aplaudem.

Isso te interessa?, da Cia Brasileira de Teatro, foi um dos destaques da programação. Foto: Marcelo Lyra/Divulgação

Não farei uma análise ou mesmo comentário sobre a qualidade dos espetáculos, não sou e sempre me recusei a ser crítica de teatro, sou mera palpiteira-observadora com algum grau de conhecimento na matéria, mas deixei a tarefa de analisar os espetáculos aos críticos convidados pelo festival, Sebastião Milaré e Alexandre Figueirôa, que escreveram e publicaram diariamente seus artigos sobre cada uma das peças encenadas ao longo desses 12 dias de festival, e eles estão disponíveis para consulta dos interessados no site do festival.

Acompanho atentamente o movimento teatral no Brasil e noto que uma corrente cada vez mais forte aparece como reação contra o esgotamento, quase total, por que vinha passando o nosso teatro. (…) Reconhecemos que este movimento renovador ainda está em sua fase caótica, que é preciso tempo para que esta onda se acalme em textos e espetáculos, com medidas exatas. Porque a invasão da música, os textos aparentemente sem enredo, a desvinculação ator-personagem, tudo isso está sendo feito ainda desordenada e violentamente. Estamos procurando novos caminhos para o teatro brasileiro, errando muito, acertando às vezes, mas procurando sempre, sem medos ou preconceitos. A arte não estaciona nunca e o teatro é, de todas as artes ma mais dinâmica, a que mais necessita transformar-se.“. Esse texto de Marcus Siqueira, originalmente publicado no programa de Calabar em 1965, e acessível a todos nós no livro escrito por João Denys Araújo Leite poderia ser escrito por qualquer um de nós, hoje, quarenta e sete anos depois ao fazer um balanço dos espetáculos levados à cena no festival.

Não quero citar um ou outro espetáculo, apenas registrar o prazer de passar doze dias vendo espetáculos de qualidade, uma ou outra exceção para confirmar a regra, mas sou professora de Ética, e acreditar no que ensino me impede de tornar pública minhas preferências, preservando meu direito de tecer comentários com a organização e a curadoria do festival.

Abro exceção para falar de Gonzagão – a lenda, que abriu o 15o Festival Recife do Teatro Nacional para parabenizar a apostar da coordenação e da curadoria do festival num espetáculo que contagiasse o público. Não poderiam ter feito escolha melhor. Entre risos e lágrimas, uma plateia atenta respondeu ao convite de Lúcia Machado, feito no texto escrito para o programa, e celebrou o teatro, na figura de Luiz Gonzaga, um dos maiores ícones dessa terra pernambucana e ainda ovacionou o diretor João Falcão que, apesar de ser prata da casa e reconhecido nacionalmente, precisou esperar a 15a edição para fazer sua estreia. João Falcão brincou com a liberdade poética em busca de novas formas para contar a história de Luiz Gonzaga, recorreu ao metateatro e colocou em cena uma trupe que incendiou o Teatro de Santa Isabel. Como bem disse Sebastião Milaré “um espetáculo emblemático” porque “traz resolvidas, a seu modo e com maestria, tendências vigorosas do novo teatro nordestino.”.3

Foi uma noite de festa, onde no lugar da valsa dos quinze anos dançamos baião e xaxado. Plateia lotada, frisas, camarotes, idem. Presenças da secretária de Cultura do Recife, Simone Figueiredo; do presidente da Fundação de Cultura Cidade do Recife (FCCR), André Brasileiro; da curadora do 15o Festival Recife do Teatro Nacional, Lúcia Machado; do representante da Fundação Nacional de Artes/Funarte, Naldinho Freire; do idealizador do Festival, o dramaturgo, diretor e ator Romildo Moreira; e das irmãs do homenageado Marcus Siqueira, Maria Júlia Nogueira e Germana Siqueira. Essas as presenças oficiais. Mas o mais importante, de acordo com as informações da jornalista de plantão que sou, foi a presença maciça da classe artística pernambucana, renovando os laços com o festival depois de alguns nós desfeitos.

Não esquecerei as lágrimas da secretária de Cultura, Simone Figueiredo, tampouco suas palavras: “como atriz e ex-diretora desse teatro, não posso deixar de dizer que estou emocionadíssima por fazer parte dessa celebração. O teatro é um sonho feito de carne, osso, papel e tinta. A Prefeitura da Cidade do Recife quer que esse sonho se transforme em trabalho, festa e pão.”.

Vou encerrar esse ato destinado aos espetáculos com uma frase de Emmanuel Wallon, especialista em políticas públicas para o teatro e um festivaleiro de marca maior: “os festivais mundialmente reconhecidos que servem hoje como modelos para os “operadores culturais”, quer se tratem de artistas, de administradores ou responsáveis políticos, debutaram, na sua maior parte, através de arriscadas aventuras, conduzidas contra as correntes dominantes da estética e do consumo, por indivíduos associados, cujo desejo de partilhar era o motivo, e o gosto pelo risco, o motor.“4. Que o desejo de partilhar e o gosto pelo risco continuem a guiar o Festival Recife de Teatro Nacional.

Júlia discutiu os limites entre cinema e teatro. Foto: Pollyanna Diniz

EPÍLOGO

Tenho como um dos meus livros de cabeceira As regras da arte, de Pierre Bourdieu, que funciona como um modelo teórico daquilo que, de maneira intuitiva, a prática me ensinou: no campo artístico, os bens criados têm uma natureza dupla, mercadoria e significado, e um valor também duplo, comercial e simbólico.

Bourdieu distingue dois tipos de lógicas que determinam a paisagem artística e cultural: por um lado, a lógica da arte pura, sem preocupação com lucros, que privilegia a criação artística e que, a longo prazo, pode gerar capital econômico. Por outro lado, a lógica do bem cultural, bem comercial, que privilegia a divulgação e ajusta-se a lei da oferta e da procura, que visa a acumulação de capital econômico.

Um processo de especialização indicou com o passar do tempo, por um lado uma produção cultural destinada ao mercado e, por outro lado uma produção artística dita pura destinada à apropriação simbólica. No entanto, as empresas de produção não devem desenvolver estratégias extremas, sejam elas de subordinação total ou independência absoluta às leis do mercado e por conseguinte ao pedido, mas devem encontrar uma via mediana.

É o movimento que observo hoje, onde coexistem dois modos de produção com lógicas antagônicas que se encaixam num modo de produzir que defende a insubmissão às leis do comércio associado a um desejo de fazer um teatro diferente, um teatro independente e não-conforme, capaz de inventar a sua própria economia, o que significa isso?

Encontrar o seu próprio equilíbrio financeiro através de um modo próprio de organização, como por exemplo, o grupo, baseando-se na igualdade dos salários, na divisão de tarefas e sem que isso implique uma não-especialização do trabalho. Um modo de produzir artesanal nadando contra a corrente que nos obriga muitas vezes a ceder a uma exploração capitalista. Mas para se chegar a isso é necessário estar disposto a trabalhar muito, pois nadar contra a corrente, num contexto de consensos frouxos, é para poucos. Um teatro de experimentação e de investigação tanto no processo de criação como no seu resultado, merece ser preservado. Afinal, investigação e questionamentos são consubstanciais à liberdade.

Entretanto, é necessário compreender a necessidade vital do acesso aos meios de produção, trata-se de constituir um poder suficientemente importante para não ser marginalizado. Existe uma relação entre o centro e a margem que é fundamental. Você pode optar por pertencer à margem porque se sente bem lá, porque acredita que à margem você poderá criar melhor. Mas, a partir de lá para ser ouvido, é necessário atacar-se ao centro com as armas do centro. Se não se evolui nesta interação entre a periferia e o centro rapidamente se é marginalizado. E para não ser marginalizado um elemento é muito importante: a qualidade do conteúdo. Único verdadeiro ponto de apoio forte. A partir dai, trata-se de instaurar o sistema que permite ao conteúdo ser protegido e valorizado. Mas só serão capazes de se inscrever numa linha diretriz exigente aqueles que, como Francis Scott Fitzgerald compreenderem que “a marca de uma inteligência de primeiro plano é que ela é capaz de fixar-se sobre duas ideias contraditórias sem, no entanto, perder a possibilidade de funcionar. Deveríamos por exemplo poder compreender que as coisas são sem esperança e contudo estarmos decididos a mudá-las.”5

Isso tudo para fazer um agradecimento especial à Prefeitura do Recife, pois tudo o que vivi nesses dias reforçou a minha certeza de que a cultura não é uma mercadoria como as outras, mesmo se as leis do mercado insistem em querer nos provar o contrário, o que justifica a necessidade de apoio do poder público à atividade cultural. Esse apoio é a única maneira dos festivais, assim como outros vetores de criação e difusão, contribuirem à dupla missão tão bem expressa pelo primeiro ministro da cultura da França, o grande André Malraux: enriquecer o patrimônio da humanidade e permitir o acesso do maior número de pessoas à cultura.

Festival Recife do Teatro Nacional completou 15 anos. Foto: Victor Jucá/divulgação

Antes de finalizar, gostaria de fazer – agora sim – os agradecimentos. E preciso agradecer a muita gente porque é preciso muita gente para dar cabo de uma empreitada desse porte. Não posso citar aqui todos os nomes, e agradeço a toda essa equipe do fundo do meu coração, ser produtora faz com que eu saiba exatamente o que significa estar no lugar de cada um de vocês, mas gostaria de citar ao menos aqueles com os quais estabeleci um contato mais próximo e em ordem alfabética para facilitar a minha vida, o meu obrigada mais sincero para Albemar Araújo, André Brasileiro, Angélica Gouveia, Geraldo Berardinelli, Iza Alves, Jorge Clésio, Lúcia Machado, Maria Clara Camarotti, Paulo Docas, Roberto Lúcio, Simone Figueiredo e Zacaras Garcia. E aos meus parceiros de aventura Alexandre Figueirôa e Sebastião Milaré.

Cheguei em Recife tendo na cidade uma tia, a única irmã de minha mãe mora aqui há 50 anos; um tio e um primo…treze dias depois sairei daqui deixando uma família, a minha família teatral que, em Pernambuco, tinha suas bases lá em Caruaru onde Argemiro Pascoal e Arary Marrocos criaram o Teatro Experimental de Arte, mas depois do 15o Festival Recife do Teatro Nacional sinto que a família aumentou consideravelmente.

Que os Deuses do Teatro nos abençoem e que os artistas de teatro desta terra não esqueçam nunca que têm uma missão: “levar aos barcos que vagam na obscuridade, o brilho obstinado de um farol …”.6

Obrigada!

Teatro Apolo (Recife-PE), 3 de dezembro de 2012.

Deolinda Catarina França de Vilhena Jornalista, Produtora teatral e Professora da Escola de Teatro e do Programa de Pós- Graduação em Artes Cênicas da Universidade Federal da Bahia, Mestre e Doutora em Estudos Teatrais pela Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3

Email: deolindavilhenaufba@gmail.com

 

Notas

1 Bernard FAIVRE D’ARCIER. Panorama e futuro dos festivais um exemplo: o Festival d’Avignon. Conferência de abertura do I Colóquio Internacional No Reino dos Festivais, Salvador (Ba), out. 2011.

2 Paulo ARANTES. Paulo Arantes analisa a arte teatral como fenômeno social. Entrevista a Beth Néspoli. Jornal O Estado de S. Paulo, 12 de julho de 2007.

3 MILARÉ, Sebastião. Gonzagão – A lenda. Disponível em http://www.15frtn.com/#!blog/cmsn página visualizada em 2 de dezembro de 2012.

4 Emmanuel WALLON. Festival: instrumento ou pretexto para as políticas culturais? Programa do I Colóquio Internacional No Reino dos Festivais, Salvador (Ba), out. 2011.

5 Francis Scott FITZGERALD. Citado por Jack Ralite in Ce n’est qu’un début. Culture publique. Opus 1, « L’imagination au pouvoir ». Paris, (Mouvement) SKITe et Sens&Tonka, 2004, p.218.

6 Frase de Os Náufragos da Louca Esperança, criação coletiva do Théâtre du Soleil em parceria com Hélène Cixous, inspirada no romance póstumo de Júlio Verne, Os Náufragos do Jonathan.

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Musical de João Falcão sobre Luiz Gonzaga abre Festival Recife

Gonzagão – A lenda. Fotos: Silvana Marques/divulgação

O Festival Recife do Teatro Nacional será aberto no dia 21 de novembro com o musical Gonzagão – A lenda, que tem dramaturgia e direção de João Falcão. Serão duas sessões no mesmo dia, no Teatro de Santa Isabel. Vai ser uma passagem bastante rápida da montagem pelo Recife, já que o grupo estreou no dia 19 de outubro no Teatro Sesc Ginástico, no Rio, e ainda está em cartaz por lá.

A peça tem uma hora e meia e um total de 50 músicas na dramaturgia. O elenco é bem jovem e foi montado, em grande parte, seguindo a mesma ideia do projeto Clandestinos, com audições e oficinas.

Dois nomes do elenco são pernambucanos: Eduardo Rios, do Quadro de Cena, e Paulo de Melo, que é de Petrolina. Além deles, estão em cena Marcelo Mimoso, Alfredo Del Penho, Adren Alves, Renato Luciano, Ricca de Barros, Laila Garin e Fábio Enriquez. Uma história interessante é a de Marcelo Mimoso, que funciona como um narrador da história: ele cantava na noite e era motorista de táxi. Nunca tinha ido ao teatro. João Falcão viu o rapaz numa casa de shows na Lapa e ficou encantado.

Espetáculo faz duas sessões no dia 21, no Teatro de Santa Isabel

Ainda durante os ensaios, no mês de setembro, conversamos com o pernambucano Eduardo Rios, que tinha chegado de Londres há bem pouco tempo. Lá ele fez o primeiro ano do curso de Performance e Criação em Teatro na LISPA – London Internacional School of Performing Arts. Perguntei qual seria o personagem dele. “Não sei ainda! Já sabemos fazer vários personagens, mas João vive trocando! E ainda tem muito para aparecer”, respondeu. Duda comentou ainda a construção do texto. Era fim de setembro. “O texto ainda não terminou. É um processo interessante, de muita experimentação. O texto está sendo escrito durante os ensaios, na hora”. Com a peça, o ator decidiu adiar a volta para Londres. “É um projeto que vale muito a pena. Quero deixar que as coisas rendam, talvez circular por festivais. O próprio diretor da Lispa me orientou a ficar”.

João Falcão diz que o espetáculo não é uma biografia de Luiz Gonzaga. “É um ponto de vista mais lúdico e poético do que documental”. É uma montagem baseada não só na história de Gonzagão, a partir da efeméride do centenário, mas na obra dele, seguindo o ponto de vista de uma trupe, que fala de um distante século 20, quando um menino virou rei. Rei do Sertão, que talvez tenha virado mar.

Nessa história, por exemplo, Nazarena, o primeiro grande amor de Gonzagão foi rebatizada de Rosinha; e Odaléa, mãe de Gonzaguinha, de Morena. E ainda há um suposto encontro entre Gonzaga e Lampião. Os atores se revezam em vários personagens.

A direção musical é de Alexandre Elias (o mesmo de Tim Maia – Vale tudo). Claro que tem triângulo, zabumba, sanfona. Mas também bateria e cello, por exemplo. No time de músicos no palco estão Beto Lemos (viola e rabeca – Beto fez a trilha sonora de Divinas, da Duas Companhias), Hudson Lima (cello), Rick De La Torre (percussão) e Rafael Meninão (filho de pais nascidos em Exu) e Marcelo Guerini (Acordeon).

A ficha técnica tem ainda nomes como Duda Maia, que é pernambucana, e fez a direção de movimento e preparação corporal; Andréa Alves (direção de produção e idealização); Sérgio Marimba (cenografia e adereços), Kika Lopes (figurinos), Renato Machado (iluminação), Carol Futuro (preparação vocal e assistente de direção musical) e João Vancine (assistente de direção).

João Falcão e elenco

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A coletiva de imprensa do Festival Recife do Teatro Nacional só será na próxima terça-feira (13), ao meio-dia, na churrascaria Boi e Brasa, no Pina. Geralmente a coletiva era realizada no Teatro Hermilo Borba Filho…

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Este ano, o festival – que comemora 15 edições -, vai de 21 de novembro a 2 de dezembro.

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Depois de muita coisa no meio do caminho, a curadoria do festival ficou com Lúcia Machado. Simone Figueiredo, secretária de Cultura do Recife, e André Brasileiro, presidente da Fundação de Cultura, assumiram a dianteira – são os coordenadores do festival.

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Já estamos sabendo de mais novidades! Em breve, novos posts!!! E aí? Gostaram da escolha de Gonzagão?! Segue o teaser do espetáculo:

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