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Magiluth no reino feliz da Dinamarca

Magiluth estreia Dinamarca, 9º espetáculo do grupo. Foto: Bruna Valença

Magiluth estreia Dinamarca, 9º espetáculo do grupo. Foto: Bruna Valença

Não é de hoje que o Magiluth pensava em enveredar por uma dramaturgia clássica. Lembro que, quando o grupo estava prestes a comemorar dez anos, o ator e dramaturgo Giordano Castro falava com entusiasmo em Otelo. A vida foi levando para outros caminhos, mas no processo de criação do espetáculo anterior, O ano em que sonhamos perigosamente (2015), eles chegaram a cogitar utilizar trechos de Shakespeare em meio ao caos fragmentado que se tornou a encenação; na ocasião, Tchékov se impôs, cabia perfeitamente, e ocupou quaisquer possíveis espaços. Ao decidirem continuar investigando o tempo presente, nas palavras do ator e diretor Pedro Wagner, “um terreno fértil para golpes, para uma direita extremamente conservadora que está tomando conta de todo os lugares do mundo”, chegaram a Hamlet.

Dinamarca, no entanto, que estreia nesta quarta-feira (2), no Teatro Marco Camarotti, no Sesc Santo Amaro, no Recife, não se trata de uma adaptação ou versão do bardo inglês. Shakespeare foi ponto de partida, mas pelas palavras dos integrantes do grupo, talvez funcione mais como esteio ou trampolim. Trechos, frases e sentidos de Shakespeare estão lá, mas não a linearidade, ou mesmo todos os personagens. “Dinamarca só existe porque existiu O ano. Entendemos que a maneira como a gente estava dialogando com o texto vinha da atmosfera e das coisas que tínhamos discutido enquanto dramaturgia ou exercício de cena para a criação do Ano“, explica Pedro Wagner, que assume a direção e, desta vez, não integra o elenco. “Não foi uma escolha inicial de ter um olhar de fora para dirigir. O que aconteceu foi que passei muito tempo durante os ensaios fazendo outros trabalhos, no audiovisual, no teatro com Felipe Hirsch e, quando voltei, o jogo entre os meninos já estava muito estabelecido. Era difícil conseguir me inserir. Foi incompetência minha mesmo”, brinca. Estão no elenco Giordano Castro, que também assina a dramaturgia, Erivaldo Oliveira, Lucas Torres, Mário Sérgio Cabral e o estreante Bruno Parmera (que já estava em cena substituindo Pedro Wagner em apresentações de Luiz Lua Gonzaga, mas ainda não tinha participado efetivamente de um processo de criação com o grupo).

O personagem disparador para as discussões que o grupo pretende levar à cena foi Claudius, tio de Hamlet, que casa com a cunhada um mês depois da morte do rei, pai de Hamlet. “Ele fala pro Hamlet que está tudo bem, que ele é como um filho, que Hamlet não pode ficar chorando pra sempre. Isso nos interessava, esse estado de saber que não está tudo bem, mas olhar no olho e fazer o outro acreditar nisso”, diz Wagner. No espetáculo, um grupo de pessoas participa de uma festa de casamento. Dizem beber, mesmo que não haja nenhuma bebida. Evitam conflitos. Querem viver momentos agradáveis. “No Ano, aquele grupo estava no epicentro de um furacão. Agora, estamos na periferia, e pensamos que esse furacão não nos afeta. Vivemos em bolhas. Você só vê o que quer ver, só lê o que quer, e aí desperdiçamos a possibilidade de diálogo, de crescimento, de perceber que existem pontos revelantes do outro lado. Essas bolhas não são privilégio da esquerda ou da direita”, defende Giordano Castro.

Há também uma tentativa de problematizar nossa identidade em relação ao que nos parece um modelo a ser seguido. “Elsinore não cabe na Dinamarca contemporânea, o povo mais feliz do mundo, que está em todas as listas de melhor distribuição de renda, qualidade de vida. O que seria tentar ser esse dinamarquês aqui? Vestir essa camisa que não me cabe, mas que eu tento vestir mesmo assim?”, questiona o diretor. O que pode significar, por exemplo, Erivaldo Oliveira dizer que é dinamarquês, tem olhos azuis e cabelos ruivos? Mesmo sendo óbvio que não? A felicidade a todo custo, que se instaura teoricamente pela ausência de conflitos, é uma das questões em Dinamarca.

Ainda que seja uma decorrência do O ano em que sonhamos perigosamente ( e não há a decisão sobre uma possível trilogia) a relação que o grupo vai tentar construir com o espectador é outra. Digamos…mais palatável. Talvez pela dramaturgia menos entrecortada, menos cheia de referências, por uma construção mais fluida de pensamento. Ainda assim, avisa Giordano Castro, “pedimos que as pessoas cheguem mais perto, mas não tão perto assim”, ri. De qualquer forma, as influências, seja do pop, do brega, de fácil identificação e adesão, presentes em muitos trabalhos do Magiluth, em certa medida estão de volta. Pode aguardar David Guetta ou Leonardo Sullivan, por exemplo. “Quando o amanhã chegar, vou te esperar sorrindo”, assumem em algum momento. Será mesmo?

Espetáculo é uma consequência da montagem anterior, O ano em que sonhamos perigosamente

Espetáculo é consequência da montagem anterior, O ano em que sonhamos perigosamente

Um dos destaques no trabalho deve ser a trilha sonora executada ao vivo pelo duo Pachka, formado pelos músicos Miguel Mendes e Tomás Brandão (os mesmos que trabalharam com a Remo Produções em Rei Lear). Eles fazem música não só com instrumentos, mas com dispositivos eletrônicos, e participaram de todo o processo de criação do espetáculo ao lado do Magiluth. O grupo também contou com a colaboração de Giovana Soar e Nadja Naira, da Companhia Brasileira de Teatro, como provocadoras, e voltaram a trabalhar na direção de arte com Guilherme Luigi.

Depois das poucas apresentações no Teatro Marco Camarotti (dias 2, 3, 5 e 6, às 20h), o Magiluth segue para o Barreto Júnior, no Pina. Provavelmente, no mês de setembro, o grupo faz uma temporada em São Paulo.

Ficha técnica
Direção: Pedro Wagner
Dramaturgia: Giordano Castro
Elenco: Bruno Parmera, Erivaldo Oliveira, Giordano Castro, Mário Sergio Cabral e Lucas Torres
Desenho de Som: Miguel Mendes e Tomás Brandão (PACHKA)
Desenho de Luz: Grupo Magiluth
Direção de Arte: Guilherme Luigi
Fotografia: Bruna Valença
Design Gráfico: Guilherme Luigi
Técnico: Lucas Torres
Realização: Grupo Magiluth

Serviço:
Dinamarca
Quando: Quarta (2), quinta (3), sábado (5) e domingo (6), às 20h
Onde: Teatro Marco Camarotti, Sesc Santo Amaro
Quanto: R$ 30 e R$ 15 (meia-entrada)
Duração: 1h20min
Classificação : 16 anos

 

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Encontro com Hilda Hilst

Fabiana Pirro estreou primeiro monólogo. Foto: Renata Pires

Fabiana Pirro estreou primeiro monólogo. Foto: Renata Pires

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A peça teatral contraria o seu próprio título e é pouco pornofônica, lasciva, desbocada, devassa, libidinosa, indecente, despudorada, escandalosa. Outro jeito de ser Hilda Hilst. A obra da criadora paulista é rica e ampla, escapa de rótulos. Seus textos estão além, porque ela é múltipla. É certo que a fase mais popular de escritura de Hilda é de conteúdo deliberadamente erótico e pornográfico. Mas a encenação cria deslocamentos e lembra que a palavra “Obscena” também remete para aquilo que está fora da cena.

O espetáculo agrega trechos dos escritos e de entrevistas de Hilst, rasgos de memória e dos estudos da atriz Fabiana Pirro e de Luciana Lyra (atriz, diretora e dramaturga pernambucana radicada em São Paulo, que assina a dramaturgia e encenação) para criar sua poética cênica.

Os questionamentos íntimos da intérprete vão buscar ressonância na elaboração criativa da escritora, que articula um eixo propagador de invenção no teatro – e através do teatro. É assim que a relação com os homens de sua vida, principalmente o pai, passa por ajustamento ficcional e friccional da composição de personagens de teatro, que estabelecem diálogos e buscam respostas.

Na cena, as complexas relações com Deus, com o pai, com a natureza, com os animais são apresentadas em camadas. A personagem Líria, uma mulher de mais de 40 anos, investiga desejos e lacunas; revezando com a figura da própria Fabiana, que dá espaço para a voz narrativa da atriz em solilóquio ou em diálogos com interlocutores fictícios.

A representação de uma árvore assume as forças divinas e da natureza, de extrema importância para o desenvolvimento da encenação, seja como cenografia ou elemento articulador do discurso.

No espetáculo, Fabiana Pirro vive Líria

No espetáculo, Fabiana Pirro vive Líria

Obscena é o primeiro solo de Fabiana Pirro e costura sentimentos. É um espetáculo de desenho bonito no palco, palavras fortes. A montagem apresenta uma intérprete que se jogou de cabeça nesse projeto. Que faz reluzir desejos, vindos da experiência. Que cresceu como atriz. A montagem deve amadurecer. Mas já nasceu bonita.

A expressividade da atriz ainda pede uma modulação mais definida do seu repertório vocal que, em muitos momentos, está impregnada das vozes de espetáculos anteriores. Não vejo acréscimo nos breves momentos de nudez e isso me fez lembrar um show de Gal Costa dirigido por Gerald Thomas, em que a cantora aparecia de peitos à mostra.

As sutilezas também podem ser intensificadas com uma possível temporada e o azeitamento do espetáculo. A poesia inundou a equipe de criação, mas a emoção, a intensidade, o que arde de misto de loucura e invenção, amor e desejo são comportas que não foram liberadas totalmente para atingir o público nas duas sessões.

Obscena foi apresentada no Teatro Marco Camarotti, como parte da programação do Janeiro de Grandes Espetáculos.

Montagem tem direção e dramaturgia de Luciana Lyra

Montagem tem direção e dramaturgia de Luciana Lyra

Ficha técnica:

Idealização do projeto e atriz-criadora – Fabiana Pirro
Dramaturgia, encenação e direção – Luciana Lyra
Trilha sonora – Ricardo Brazileiro
Preparação corporal – Silvia Góes
Direção de arte – Nara Menezes
Design de luz – Agrinez Melo
Operação de luz – Leo Ferrario
Figurino – Virgínia Falcão
Colaboração artística – Conrado Falbo
Produção – Fabiana Pirro e Lorena Nanes
Filmografia – Ernesto Filho e Renata Pires
Design gráfico – Tito França
Fotos – Renata Pires
Realização – Duas Companhias, Unaluna e Coletivo Lugar Comum

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Finalmente, Hamlet!

Clowns de Shakespeare fez estreia nacional de Hamlet no Janeiro de Grandes Espetáculos. Foto: Ivana Moura

Clowns de Shakespeare fez estreia nacional de Hamlet no Janeiro de Grandes Espetáculos. Foto: Ivana Moura

Ainda nos espantamos com as reflexões de Hamlet. Mesmo com o desgastado e banalizado “Ser ou não ser?”. O questionamento sobre viver ou sucumbir diante da degradação humana é profundo. O melancólico príncipe descobre que há algo de podre no Reino da Dinamarca. Mas vasculhando bem talvez seja possível concluir que essa podreira pode estar em qualquer lugar, no seu país, na sua empresa ou até na sua casa. Não duvide.

Essa peça de Shakespeare abre para múltiplas possibilidades de leituras. Da questão política (do bem público) às elucubrações íntimas, que abarca laços de parentesco, de sangue e de vingança, o desequilíbrio do respeito na relação entre sexos, a psicologia de personagens exemplarmente esculpidos. É um desafio renovado a cada montagem compreender o ser humano em sua grandeza e imperfeições.

Como todos sabem, Hamlet-pai foi assassinado por seu irmão Cláudio, que desposa a rainha Gertrudes e assume a coroa. Hamlet enlouquece, ou finge enlouquecer, primeiro com a suspeita, depois com a constatação da culpa do usurpador. Consegue, com frieza e expedientes engenhosos, planejar a vingança clamada pelo espectro do pai, que provoca mortes por todos os lados.

A companhia Clowns de Shakespeare, de Natal (RN), investiu nessa tragédia numa busca de radicalização de linguagem. Depois de Sua Incelença, Ricardo III, que possibilitou a projeção nacional e a abertura para caminhos internacionais, o grupo convidou o encenador Marcio Aurelio para comandar a empreitada. Ele é especialista tanto na obra do bardo inglês quanto no método Brecht. E sabe investigar como poucos o que foi feito dos valores sólidos, como a ética, diante das negociatas desses tempos líquidos. Dirigiu lindamente Marilena Ansaldi em Hamletmachine, de Heiner Müller, um daqueles pontos de revolução da cena brasileira e Agreste, de Newton Moreno, entre dezenas de outras montagens.

Direção da montagem é de Marcio Aurelio

Direção da montagem é de Marcio Aurelio

O Hamlet dos Clowns e de Marcio Aurelio fez estreia nacional no último dia 19 de janeiro, no Teatro de Santa Isabel, dentro da programação do Janeiro de Grandes Espetáculos. A montagem foi aplaudida de pé nas duas sessões. Com esse Hamlet começaram as comemorações dos 20 anos de fundação do grupo.

No palco, uma torre de andaimes é o principal elemento cenográfico – com rodas e uma porta corrediça, ela é movimentada durante a encenação e pontua falas com sonoridade. Da torre, dois contrarregras trocam a cor da cortina que enquadra a cena de preto para vermelho.

A peça começa com a aparição de oito figuras, sete fantasiadas com a máscara do protagonista. Sinal de Brecht na proposta. Esse Hamlet ergue uma “poética da representação”. Os loucos são os outros, Hamlet é o normal. Mas é um lúcido que precisa se fingir de louco. Essa é uma das principais chaves da encenação de Aurelio. Um desafio cênico e tanto para a trupe potiguar. Mais um sinal de distanciamento brechtiano é a maquiagem pálida dos personagens, exceto a do príncipe.

A trajetória da trupe nordestina é ponteada por espetáculos de humor, com e sem referências regionais. Sua Incelença, Ricardo III foi o primeiro drama histórico dos Clowns. Mas na montagem, dirigida por Gabriel Villela, houve uma subversão de tom. A utilização de uma linguagem circense diluiu o clima da peça, com uma profusão de elementos, cores e informações.

O teatro do Marcio é mais enxuto, minimalista e coreografado. Quase como um jogo de xadrez, ele explora o que sobra das relações humanas na escalada pelo poder.

O diretor trabalha com os espelhamentos. Hamlet vai da loucura simulada a quase debilidade para conseguir indícios da morte do pai. Como alguns estudiosos entendem, os Clowns assumem a visão de que a loucura de Hamlet é uma loucura encenada. Mas o viés é épico.

Um microfone no palco é utilizado em algumas falas. Inclusive quando Ofélia e a rainha Gertrudes dizem, em momentos diferentes, “Eu obedeço”, num indício da posição feminina diante das decisões masculinas.

O herói busca resolver seus dramas internos, familiares e palacianos. Mas sua missão não é uma mera vingança pessoal, mas uma tentativa de purificar o seu país, a Dinamarca.

A trupe de atores que visita Hamlet é nomeada de Clows de Shakespeare, numa valorização metalinguística. Existe uma simplicidade dos elementos cênicos, como a luz que cria cenas de grande plasticidade e ganha contorno especial na manifestação do fantasma do rei a Hamlet. Tudo é assentado para projetar a potência do texto.

Titina Medeiros é Ofélia

Titina Medeiros é Ofélia

A força descomunal da peça shakespeariana não se realiza em sua plenitude. Os atores no geral são bons, mas não estavam bem nas duas apresentações no Recife. Os personagens bem construídos pelo dramaturgo inglês perdem em dispositivo. Dos oito atores em cena, apenas César Ferrario (Polônio e Laertes) e Marco França (Rei Claudius e Fantasma) se dividem em dois papéis. Os outros assumem apenas um: Camille Carvalho (Rosencrantz), Dudu Galvão (Horácio), Joel Monteiro (Hamlet), Marco França Paula Queiroz (Guildenstern), Renata Kaiser (Rainha Gertrudes) e Titina Medeiros (Ofélia).

A atuação de Joel Monteiro não convence no papel de Hamlet. Ele parece sem os atributos necessários para dar conta da complexidade do protagonista. No trato com Ofélia, ele não consegue realçar a sedução, a dureza selvagem e o fingido desdém, em momentos distintos. A faceta do sangue frio para executar ardilosamente seu plano é frouxa. Procurei algo no olhar do protagonista que lembrasse a determinação do poderoso chefão – quando manda matar o irmão-, naquela cena em que Hamlet se livra dos antigos colegas Rosencrantz e Guildenstern, que poderiam atrapalhar o seu plano. Hamlet é um personagem forte, que se finge de louco e débil. São muitas sutilezas pedidas ao intérprete. E nas duas apresentações, Joel Monteiro não atendeu às exigências.

Existe uma clara desafinação entre a proposta de Marcio Aurelio e o que se viu no palco do Teatro de Santa Isabel nas duas noites do Janeiro de Grandes Espetáculos. Renata Kaiser como a Gertrudes é afetada e parece estar sempre na superfície da personagem. Titina Medeiros faz uma Ofélia pesada e bem mais velha que a personagem. Falta-lhe leveza e frescor. Marco França parece ainda muito apegado aos trejeitos de Ricardo III e criou Claudius com pouca determinação e malevolência que a figura desperta. O Espectro do rei ele faz melhor.

Para destoar para o lado positivo está o ator César Ferrário, nos papéis de Polônio e Laertes. Como Polônio ele destaca a sutileza: entre o pedantismo, quando está em posição superior e o puxa-saquismo, quando precisa bajular os mais poderosos. Seu gestual, sua voz, suas intenções têm aquele traçado humano cheio de defeitos e algumas qualidade. É uma construção rica.

Esperamos que o espetáculo evolua para as apresentações no Festival de Curitiba. Todos os curadores que estavam aqui no Janeiro fizeram questão de ver a montagem e deve ser assim também em Curitiba. Lá eles se apresentam nos dias 29 e 30 de março, no Teatro Bom Jesus.

Grupo participa da mostra principal do Festival de Curitiba com Hamlet

Grupo participa da mostra principal do Festival de Curitiba com Hamlet

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A festa é do Magiluth! O sanfoneiro é catarinense…

Magiluth estreia Luiz Lua Gonzaga. Foto: Magiluth/divulgação

O ator Pedro Wagner detestava São João. Nascido em Garanhuns, a data lembrava logo a fumaça das fogueiras no meio da rua, o cachorro que sofria com os fogos, a obrigação de dançar com menina na escola. Quando começou a ensaiar o espetáculo Luiz Lua Gonzaga, que estreia neste fim de semana, o resgate de memórias tinha sempre um quê de revolta! Mas até Pedro Wagner encontrou o seu lugar na nova montagem do Grupo Magiluth, um trabalho realizado graças a um edital da Funarte, com direção de Pedro Vilela e direção de arte de Guilherme Luigi e Pedro Toscano, e produção executiva de Mariana Holanda Rusu.

O que esses meninos que fazem “teatro contemporâneo” estão se metendo a falar de Luiz Gonzaga? Embarcaram na onda só por causa do centenário mesmo? É isso, produção? Perguntas que vão surgir e que eles respondem muito tranquilamente. “Sim e não. Depois da estreia do Aquilo (Aquilo que meu olhar guardou para você) em janeiro, o grupo levou um banho de água fria inicial. A estreia foi caótica. Pensávamos que as coisas fossem acontecer e elas não aconteceram tão rapidamente. E a nossa ideia de gestão de grupo tem a ver com trabalho continuado. É difícil fazer com que um grupo de teatro gere renda por ele mesmo. E, pra complicar, o processo de montagem do Aquilo praticamente acabou com o nosso caixa. Então quando abriram os editais, vimos sim as possibilidades, tanto no edital com Nelson Rodrigues (que resultou na montagem de Viúva, porém honesta) quanto nesse de Luiz Gonzaga”, explica o ator Giordano Castro.

“As pessoas da cidade sabem que a gente vive do Magiluth. Não fazemos teatro de forma bissexta, não é complemento de renda, não é nada disso. É foda dizer isso, né?”, para por dois segundos pra respirar antes de prosseguir. “Mas é isso mesmo. Quando você joga um produto no mercado e ele começa a não ser aceito, você tem que pensar noutras coisas. É, realmente, se o grupo estivesse riquíssimo, provavelmente não teríamos feito nenhum dos dois trabalhos. Até porque estávamos caminhando pela dramaturgia própria. Mas encontramos nichos dentro disso tudo. Com Nelson era a possibilidade de trabalhar com uma dramaturgia formal e fomos catar o texto que nos era mais próximo. E Luiz Gonzaga faz parte do imaginário de todo mundo”, complementa Pedro Wagner. “Cara, a gente é um grupo de teatro. É o que gostamos de fazer, é o que queremos”, continua Giordano, numa discussão enérgica na sala do grupo, no Bairro do Recife, onde o Satisfeita, Yolanda? conversou com atores e músicos.

A ideia de celebrar Gonzaga já tinha sido proposta ao grupo desde a inscrição no edital, mas eles só tiveram tempo mesmo de se dedicar por inteiro ao projeto depois do Trema! – Festival de Teatro de Grupo do Recife, idealizado e coordenado pela companhia em outubro. “Nos processos de criação as coisas se misturam. E foi um ano muito louco. Com este, é o terceiro espetáculo que estamos estreando este ano. Não são trabalhos pontuais. Não é para fazer e jogar fora. O nosso repertório é vivo, ativo. Sábado passado encenamos Ato“, diz Pedro Wagner.

Quando decidiram homenagear Luiz Gonzaga, partiram de algumas premissas: “a gente não queria fazer um especial da Globo, um Som Brasil, a estética da novela, a espetacularização. Nada disso. Vimos o espetáculo de João Falcão, por exemplo. Eu gostei muito, outros não. Mas não é a nossa pegada”, adianta Giordano. Também não queriam contar a biografia de Gonzagão, embora dentro do processo de pesquisa tenham se debruçado em livros, filmes, documentários.

Montagem reverbera memórias individuais e coletivas

A dramaturgia foi novamente construída por Giordano Castro, assim como em Um torto e Aquilo que meu olhar guardou para você. “São trabalhos que têm uma pegada completamente diferente de O canto de Gregório e Viúva, porém honesta, com dramaturgias prontas. E aí a marca de Pedro Vilela na direção é ainda mais forte, o humor, a rapidez, as soluções”, diz Giordano. No caso do processo de Luiz Lua Gonzaga, segundo Pedro Wagner o lugar é o de um ator muito mais consciente e integrado. “A estrutura da criação foi diferente da do Aquilo. A partir das nossas referências, íamos trazendo as cenas, que podiam contar ou não com a participação de outros do grupo”.

No caso dessa montagem, ao contrário de Aquilo que meu olhar guardou para você, há uma história que acaba por permear toda a dramaturgia: algumas pessoas preparam uma festa; estão esperando o retorno de alguém. O espírito é mesmo de celebração – eles dizem logo que não queriam inventar a roda. “Tivemos muito cuidado mesmo com o trabalho com essa figura, que é quase Jesus Cristo. Até porque é um espetáculo de rua”, diz Giordano, quando pergunto se eles iam fazer a mesma greia que conseguiram com Nelson Rodrigues. “Não. Aqui vamos mais devagar!”, brinca. Para explicar, apesar de Ato também ser encenado não rua hoje, o espetáculo não foi inicialmente idealizado para ser teatro de rua. E este é de rua, embora também possa ser adaptado, o que não é desejo dos atores.

Apesar da celebração e da presença inevitável, bem-vinda, mas ao mesmo tempo difícil da música ao vivo, o espetáculo não pode ser considerado um musical. A trilha sonora e a preparação vocal foram de João Tragtenberg, que toca sanfona no espetáculo. A banda tem ainda Pedro Cardoso e Pedro Vilela. Giordano, que era o que tinha uma proximidade um pouquinho maior com os instrumentos (diz que arranha no violão), até tentou fazer aulas de sanfona. Voltou da terceira incursão dizendo ao grupo pra desistir da ideia (maluca, mesmo!) de tê-lo como sanfoneiro. Aí foi quando surgiu João, que é catarinense, estudou Física, mas ama música e já tinha trabalhado com alguns grupos de teatro em Florianópolis; e Pedro Cardoso, que tem uma proximidade com o teatro; fez artes cênicas, foi amigo de faculdade dos meninos, é bonequeiro. Ele chegou no processo para dar oficina de zabumba e triângulo – mas logo viram que isso também não ia dar certo. “Triângulo é difícil pra caralho”, se diverte Giordano. Bom, resumindo: Cardoso foi incorporado à cena.

O espetáculo Luiz Lua Gonzaga – que eles queriam que chamasse Lembrar só por lembrar (mas como ia ser complicado mudar, por causa do edital) – estreia neste sábado, com duas apresentações. E ainda fará apresentações em Caruaru, Pirituba (distrito de Vitória de Santo Antão), Garanhuns e Caetés. Próximo ano eles juram que não vão montar espetáculo. Já há algumas circulações previstas com o repertório e querem muito apresentar Viúva, porém honesta, fazer uma temporada na cidade, o que ainda não aconteceu. Depois da estreia, Luiz Lua Gonzaga deve dar uma maturada. Mas não se admire se isso mudar…se a força dele for maior do que eles pensam. Podem repensar tudo. Ainda bem! O compromisso é exclusivamente com o amor que eles têm ao teatro.

Confira a agenda de apresentações:

Luiz Lua Gonzaga, do Grupo Magiluth

Dia 8, sábado
16h – Praça Tertuliano Feitosa (Praça do Hipódromo)
20h – Praça da Sé

Dia 10, segunda-feira
16h – Biblioteca Comunitária Amigos da Leitura – Alto José Bonifácio
20h – Biblioteca Popular do Coque – Coque

Dia 11, terça-feira
16h – Terminal do Alto do Capitão
19h – Praça do Arsenal, Bairro do Recife

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Estreia de Mulheres em preto e branco no Recife

Duas mulheres em preto branco estreia hoje no Recife. Fotos: Ivana Moura

Duas Mulheres em preto e branco, a transposição para o palco do conto de Ronaldo Correia de Brito, que consta no livro Retratos Imorais, estreou este mês em Porto Alegre, dentro do Porto Alegre em Cena – Festival Internacional de Artes Cênicas. (Confira aqui a matéria que escrevemos durante o festival). Muito mais do que por uma das atrizes ser gaúcha, ter estreado na capital do Rio Grande do Sul evidencia uma parceria com o próprio festival e com Luciano Alabarse, diretor do POA em Cena (que alardeou aos quatro ventos que adorou o espetáculo). A montagem também mostra que é possível estabelecer uma rede entre criadores. A bela direção é do carioca Moacir Chaves, que se estende à iluminação de Aurélio de Simoni. A cenografia de Fernando Mello da Costa investe numa larga cama desequilibrada, como símbolo de amor e traição.

Diferente das montagens do Coletivo Angu de Teatro, em que os contos se unem pela convergência temática, a encenação de Duas mulheres em preto e branco tem uma narrativa de uma única história, mesmo que isso também se dê com idas e vindas ao passado e ao pensamento das personagens. O texto de Ronaldo Correia de Brito não seria assim cronológico e de fácil digestão. As mulheres refletem sobre o sentido do existir.

A peça Duas mulheres em preto e branco tem uma cena potente. Pela narrativa de Ronaldo, pela direção de Moacir Chaves, que marca bem, explora o máximo o potencial das atrizes e cria um encadeamento entre narração e dramatização, tem um olhar generoso quanto às fraquezas humanas. A sonoplastia de Tomás Brandão e Miguel Mendes pontua os climas e dá sustentação para as subversões de tensões e intenções propostas pelo diretor.

Atrizes travam duelo verbal e psicológico no espetáculo

Quanto às atrizes, elas têm presença cênica. E se entregaram a papeis difíceis. O repertório gestual pode crescer. Por ser a figura “humilhada e ofendida”, a personagem de Paula de Renor é quem parte para o ataque. Com palavras, gestos e intenções. Talvez necessitasse de mais modulações nas falas, de jogar mais com as tonalidades diferentes, de brincar mais com as possibilidades sonoras produzidas pelo corpo. Se fosse possível comparar a atuação de Paula de Renor em Duas Mulheres em preto e branco, com sua performance em Carícias, poderia dizer que houve um crescimento como atriz. Mas ela tem condições de fazer seu personagem crescer ainda mais no palco.

Já a personagem de Sandra fala menos e não muda tanto de sentimentos quanto a “amiga/rival”; tira proveito de seus instrumentos vocais e corporais para compor uma figura mais cínica, mais pragmática. As duas juntas sabem tirar proveito das muitas oportunidades de humor do texto.

O espetáculo estreia hoje, às 21h, no Teatro Apolo. E vale ir ao teatro.

Serviço
Duas Mulheres em Preto e Branco
Quando: De sábado (29) a 21 de outubro. Sexta a domingo, às 20h.
Onde: Teatro Apolo – Rua do Apolo, 121 – Bairro do Recife, Centro do Recife
Quanto: R$ 20 (inteira) e R$ 10 (meia)
Informações: (81) 3355.3320

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