Ópera cômica com sotaque nordestino
Crítica: La Serva Padrona

Anderson Rodrigues (Uberto), Marcondes Lima (Vespone) e Gleyce Vieira (Serpina). Foto: Ivana Moura

Risos, reconhecimento, casa cheia por quatro noites consecutivas. Quando La Serva Padrona ganhou sotaque pernambucano no Teatro Hermilo Borba Filho, entre 8 e 11 de outubro, o público respondeu de forma entusiástica, esgotando todos os ingressos. Para uma ópera cômica do século XVIII no Recife, o resultado surpreende — e prova que o encontro entre Pergolesi e o “oxe” nordestino pode ser mais eficaz que muitas estratégias convencionais de democratização cultural.

Antes de compreender o alcance desta recepção calorosa, porém, é interessante situar La Serva Padrona (1733), de Giovanni Battista Pergolesi, em seu contexto histórico. Originalmente concebida como intermezzo — entreato de 50 minutos inserido entre os atos de uma ópera séria —, a obra conquistou rapidamente autonomia artística ao contrastar dramaticamente com a solenidade e os temas grandiosos que dominavam os palcos setecentistas.

O enredo é deliberadamente simples: Uberto, ricaço solteirão hipocondríaco, convive há anos com sua criada Serpina, que comanda a casa como se fosse a patroa. Irritado com a insubordinação, Uberto anuncia que pretende se casar para restabelecer a ordem doméstica. Serpina, contudo, arquiteta estratégia engenhosa: com ajuda do criado mudo Vespone, simula noivado com um fictício Capitão Tempestade (o próprio Vespone disfarçado), manipulando o patrão através do ciúme até conseguir desposá-lo.

Sob a aparência de comédia doméstica, a obra carrega implicações sociais explosivas para a época. Serpina representa figura subversiva: mulher de origem humilde que, mediante inteligência e astúcia, subverte hierarquias de classe e gênero, conquistando ascensão social numa sociedade rigidamente estratificada. Simultaneamente, Uberto surge como anti-herói paródico — patrão fraco, manipulável, dependente da própria criada —, desafiando arquétipos patriarcais de autoridade masculina.

Tal ousadia não passou despercebida. Quando a obra chegou a Paris em 1752, deflagrou a célebre Querelle des Bouffons, debate estético e político que cindiu a intelectualidade francesa entre partidários da grandiosa ópera séria e defensores da simplicidade acessível da ópera buffa. Esse evento marcou inflexão decisiva na história operística europeia.

A reinvenção pernambucana: estratégias de aproximação cultural

Montagem dirigida por Luiz Kleber Queiroz e Maria Aida Barroso na direção musical. Foto: Ivana Moura

Considerando essa herança revolucionária, torna-se ainda mais significativo o que a montagem dirigida por Luiz Kleber Queiroz (professor do Departamento de Música da UFPE e diretor teatral) e Maria Aida Barroso (também do Departamento de Música da UFPE, na direção musical), com produção de Matheus Soares da 25 Produções, conseguiu realizar. Diante do desafio de atualizar culturalmente a obra sem descaracterizá-la, a equipe encontrou solução ao mesmo tempo respeitosa e audaciosa.

A estratégia central consistiu em manter as árias no italiano original — preservando assim a sonoridade vocal característica e o vínculo com a tradição barroca — enquanto os recitativos foram vertidos ao português com tempero regional. Expressões como “oxe”, “visse”, “arretado” e “mangar” pontuaram os diálogos, estabelecendo cumplicidade imediata com a plateia local.

Tal escolha criou dinâmica particular: nas árias, momentos de introspecção lírica, o italiano mantém peso poético e musicalidade originais; nos recitativos, onde se desenvolve a ação dramática e o humor, o português regionalizado assegura compreensão integral das nuances cômicas. O público assim navega entre duas línguas e dois registros: familiaridade linguística nos diálogos, tradição operística nas árias.

Um momento exemplifica essa dinâmica de forma inesperada: quando surgiu a palavra “rapariga” — que em português lusitano significa simplesmente “moça”, mas no Nordeste carrega conotação sexual —, a plateia mergulhou em silêncio sepulcral. O constrangimento durou poucos segundos, mas evidenciou como as particularidades regionais da língua podem criar camadas semânticas não intencionais, gerando efeitos cômicos ou embaraçosos conforme a recepção local.

Visualidade cênica

Para além dessa tradução linguística, a direção de arte de Marcondes Lima trabalhou na mesma linha de aproximação cultural. O ambiente visual construído dialoga produtivamente entre referências da commedia dell’arte e símbolos nordestinos: algodão cru, cestos de palha, chapéu de vaqueiro e rede não funcionam como algo pitoresco decorativo, mas como signos culturais que ressignificam o espaço dramático.

A escolha de ambientar a trama numa casa do interior nordestino encontra justificativa: La Serva Padrona trata na peça de relações domésticas e jogos de poder entre patrões e empregados — dinâmicas que encontram ressonância particular na realidade brasileira. As lutas por reconhecimento e ascensão social das trabalhadoras domésticas atravessam séculos, conectando a Nápoles setecentista ao Brasil contemporâneo, onde essas relações ainda carregam marcas coloniais e hierarquias de classe persistentes. Assim, Serpina torna-se tanto personagem cômica, como espelho de lutas históricas.

A cantora Gleyce Vieira e o cantor Anderson Rodrigues revezaram com Karla Karolla e Osvaldo Pacheco

Se as escolhas conceituais da montagem impressionam pela coerência, sua materialização cênica confirma a eficácia das estratégias adotadas. No elenco que acompanhei, Gleyce Vieira (Serpina) ofereceu interpretação de notável desenvoltura, equilibrando a sagacidade da personagem com traços de autêntica afeição por Uberto. Sua agilidade vocal navegou com segurança pelas demandas técnicas, enquanto sua presença cênica transmitiu tanto a inteligência estratégica quanto a vulnerabilidade humana da criada.

Anderson Rodrigues (Uberto), por sua vez, construiu personagem mais comedido, de acordo com sua caracterização do patrão hesitante. Seu timing cômico e fisicalidade exploraram a figura do homem acomodado em privilégios e rotinas, facilmente manipulado por quem demonstra maior astúcia.

Vale ressaltar que a produção trabalhou com elenco alternado: Karla Karolla e Osvaldo Pacheco interpretaram os protagonistas nos dias 8 e 10, demonstrando tanto a vitalidade artística do projeto quanto o compromisso formativo com cantores regionais.

Contudo, a performance mais impactante da noite pertenceu a Marcondes Lima como Vespone. Explorando magistralmente a tradição pantomímica da commedia dell’arte, Lima transformou o personagem mudo em catalisador cômico indispensável. Suas expressões faciais — ora assustadas, ora cúmplices, ora gulosas — pontuavam musicalmente a ação dramática. Especialmente divertida foi sua degustação teatralizada de uma tapioca (de uma maçã e de uma banana), convertida em coreografia elaborada que satirizava hierarquias sociais através da gula exagerada. Sem pronunciar palavra, Vespone tornou-se comentário social e motor de hilaridade.

Evidentemente, todo esse trabalho cênico e dramatúrgico dependia de uma execução musical à altura das ambições do projeto. O acompanhamento instrumental ficou a cargo do sexteto formado por Singrid Souza (violino I), Júlia Paulino (violino II), Letícia Santos (viola), Gabriel David (violoncelo), Rebeca Furtado (contrabaixo) e Maria Aida Barroso (cravo). O conjunto demonstrou entrosamento domínio harmônica da execução, pontuando os recitativos com comentários musicais que sublinhavam as intenções dramáticas. A orquestra com sua função essencial deu sustentação à experiência.

O êxito artístico da montagem revela também a eficácia de políticas públicas bem direcionadas. A viabilização desta produção através da PNAB (Política Nacional Aldir Blanc, programa federal de fomento cultural) e Lei Aldir Blanc municipal demonstra como investimento em cultura pode gerar resultados concretos: quatro noites esgotadas comprovam a existência de público interessado em ópera e a capacidade dessas políticas de remover barreiras tradicionais de acesso.

Ficha Técnica

Direção Geral: Luiz Kleber Queiroz
Direção Musical: Maria Aida Barroso
Direção de Arte: Marcondes Lima
Produção: Matheus Soares (25 Produções)

Elenco:

Dias 8 e 10: Osvaldo Pacheco (Uberto), Karla Karolla (Serpina)
Dias 9 e 11: Anderson Rodrigues (Uberto), Gleyce Vieira (Serpina)
Todas as apresentações: Marcondes Lima (Vespone)
Sexteto de Câmara: Singrid Souza (violino I), Júlia Paulino (violino II), Letícia Santos (viola), Gabriel David (violoncelo), Rebeca Furtado (contrabaixo), Maria Aida Barroso (cravo)

Período: 8 a 11 de outubro de 2025
Local: Teatro Hermilo Borba Filho, Recife
Entrada: Gratuita
Apoio: PNAB (Política Nacional Aldir Blanc) e Lei Aldir Blanc da Prefeitura do Recife

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Resistência cultural e inovação em diversos espaços

Agrinez Melo em Histórias Bordadas em Mim

Uma programação diversificada abrange desde comédias autorais até espetáculos que resgatam a ancestralidade afro-brasileira. Entre os destaques, duas produções pernambucanas chamam especial atenção: Histórias Bordadas em Mim, pela sua trajetória de resistência e celebração da cultura negra, e Ayiti, a montanha que assombra o mundo, que marca os 30 anos de carreira de Marconi Bispo com um mergulho inédito na Revolução Haitiana.

Após nove anos de trajetória independente, o espetáculo solo Histórias Bordadas em Mim, da atriz pernambucana Agrinez Melo, reestreia no Espaço O Poste nos dias 10 e 11 de outubro, às 19h, marcando um importante momento de reconhecimento para a produção artística local.

A peça, que já percorreu mais de 50 apresentações entre Pernambuco, Ceará e São Paulo, chegando a um público de mais de 6 mil pessoas, agora conquista pela primeira vez o incentivo público através do edital Funcultura. 

“Histórias Bordadas em Mim” é mais que um espetáculo teatral – é um ritual de acolhimento que se inicia com um banho de ervas oferecido ao público. A protagonista, coberta por retalhos e saias, marca os pontos riscados das encruzilhadas entre histórias reais e imaginárias, proporcionando um resgate orgânico da fé e da possibilidade de ressignificar experiências vividas.

A encenação baseia-se na Poética Matricial dos Orixás e Encantados, explorando narrativas teatrais que posicionam uma mulher negra, mãe, candomblecista e nordestina no centro da cena. As referências incluem a oralidade africana ancestral, os ensinamentos de sua mãe costureira e avós benzedeiras, além das trocas com terreiros de matriz afro-indígena.

Em Ayiti, Marconi Bispo celebra 30 anos de arte com peça sobre revolução haitiana. Foto: Arthur Canavarro 

Em um marco histórico para o teatro pernambucano, Marconi Bispo apresenta no dia 14 de outubro, às 20h, no Teatro Hermilo Borba Filho, o espetáculo Ayiti, a montanha que assombra o mundo – a primeira produção em Pernambuco dedicada exclusivamente à Revolução Haitiana.

O espetáculo, que marca os 30 anos de carreira do artista, representa um mergulho profundo nas conexões históricas entre o Haiti e as insurgências pernambucanas, questionando por que sabemos tão pouco sobre a revolução que fundou a primeira nação negra de ex-escravizados a derrotar o invasor europeu e abolir a escravidão.

Ayiti une história, performance, percussão, poesia e dança em uma experiência cênica única, com dramaturgia assinada por Marconi Bispo e Kamai Freire. A apresentação conta com a participação de artistas locais como Thulio Xambá e Beto Xambá (musicistas do Grupo Bongar), Brunna Martins e Kadydja Erlen (atrizes), criando uma ponte entre a resistência haitiana e a cultura afro-pernambucana.

FETEAG: 34ª Edição Propõe Diálogos entre Arte e Urgências Sociais

Germaine Acogny encerra programação do Feteag com Un endroit du début

O Festival de Teatro do Agreste (FETEAG), dirigido por Fabio Pascoal, estabelece em sua 34ª edição diálogos diretos entre criação artística contemporânea e as urgências sociais do nosso tempo. Entre 9 e 26 de outubro, o evento reúne 21 espetáculos nacionais e internacionais, todos com entrada gratuita, em teatros de Caruaru e Recife.

À mon seul désir, de Gaëlle Bourges (França), abre o festival nos dias 9 e 10 de outubro no Teatro Luiz Mendonça. A coreógrafa francesa parte da tapeçaria medieval A Dama e o Unicórnio para reavaliar construções históricas sobre feminilidade, examinando como a cultura europeia associou mulheres ao mundo vegetal e animal, perpetuando ideais de virgindade através de imagens aparentemente poéticas.

A investigação coreográfica expõe violências simbólicas embutidas nessas representações românticas, utilizando movimento e voz para evidenciar como tapeçarias medievais funcionavam como dispositivos de controle sobre corpos femininos, conectando-se com debates contemporâneos sobre representação e autonomia.

Les Sans (Os Sem), do coletivo Les Récréâtrales-ELAN de Burkina Faso, investiga a questão dos sem-teto e excluídos sociais através de linguagem que combina tradições orais africanas com teatro político contemporâneo. A obra adapta o pensamento de Frantz Fanon para o teatro através do reencontro de dois ex-companheiros de luta, interrogando se a libertação formal constitui verdadeira descolonização.

Já L’Opéra du villageois, da Compagnie Zora Snake de Camarões, manifesta resistência através de performance-ritual que ressuscita a potência das máscaras africanas roubadas pelos museus europeus, questionando a pilhagem cultural colonial através de rituais com ouro e sal.

Germaine Acogny, lenda da dança contemporânea nascida no Senegal em 1944, encerra o festival no Teatro Santa Isabel com Un endroit du début. Aos 81 anos, ela segue ativa como pesquisadora corporal, tendo fundado a primeira escola de dança contemporânea da África Ocidental em 1977 e desenvolvido técnica própria que combina danças tradicionais africanas com metodologias ocidentais.

A apresentação de La Cocina Pública, do grupo chileno Teatro Container, no Assentamento Normandia em Caruaru estabelece uma das escolhas mais incisivas da curadoria. O espetáculo transforma o preparo coletivo de uma refeição em ritual de reflexão sobre direitos básicos, ganhando ressonâncias particulares sobre soberania alimentar em território conquistado pelo MST.

Édipo REC, do Grupo Magiluth (PE), com direção de Luiz Fernando Marques e dramaturgia de Giordano Castro, constrói releitura não-linear da tragédia sofocliana onde Tebas se transforma no Recife fantasmagórico. O Corifeu é representado pela câmera, espelhando a produção excessiva de imagens das redes sociais e câmeras de segurança.

Neva, montagem de Marianne Consentino (PE), ambienta-se no Domingo Sangrento de 1905 em São Petersburgo, friccionando arte e política através de três atores refugiados em teatro durante massacre nas ruas. A peça de Guillermo Calderón questiona a serventia do teatro através de Olga Knipper, viúva de Tchekhov.

Fábulas de nossas fúrias (Coletivo Atores à Deriva, RN) articula contação de histórias com afirmação política da raiva como elemento transformador, inspirando-se em Paulo Freire para questionar hierarquias conservadoras através de narrativas que invertem lógicas de poder.

Dancemos… que o mundo se acaba!, da BiNeural-MonoKultur (Argentina), propõe áudio-obra interativa que transforma público em dançarinos, questionando coreomanias e epidemias de dança através de jogo que reflete sobre sedução, pandemia e medo de dançar sozinho.

Sonho de uma noite de verão, da Trupe Ave Lola (PR), revisita Shakespeare através de encenação popular com tradução de Bárbara Heliodora, reunindo nove artistas em cena com música original executada ao vivo, criando atmosfera festiva que convida o público a testemunhar momentos de paixão, magia e loucura.

As criações francófonas constroem considerações convergentes sobre precariedade através de perspectivas diversificadas. Le Quai de Ouistreham, da Compagnie la Résolue (França), adapta investigação jornalística sobre mulheres que trabalham em empregos precários e invisíveis, especialmente na limpeza, vivendo à sombra da crise econômica.

La Vérité vaincra / A Verdade Vencerá, da Cie KastôrAgile (França), desenvolve palestra-performance baseada no livro homônimo de Luiz Inácio Lula da Silva, adaptando entrevistas concedidas à editora Ivana Jinkings em janeiro de 2018, transformando documento político em teatro de resistência.

Barbixas e a arte da improvisação

Barbixas: trio formado por Anderson Bizzochi, Daniel Nascimento e Elidio Sanna,

No fim de semana dos dias 11 e 12 de outubro, o Teatro RioMar recebe Improvável, espetáculo de improvisação teatral da Cia Barbixas. O trio formado por Anderson Bizzochi, Daniel Nascimento e Elidio Sanna, com mais de duas décadas de parceria artística, cria cenas inteiramente a partir de sugestões da plateia.

A companhia, que sacudiu o teatro de improviso no Brasil, trabalha com diferentes formatos cênicos incluindo musicais, westerns, novelas e até óperas, sempre mantendo o humor inteligente e a interação constante com o público. Cada apresentação é única, pois depende inteiramente da criatividade coletiva entre artistas e espectadores. No sábado (11), há duas sessões às 18h30 e 21h, enquanto domingo (12) apresenta sessão única às 20h.

Ópera com sotaque regional: La Serva Padrona

 La Serva Padrona: ópera italiana com humor

O Teatro Hermilo Borba Filho recebe, de 8 a 11 de outubro, às 19h30, uma montagem especial da ópera cômica La Serva Padrona, de G. B. Pergolesi. Esta versão recifense é resultado de um trabalho criativo audacioso que ressignifica a obra setecentista italiana através de elementos nordestinos, como expressões vocais.

A direção cênica de Luiz Kleber Queiroz e a direção musical da maestrina Maria Aida Barroso criaram uma proposta que mantém a estrutura musical original – com as árias preservadas em italiano – enquanto transpõe os recitativos para o português carregado de regionalismo pernambucano. Esta escolha artística permite que o público local se conecte diretamente com a narrativa sem perder a essência operística da obra.

A produção de Matheus Soares (25 Produções) inova na cenografia e figurinos, incorporando elementos como algodão cru, cestos de palha, tapioca e o icônico chapéu de vaqueiro. O elenco se alterna entre diferentes solistas, acompanhado por um sexteto de câmara que executa a partitura original de Pergolesi, criando um diálogo entre a tradição operística europeia e a cultura popular nordestina.

A trama cômica, baseada na Commedia dell’arte, acompanha as estratégias da esperta criada Serpina para conquistar seu patrão Uberto, numa comédia de costumes que ganha novos contornos quando ambientada no universo cultural pernambucano.

Duas Conversas com Ítalo Sena 

No dia 14 de outubro, às 20h, o Teatro Luiz Mendonça recebe Duas Conversas, o mais recente trabalho de Ítalo Sena, conhecido nacionalmente como o “rei das pegadinhas”. Após o sucesso de Mostrando Meu Trabalho, que percorreu o Brasil, o humorista retorna com uma proposta renovada, resultado de nove meses de intensa preparação artística e física.

Duas Conversas mostra um mergulho nos dois lados da vida artística de Ítalo Sena, explorando aspectos nunca antes revelados ao público. O espetáculo conta com texto desenvolvido pelo próprio humorista, em colaboração criativa com Maurício Meireles.

O destaque fica por conta do cenário digital interativo, que busca surpreender a plateia com elementos tecnológicos integrados à narrativa. A preparação artística de Diógenes De Lima, a produção de Laura Ithamar, a iluminação de Jathyles Miranda e as artes para o cenário virtual assinadas pelo VJ Koala Brito buscam elevar produção a um patamar técnico diferenciado.

Traidor: Marco Nanini e Gerald Thomas revisitam parceria histórica

Nanini em Traidor. Foto: Annelize Tozetto

Traidor, com Marco Nanini sob direção de Gerald Thomas, ocupa o Teatro Luiz Mendonça entre 17 e 19 de outubro. O espetáculo reflete as transformações profundas que o mundo sofreu desde o começo do século: o trauma pós-pandêmico, a revolução digital que substitui o real pelo virtual, e as rupturas democráticas que marcam o cenário político global. Gerald Thomas criou o texto sob influência deste “caldeirão contemporâneo”.

Em Traidor, Marco Nanini está isolado em uma ilha, acusado de algo que não cometeu, dialogando com a própria consciência, seus fantasmas e reflexões sobre passado, presente e futuro. Estes elementos são materializados no elenco formado por Hugo Lobo, Ricardo Oliveira e Wallace Lau. A ação transcorre como se toda a narrativa se passasse dentro da mente do protagonista.

Gerald Thomas define a obra como “um cruzamento entre Kafka e Shakespeare, uma espécie de híbrido entre o Joseph K, de O Processo, e Próspero, de A Tempestade, cuja mente renascentista olha para o futuro da civilização, perdoa seus detratores e os absolve”.

A equipe técnica reúne iluminação de Wagner Pinto, cenografia de Fernando Passetti, figurinos de Antonio Guedes, direção musical e trilha sonora de Alê Martins, direção de movimento de Dani Lima e assistência de direção de Samuel Kavalerskid.

Drama e intensidade: As Bruxas de Salem e Imorais

As Bruxas de Salem na montagem da Cobogó das Artes, com produção executiva de Adriano Portela

Imorais do Bando de Nada – Grupo de Teatro, com texto de Cristiano Primo e direção de Emmanuel Matheus

A terceira semana de outubro (15 e 16) traz duas montagens teatrais de forte apelo dramático. No Teatro Apolo, As Bruxas de Salem apresenta adaptação livre da obra clássica de Arthur Miller, dirigida por Anthony Delarte. A montagem da Cobogó das Artes, com produção executiva de Adriano Portela, ambienta a trama numa pequena vila puritana onde fé e medo se confundem, questionando verdade, manipulação e a coragem necessária para questionar autoridades.

Simultaneamente, o Teatro Hermilo Borba Filho recebe Imorais do Bando de Nada – Grupo de Teatro. O texto de Cristiano Primo, com adaptação e direção de Emmanuel Matheus e produção da Lynda Produções, propõe uma experiência cênica intensa sobre uma família e suas relações complexas. O elenco formado por Aline Santos, Cristiano Primo, Lynda Morais, Felipe Nunes e Tarcila Nunes conduz a narrativa que questiona se sempre temos direito à escolha, em espetáculo classificado para maiores de 18 anos.

Grupo Corpo: Cinco Décadas de Dança Brasileira

Grupo Corpo celebra 50 anos com turnê pelo Brasil

Nos dias 17 e 18 de outubro, o Teatro Santa Isabel recebe o Grupo Corpo de Belo Horizonte em apresentações gratuitas que celebram os 50 anos da companhia. A programação inclui dois espetáculos distintos que demonstram a evolução artística ao longo de cinco décadas desde a fundação em 1975.

Parabelo, coreografia clássica de 1997 de Rodrigo Pederneiras, com música de Tom Zé e Zé Miguel Wisnik, celebra aspectos da vida sertaneja. Já Piracema representa a constante renovação do repertório através de novas parcerias criativas. A criação tem parceria coreográfica entre Rodrigo Pederneiras e Cassi Abranches, com trilha inédita de Clarice Assad que transita do tribal ao eletrônico. A cenografia de Paulo Pederneiras utiliza 82 mil tampas de latas de sardinha para evocar escamas de cardumes, inspirando-se na jornada dos peixes que enfrentam a correnteza para desovar.

Teatro de Rua: Ilha: Dois leva urgência climática para o centro da Cidade

Grupo Bote de Teatro faz apresentações na Praça do Sebo

O Bote de Teatro, em parceria com a Cia. Toda Deseo de Minas Gerais, leva às ruas do centro do Recife uma provocação urgente sobre a crise climática. Nos dias 18 e 19 de outubro, às 19h, a Praça do Sebo se transforma em palco para Ilha: Dois, espetáculo gratuito que confronta a cidade com uma realidade alarmante.

A escolha do espaço urbano não é casual: tratando-se de uma cidade considerada geograficamente uma ilha e que, segundo relatórios da ONU, figura entre as mais vulneráveis ao aumento do nível do mar – ocupando a 16ª posição entre as cidades que podem desaparecer -, a montagem busca provocar reflexões diretas com a população sobre as mudanças climáticas.

Sob direção de Rafael Bacelar, reconhecido nacionalmente e indicado a diversos prêmios, e dramaturgia de David Maurity, o espetáculo mescla poesia, crítica social e resistência. A cantora e atriz Nega do Babado enriquece a trama com intervenções musicais, criando uma linguagem híbrida que dialoga diretamente com o público.

A montagem integra o projeto colaborativo Cidade Líquida e garante acessibilidade completa, oferecendo tradução em Libras e transporte acessível através do programa PE Conduz.

Instituto Ploeg: Encontro Radical entre Clássicos do Teatro

O Instituto Ploeg propõe no dia 11 de outubro um encontro singular entre dois retratos radicais do desejo e da ferida humana através de leituras dramáticas. O ATO apresenta Navalha na Carne, de Plínio Marcos, e Closer, de Patrick Marber, duas obras de tempos e contextos distintos, mas unidas pela mesma intensidade na busca por contato humano, mesmo quando ele causa dor.

Navalha na Carne, clássico do teatro brasileiro escrito em 1967 e censurado à época, encena a tensão brutal entre três personagens à margem da sociedade, num embate visceral de poder, corpo e sobrevivência. A obra continua ecoando como um grito urgente e contemporâneo.

Já Closer, conhecida pela adaptação cinematográfica de 2004, foi originalmente uma peça de enorme sucesso no teatro britânico. Com diálogos afiados, a obra revela o jogo de sedução e crueldade que sustenta as relações amorosas contemporâneas.

Sonho Encantado de Cordel: Fusão entre Nordeste e Contos de Fadas

Sonho Encantado de Cordel – O Musical

No último fim de semana do mês (25 e 26 de outubro), o Teatro Luiz Mendonça encerra a programação de outubro com Sonho Encantado de Cordel – O Musical. A produção de Thereza Falcão cria uma mistura entre a cultura nordestina e os contos de fadas de Hans Christian Andersen, resultando numa celebração da arte, poesia e poder dos sonhos.

O espetáculo conta com cenários e figurinos assinados por Rosa Magalhães e Mauro Leite, que dialogam com projeções de Batman Zavareze e coreografias de Renato Vieira, visando um universo visual que junte tradição popular e fantasia universal.

A trilha sonora é um dos grandes destaques da produção, contando com 10 músicas inéditas compostas especialmente para o espetáculo por três grandes nomes da MPB: Paulinho Moska, Chico César e Zeca Baleiro, sob direção musical de Marcelo Alonso Neves. Esta colaboração musical promete criar uma linguagem sonora que honra tanto as raízes nordestinas quanto a universalidade dos contos de fadas.

As apresentações acontecem no sábado (25) às 17h e no domingo (26) com duas sessões, às 15h e 17h, permitindo que diferentes públicos tenham acesso a esta produção especial.

CAIXA Cultural: Frankenstein em Dose Dupla

Frankenstein do Grupo Gompa, do Rio Grande do Sul

A CAIXA Cultural Recife apresenta entre 25 de outubro e 1º de novembro uma temporada especial do premiado Coletivo Gompa, do Rio Grande do Sul. O grupo apresenta duas montagens inspiradas no clássico de Mary Shelley: Frankenstein (para público adulto) e “Frankinh@ – Uma história em pedacinhos” (infantil).

Frankinh@, vencedor do Prêmio SESC de Artes Cênicas, já circulou por 18 cidades brasileiras e foi apresentado na Rússia e em Cuba. A peça infantil mescla narração, teatro, dança e artes visuais para despertar o imaginário das crianças através da história de Victor Frankenstein, jovem que cria alguém para lhe fazer companhia.

A versão adulta Frankenstein cria paralelos entre o corpo feminino e a Amazônia, explorando questões como pertencimento, violência e identidade com uma narrativa decolonial.

Espaço O Poste: Território de Resistência 

Fabíola Nansurê em Barro Mulher

Stephany Metódio com Luanda Ruanda: Histórias Africanas. Foto tatá costa

Urubatan Miranda com Negaça 

O Espaço O Poste se consolida como um dos principais centros de produções autorais e experimentais do Recife, funcionando como laboratório de criação e plataforma de visibilidade para artistas que desenvolvem pesquisas continuadas sobre identidade, memória e resistência. A programação de outubro reflete essa vocação curatorial, reunindo quatro trabalhos que abordam questões centrais da contemporaneidade através de linguagens cênicas diversificadas.

Além de Histórias Bordadas em Mim, recebe Fabíola Nansurê com Barro Mulher (24 de outubro), Stephany Metódio com Luanda Ruanda: Histórias Africanas (25 de outubro, gratuito) e Urubatan Miranda com Negaça (31 de outubro).

Fabíola Nansurê, reconhecida por suas pesquisas sobre corpo e território, constrói uma dramaturgia sensorial que utiliza barro como elemento cênico central, explorando texturas, plasticidade e simbolismo do material para questionar padrões estéticos e sociais impostos aos corpos femininos. A montagem propõe uma reflexão sobre resistência, autoconhecimento e reconexão com elementos primordiais da natureza.

A encenação dialoga com tradições ceramistas nordestinas e práticas rituais ancestrais, criando pontes entre saberes populares e linguagem cênica contemporânea através de uma experiência imersiva que convida o público a repensar relações entre humanidade e ambiente.

Stephany Metódio apresenta no dia 25 de outubro, às 16h, uma sessão gratuita de Luanda Ruanda: Histórias Africanas, espetáculo que resgata narrativas africanas através de contação de histórias que conecta tradições orais do continente com experiências da diáspora no Brasil.

A artista, especializada em culturas africanas e afro-brasileiras, desenvolve uma dramaturgia que articula contos tradicionais de diferentes regiões da África com reflexões sobre identidade, pertencimento e resistência cultural. Luanda Ruanda utiliza música, dança e elementos visuais para criar atmosfera envolvente que transporta o público para universos narrativos ricos em simbolismo e ensinamentos ancestrais.

A montagem tem particular relevância educativa e cultural, funcionando como instrumento de valorização da herança africana e combate ao racismo através da arte. Stephany Metódio incorpora instrumentos musicais tradicionais, adereços e gestualidade específica para honrar a autenticidade das tradições apresentadas, criando ponte entre continentes e gerações.

O formato de entrada gratuita reforça o compromisso do Espaço O Poste com a democratização cultural e o acesso da comunidade a produções que abordam questões de identidade e representatividade, especialmente relevantes no contexto da educação antirracista.

Urubatan Miranda encerra a programação mensal do espaço no dia 31 de outubro, às 19h, com Negaça, solo que explora construções de masculinidade no contexto nordestino através de autobiografia cênica que articula memória pessoal com questões coletivas sobre identidade de gênero e afetividade.

O artista, reconhecido por trabalhos que abordam questões LGBTQIA+ e regionalismo, desenvolve uma dramaturgia que questiona estereótipos sobre homens nordestinos, explorando sensibilidades, vulnerabilidades e formas de amar que escapam aos padrões heteronormativos dominantes. Negaça utiliza humor, poesia e crítica social para desconstruir imagens cristalizadas sobre masculinidade sertaneja.

A montagem incorpora elementos da cultura popular nordestina – como cordel, música regional e gestualidade característica – para criar linguagem cênica que celebra diversidade sexual e afetiva. Urubatan Miranda propõe um diálogo franco sobre preconceito, aceitação familiar e construção de identidade em contextos conservadores.

Festival de Circo: Novembro Promete

Le Bruit des Pierres do Collectif Maison Courbe da França

O mês de novembro será marcado pelo Festival de Circo do Brasil, que já tem pelo menos três espetáculos confirmados, prometendo dar continuidade à efervescência cultural iniciada em outubro.

Vermelho, Branco e Preto traz Cibele Mateus de São Paulo em solo que mescla riso, poesia e encantamento popular nos dias 5 e 6 de novembro às 19h30 no Teatro Apolo. A artista apresenta a figura cômica “Mateu”, inspirada no tradicional Cavalo-marinho pernambucano, em espetáculo-brincadeira que celebra identidade e ancestralidade.

No dia 6 de novembro, o Teatro Santa Isabel recebe O Vazio é Cheio de Coisa da Cia Nós No Bambu de Brasília. O espetáculo apresenta dança acrobática minimalista que explora a relação entre corpo humano e bambu, criando uma profusão de imagens e significados em dramaturgia poética onde simplicidade e complexidade se encontram.

A programação inclui ainda Le Bruit des Pierres do Collectif Maison Courbe da França, nos dias 8 e 9 de novembro no Teatro Santa Isabel. A criação híbrida combina circo coreográfico e teatro físico, com duas mulheres que encarnam a ganância ocidental pelo ouro através de coreografias realizadas com pedras, questionando a relação entre homem e ambiente.

SERVIÇO COMPLETO

FETEAG – À mon seul désir
📅 Datas: 9 e 10 de outubro
📍 Local: Teatro Luiz Mendonça (Av. Boa Viagem, s/n, Boa Viagem)
🎫 Entrada: Gratuita
🎭 Criação: Gaëlle Bourges (França)

La Serva Padrona
📅 Datas: 8, 9, 10 e 11 de outubro
🕘 Horário: 19h30
📍 Local: Teatro Hermilo Borba Filho
🎫 Entrada: Gratuita (ingressos na bilheteria do teatro)
🎭 Direção: Luiz Kleber Queiroz | Direção Musical: Maria Aida Barroso

Histórias Bordadas em Mim
Datas: 10 e 11 de outubro (sexta e sábado)
🕘 Horário: 19h
📍 Local: Espaço O Poste (Rua do Riachuelo, 641, Boa Vista)
🎫 Ingressos: R15(meia)∣R 30 (inteira) | R$ 10 (estudantes UFPE/Escola O Poste)
♿ Acessibilidade: Sessão de 11/10 com Libras e audiodescrição

Leituras Dramáticas – Navalha na Carne e Closer
📅 Data: 11 de outubro (sábado)
🕘 Horários: Abertura às 15h | Navalha na Carne às 16h | Closer às 18h
📍 Local: Instituto Ploeg (Rua de Santa Cruz, 190, Boa Vista)
🎫 Informações: Consultar @institutoploeg

Improvável – Cia Barbixas
📅 Datas: 11 e 12 de outubro (sábado e domingo)
🕘 Horários: Sábado: 18h30 e 21h | Domingo: 20h
📍 Local: Teatro RioMar
🎫 Informações: Consultar bilheteria do teatro

Duas Conversas com Ítalo Sena
📅 Data: 14 de outubro (terça-feira)
🕘 Horário: 20h
📍 Local: Teatro Luiz Mendonça (Av. Boa Viagem, s/n, Boa Viagem)
🎫 Ingressos: R50aR 100
🎭 Colaboração: Maurício Meireles | Cenário Digital: VJ Koala Brito

Ayiti, a montanha que assombra o mundo
📅 Data: 14 de outubro (terça-feira)
🕘 Horário: 20h
📍 Local: Teatro Hermilo Borba Filho
🎫 Ingressos: R$ 25 e R$ 50 (Sympla)

Dancemos… que o mundo se acaba!
Data: 15 de outubro
🕘 Horário: 19h
📍 Local: Estação Ferroviária (Caruaru)
🎫 Entrada: Gratuita
📊 Classificação: Livre
🎭 Cia: BiNeural-MonoKultur (Argentina)

Édipo REC
Data: 15 de outubro
🕘 Horário: 20h
📍 Local: Teatro Lycio Neves (Caruaru)
🎫 Entrada: Gratuita
📊 Classificação: 18 anos
🎭 Grupo: Magiluth (PE)

As Bruxas de Salem
📅 Datas: 15 e 16 de outubro (quarta e quinta-feiras)
📍 Local: Teatro Apolo
🎫 Informações: Consultar bilheteria do teatro
🎭 Direção: Anthony Delarte | Produção: Cobogó das Artes

Imorais
Datas: 15 e 16 de outubro (quarta e quinta-feiras)
📍 Local: Teatro Hermilo Borba Filho
🎫 Informações: Consultar bilheteria do teatro
📊 Classificação: +18 anos | Direção: Emmanuel Matheus

Fábulas de nossas fúrias
📅 Data: 16 de outubro
🕘 Horário: 20h
📍 Local: Teatro Lycio Neves (Caruaru)
🎫 Entrada: Gratuita
📊 Classificação: 16 anos
🎭 Cia: Atores à Deriva (RN)

Neva
📅 Data: 17 de outubro
🕘 Horário: 20h
📍 Local: Teatro Lycio Neves (Caruaru)
🎫 Entrada: Gratuita
📊 Classificação: 16 anos
🎭 Direção: Marianne Consentino (PE)

Grupo Corpo – Parabelo e Piracema
📅 Datas: 17 e 18 de outubro (sexta-feira e sábado)
📍 Local: Teatro Santa Isabel
🎫 Entrada: Gratuita
🎭 Celebração: 50 anos da companhia

Traidor com Marco Nanini
📅 Datas: 17 a 19 de outubro (sexta, sábado e domingo)
🕘 Horários: Sexta e sábado às 20h | Domingo às 19h
📍 Local: Teatro Luiz Mendonça (Av. Boa Viagem, s/n, Boa Viagem)
Ingressos: R100aR 200
🎭 Direção: Gerald Thomas | Elenco: Hugo Lobo, Ricardo Oliveira, Wallace Lau

Sonho de uma noite de verão
📅 Datas: 18 e 19 de outubro
🕘 Horário: 17h
📍 Local: Teatro Rui Limeira Rosal (Caruaru)
🎫 Entrada: Gratuita
📊 Classificação: 12 anos
🎭 Cia: Trupe Ave Lola (PR)

La Cocina Pública
Datas: 18 e 19 de outubro
🕘 Horário: Encontro 16h na Estação Ferroviária
📍 Local: Centro de Formação Paulo Freire (Assentamento Normandia, Caruaru)
🎫 Entrada: Gratuita
📊 Classificação: Livre
🎭 Cia: Teatro Container (Chile)

Ilha: Dois
Datas: 18 e 19 de outubro (sábado e domingo)
🕘 Horário: 19h
📍 Local: Praça do Sebo (Centro do Recife)
🎫 Entrada: Gratuita
♿ Acessibilidade: Tradução em Libras e transporte via PE Conduz

Barro Mulher
📅 Data: 24 de outubro (sexta-feira)
🕘 Horário: 19h
📍 Local: Espaço O Poste (Rua do Riachuelo, 641, Boa Vista)
🎫 Ingressos: R15(meia)∣R 30 (inteira)

Luanda Ruanda: Histórias Africanas
📅 Data: 25 de outubro (sábado)
🕘 Horário: 16h
📍 Local: Espaço O Poste (Rua do Riachuelo, 641, Boa Vista)
🎫 Entrada: Gratuita

Sonho Encantado de Cordel – O Musical
📅 Datas: 25 e 26 de outubro (sábado e domingo)
🕘 Horários: Sábado: 17h | Domingo: 15h e 17h
📍 Local: Teatro Luiz Mendonça (Av. Boa Viagem, s/n, Boa Viagem)
🎫 Informações: Consultar bilheteria do teatro
🎭 Produção: Thereza Falcão | Músicas: Paulinho Moska, Chico César, Zeca Baleiro

Frankinh@ – Uma história em pedacinhos
📅 Datas: 25 e 26 de outubro e 1º de novembro
🕘 Horários: 17h (sábado) | 11h (domingo)
📍 Local: CAIXA Cultural Recife (Av. Alfredo Lisboa, 505, Bairro do Recife)
🎫 Ingressos: R15(meia)∣R 30 (inteira)
♿ Acessibilidade: Sessão de 26/10 com Libras
⏱️ Duração: 50 minutos

Frankenstein
📅 Datas: 30 de outubro a 1º de novembro
📍 Local: CAIXA Cultural Recife (Av. Alfredo Lisboa, 505, Bairro do Recife)
🎫 Ingressos: R15(meia)∣R 30 (inteira)

Negaça
📅 Data: 31 de outubro (sexta-feira)
🕘 Horário: 19h
📍 Local: Espaço O Poste (Rua do Riachuelo, 641, Boa Vista)
🎫 Ingressos: R15(meia)∣R 30 (inteira)

FESTIVAL DE CIRCO (Novembro)
Vermelho, Branco e Preto
📅 Datas: 5 e 6 de novembro
🕘 Horário: 19h30
📍 Local: Teatro Apolo
🎭 Artista: Cibele Mateus (SP)

O Vazio é Cheio de Coisa
Data: 6 de novembro
📍 Local: Teatro Santa Isabel
🎭 Cia: Nós No Bambu (Brasília)

Le Bruit des Pierres
📅 Datas: 8 e 9 de novembro
📍 Local: Teatro Santa Isabel
🎭 Cia: Collectif Maison Courbe (França)

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A força política e estética do Feteag 2025

A mon seul désir, de Gaëlle Bourges (França), abre programação. Foto: Danielle Voirin / Divulgação

Cocina Publica, do Teatro Container (Chile). Foto: Adelano

Germaine Acogny, que encerra o festival, é uma das grandes referências mundiais da dança contemporânea. Foto: Thomas Dorn

Abrir um festival com uma peça francesa que reflete sobre representações femininas medievais expressa um posicionamento curatorial questionador das desigualdades. Levar teatro contemporâneo que discute a alimentação no mundo para um assentamento de luta pela terra tem também algo de subversivo. Encerrar a programação com uma bailarina senegalesa de 81 anos que revolucionou a dança em seu país afirma uma visão de mundo que aposta na circulação de saberes. O Festival de Teatro do Agreste, em sua 34ª edição, estabelece diálogos diretos entre criação artística contemporânea e as urgências sociais do nosso tempo.

Dirigido por Fabio Pascoal, o Feteag 2025 reúne 21 espetáculos de 9 e 26 de outubro, entre nacionais e internacionais, todos com entrada gratuita. A seleção das peças aponta para inquietações contemporâneas sobre exclusão, resistência e identidade que perpassam as criações escolhidas.

A seleção desta edição opera segundo uma lógica que articula diversidade geográfica com urgências temáticas. A curadoria geral, conduzida por Fabio Pascoal, aproveitou estrategicamente a Temporada França-Brasil 2025 para trazer criações de Burkina Faso (África Ocidental), Camarões (África Central) e Guadalupe (Caribe francês), além da própria França.

Esta escolha curatorial carrega uma compreensão particular sobre como usar as relações bilaterais para amplificar vozes frequentemente marginalizadas nos circuitos internacionais.

A mostra principal leva o nome de Argemiro Pascoal, um dos fundadores do Teatro Experimental de Arte – TEA, realizador do Feteag. 

Les Sans adapta o pensamento de Frantz Fanon para o teatro. Foto: Julie Cherki / Divulgação

Les Sans (Os Sem), do coletivo Les Récréâtrales-ELAN, de Burkina Faso, investiga diretamente a questão dos sem-teto e excluídos sociais através de linguagem cênica que combina tradições orais africanas com teatro político contemporâneo. A peça adapta o pensamento de Frantz Fanon para o teatro através do reencontro de dois ex-companheiros de luta. Ali Kiswinsida Ouédraogo explora o conflito entre Franck e Tiibo, interpretados por Ali K. Ouédraogo e Noël Minougou, onde um mantém ideais revolucionários enquanto o outro foi cooptado pelo sistema que combatiam. Sob direção de Freddy Sabimbona, a obra interroga as limitações da independência burkinabê, investigando se a libertação formal constitui verdadeira descolonização ou apenas mudança de máscaras do poder colonial.

Quando esta criação dialoga com La Cocina Pública, do grupo chileno Teatro Container, estabelece-se uma reflexão transnacional sobre precariedade e solidariedade. A obra chilena propõe a preparação coletiva de uma refeição como ato político e comunitário, questionando quem tem direito à alimentação e ao espaço público através de performance participativa que dissolve fronteiras entre arte e vida cotidiana.

Gaëlle Bourges propõe a desconstrução de Imaginários conservadores sobre o Feminino. Foto: Thomas Greil  

À mon seul désir, de Gaëlle Bourges, que abre o festival, parte da tapeçaria medieval A Dama e o Unicórnio para reavaliar construções históricas sobre feminilidade. A coreógrafa francesa examina como a cultura europeia associou mulheres ao mundo vegetal e animal, perpetuando ideais de virgindade e pureza através de imagens aparentemente poéticas.

Bourges desenvolve uma investigação coreográfica que expõe as violências simbólicas embutidas nessas representações românticas, utilizando movimento e voz para evidenciar como tapeçarias medievais funcionavam como dispositivos de controle sobre corpos femininos. Sua pesquisa conecta-se com debates contemporâneos sobre representação e autonomia feminina, oferecendo ao público brasileiro uma análise sobre como imaginários europeus ainda influenciam percepções sobre feminilidade.

Un endroit du début com Germaine Acogny. Foto: Thomas Dorn

Por sua vez, Germaine Acogny, que encerra o festival no Teatro Santa Isabel, é uma das grandes referências mundiais da dança contemporânea. Nascida no Senegal em 1944, ela fundou a primeira escola de dança contemporânea da África Ocidental em 1977 e desenvolveu uma técnica própria que combina danças tradicionais africanas com metodologias contemporâneas ocidentais.

Em Un endroit du début, criado com Mikaël Serre, ela explora memórias corporais e ancestralidade através de movimentação que articula gestualidade ritual com linguagem cênica contemporânea. Aos 81 anos, permanece ativa como pesquisadora corporal e formadora, tendo influenciado gerações de bailarinos e coreógrafos em todo o mundo através de sua escola, onde formou centenas de artistas. Escrevi uma crítica a partir do trabalho gravado da artista em vídeo e que integrou a edição de 2021 do festival Janeiro de Grandes Espetáculos. Leia texto AQUI.

Assentamento Normandia: Arte em Território de Resistência

Espetáculo trabalha a ideia de patrimônio alimentar compartilhado

A apresentação de La Cocina Pública no Assentamento Normandia, em Caruaru, estabelece uma das escolhas mais incisivas desta edição. O Assentamento Normandia constitui um território conquistado através da luta do Movimento dos Trabalhadores Rurais Sem Terra (MST), expressando décadas de organização popular pela reforma agrária na região.

Programar uma obra sobre alimentação e participação comunitária para este espaço cria camadas de significado que expandem o artístico e o político. O Teatro Container, grupo chileno responsável pela criação, desenvolve há anos pesquisas sobre arte e alimentação como atos políticos, investigando como o preparo e partilha de comida funcionam como tecnologias de organização social.

La Cocina Pública transforma o preparo coletivo de uma refeição em ritual de partilha e reflexão sobre direitos básicos, utilizando metodologia participativa que convoca o público para ações concretas. No contexto do assentamento, onde a conquista da terra relaciona-se diretamente com o direito à alimentação, a criação ganha ressonâncias particulares sobre soberania alimentar e autonomia popular.

Mostra PE: Diversidade da Cena Local

A Mostra PE, com curadoria de Vika Schabbach e Igor Lopes, selecionou cinco trabalhos entre 57 inscrições através de chamada pública. Schabbach, crítica e pesquisadora teatral, e Igor Lopes, diretor e dramaturgo, construíram uma seleção que busca evidenciar a potência criativa da produção pernambucana contemporânea.

Itaêotá, do Grupo Totem

Bolor. Foto: Morgana Narjara

Itaêotá, do Grupo Totem, apresenta o resultado de seis anos de investigação artística que conecta ancestralidade indígena e africana com urgências contemporâneas. Este espetáculo de teatro-dança utiliza rituais coletivos e elementos como urucum para propor caminhos de regeneração social diante do colapso civilizatório, materializando a pesquisa Metamorfismo de (R)existência através de performance que dissolve fronteiras entre linguagens artísticas.

Bolor (Gabi Holanda, Guilherme Allain e Isabela Severi) confronta diretamente a mitologia freyreana do açúcar, empregando fungos como protagonistas metafóricos de processos de decomposição e renascimento. A criação aponta a violência estrutural da plantation açucareira através de estética da decomposição que valoriza redes subterrâneas de resistência, dialogando criticamente com pensadores como Malcom Ferdinand e Anna Tsing para imaginar futuros decoloniais.

 Joesile Cordeiro navega pela memória afetiva de ser um jovem gay em busca de reconexão com sua infância perdida na encenação Tempo de vagalume. Esta performance autobiográfica criada em Garanhuns constrói pontes poéticas entre passado e presente através de teatro intimista que busca transformar experiência pessoal em pensamento coletiva sobre identidade e pertencimento LGBTQIA+.

Eron Villar e DJ Vibra protagonizam o encontro entre música contemporânea e teatro épico que ressignifica o legado político de Malcolm X para o contexto brasileiro em Se eu fosse Malcolm?  A performance articula crítica decolonial e questões de raça e gênero através de linguagem cênico-musical que dissolve fronteiras entre som e cena, construindo um perspectiva antirracista contemporânea.

Circo Godot (Cia. Circo Godot de Teatro) acompanha dois artistas de rua em suas peripécias cotidianas, explorando relações de poder e subsistência através de humor que transita entre o universal e o particular. A comédia convoca o espírito itinerante do teatro dos espaços não convencionais para questionar hierarquias sociais através da jornada de Gatropo e Tropino.

Corpo, Memória e Resistência

Aquelas – uma dieta para caber no mundo convida para um jantar para falar de uma santa popular assassinada. Foto Raissa Dourado

Monique Cardoso investiga invisibilização da beata Maria de Araújo, protagonista do Milagre da Hóstia em 1889, no espetáculo Cavucar. Foto: Henrique Cardozo / Divulgação

As criações nacionais e internacionais estabelecem diálogos temáticos que ultrapassam fronteiras geográficas, trazendo inquietações compartilhadas sobre corpo, memória e resistência. 

O Manada Teatro, do Ceará, desenvolve Cavucar, do projeto Pote e Navalha, através da performance solo de Monique Cardoso, que também assina direção em parceria com Murillo Ramos, sobre dramaturgia de Tércia Montenegro. A obra ficcionaliza possível descoberta dos restos mortais da beata Maria de Araújo, protagonista do Milagre da Hóstia em 1889, provocando e tensionando as violações eclesiásticas que resultaram no desaparecimento de seus vestígios e invisibilidade na história de Juazeiro do Norte. A encenação utiliza elemento fantástico para convocar o público a fabular os fatos e reconstruir a história através de suposições que questionam a construção de um dos maiores centros de fé católica do mundo.

Aquelas – uma dieta para caber no mundo reconstrói a trajetória de Maria de Bil, santa popular de Várzea Alegre assassinada em 1926 pelo companheiro, através de performance participativa dirigida por Murillo Ramos e interpretada por Juliana Veras e Monique Cardoso. O espetáculo convida o público a participar do preparo de jantar envolvendo facas, carne, sangue oferecidos à mesa com os corpos das próprias atrizes, construindo encenação delicada e cruel que apresenta caleidoscópio das violências machistas através de quadros performativos que misturam história da santa com pessoalidades das intérpretes.

Sonho de uma noite de verão, montagem da Trupe Ave Lola, no Paraná. Foto: Caique Cunha / Divulgação

A Trupe Ave Lola (PR) desenvolve duas experiências distintas da dramaturgia clássica e contemporânea sob direção de Ana Rosa Genari Tezza. Sonho de uma noite de verão revisita Shakespeare através de encenação popular com tradução de Bárbara Heliodora, reunindo nove artistas em cena – Cesar Matheus, Helena de Jorge Portela, Helena Tezza, Kauê Persona, Larissa de Lima, Marcelo Rodrigues, Pedro Ramires, Wenry Bueno e Willa Thomas – e música original composta por Arthur Jaime, Breno Monte Serrat e Julia Klüber, executada ao vivo pelos músicos Arthur Jaime e Breno Monte Serrat, criando atmosfera festiva que convida o público a testemunhar momentos de paixão, magia e loucura através de linguagem teatral popular.

Já com O Vira-lata, a Trupe Ave Lola explora amizade improvável entre uma jovem romântica que sonha com grande amor e um homem-cachorro maltratado pela fome e desamparo, questionando convenções sociais quando surge um pretendente desconhecido que desperta ciúmes do fiel amigo, construindo fábula contemporânea sobre solidariedade, abandono e os conflitos entre sonhos românticos e lealdade verdadeira.

 Lucas Torres e Bruno Parmera em Édipo REC. Foto: Estúdio Orra: Zé Rebelatto e Grabriela Passos 

O Grupo Magiluth, de Pernambuco, em seu 16º trabalho que celebra duas décadas de pesquisa continuada, comparece ao Feteag com  Édipo REC, um trabalho com direção de Luiz Fernando Marques e dramaturgia de Giordano Castro. O elenco composto por Bruno Parmera, Erivaldo Oliveira, Giordano Castro, Lucas Torres, Mário Sergio Cabral, Nash Laila e Pedro Wagner constrói releitura não-linear da tragédia sofocliana que joga com a cronologia para questionar a noção de tempo no teatro.

Tebas transforma-se no Recife fantasmagórico onde o Corifeu é representado pela câmera, espelhando a produção excessiva de imagens contemporâneas das redes sociais e câmeras de segurança. A linguagem audiovisual busca inspiração no cinema experimental, desde Édipo Rex (1967) de Pasolini até Funeral das Rosas (969) de Matsumoto, questionando se teatro e cinema conseguem dar conta das múltiplas tragédias contemporâneas e por que o público sairia de casa para assistir história tão antiga.

Mas mesmo a vida sendo decepcionante, como proclama o personagem de Erivaldo Oliveira, tem festa nesta Tebas-Recife-Caruaru no primeiro ato desta peça-peste, que convoca seu povo a dançar até o pé inchar.

Cartografias Francófonas: Trabalho, Identidade e Memória Colonial

Le Quai de Ouistreham fala da situação de mulheres que trabalham em empregos precários e invisíveis

Zora Snake em L’Opéra du villageois. Foto: Agir pour le Vivant

Corpos, da Cie Mangrove, (Guadalupe/Brasil). Foto: Divulgação

As criações francófonas constroem considerações convergentes sobre precariedade, identidade e legados coloniais através de perspectivas estéticas diversificadas.

Le Quai de Ouistreham, da Compagnie la Résolue, da França, adapta investigação jornalística de Florence Aubenas sobre mulheres que trabalham em empregos precários e invisíveis, especialmente na limpeza e na manutenção, e que vivem à sombra da crise econômica. Dirigido por Louise Vignaud, com atuação de Magali Bonat.

L’Opéra du villageois, da Compagnie Zora Snake, de Camarões, manifesta resistência através de performance-ritual que ressuscita potência das máscaras africanas roubadas pelos museus europeus. Zora Snake atravessa dimensão sagrada para questionar pilhagem cultural colonial, utilizando bandeira da União Europeia, rituais com ouro e sal para despertar força ancestral das comunidades aldeãs consideradas “incivilizadas”.

Corpos (Cie Mangrove, Guadalupe/Brasil) explora estigmatização do corpo negro através de laboratório coreográfico desenvolvido por Hubert Petit-Phar e Augusto Soledade, questionando representações corporais e sexuais no cruzamento entre culturas caribenhas e brasileiras, investigando singularidades corporais diante de fronteiras estéticas e políticas contemporâneas.

palestra-performance La Vérité vaincra / A Verdade Vencerá recria entrevista de Lula a Ivana Jinkings 

La Vérité vaincra / A Verdade Vencerá, da Cie KastôrAgile, (França) desenvolve palestra-performance que adapta o livro homônimo de Luiz Inácio Lula da Silva, baseando-se nas entrevistas concedidas à editora Ivana Jinkings em janeiro de 2018, momento crucial anterior à prisão do ex-presidente. Gilles Pastor transforma documento político em teatro de resistência através das interpretações de Alizée Bingöllü e Jean-Philippe Salério, que recriam cenicamente os diálogos sobre julgamento, vida pessoal e trajetória política de Lula.

A obra materializa voz de resistência do homem afastado injustamente da arena política, expondo raiva sagrada contra injustiças através de linguagem cênica que articula testemunho pessoal com denúncia estrutural. No contexto do Feteag, esta criação francófona estabelece pontes diretas entre público brasileiro e reflexão internacional sobre democracia e autoritarismo, questionando como arte pode amplificar vozes silenciadas pelo poder judiciário e construir solidariedade transnacional diante de perseguições políticas contemporâneas.

Experiências Imersivas e Linguagens Expandidas

Dancemos… que o mundo se acaba!, da BiNeural-MonoKultur, da Argentina. Foto: Reprodução

Fábulas de nossas fúrias explora o universo gay. Foto: Rogério Alves / Divulgação

peça Neva, de Guillermo Calderón, em montagem de Marianne Consentino (PE)

Três criações exploram possibilidades de imersão e participação através de dispositivos que expandem linguagens teatrais tradicionais. Dancemos… que o mundo se acaba!, da BiNeural-MonoKultur, da Argentina, propõe áudio-obra interativa que transforma público em dançarinos, questionando coreomanias, epidemias de dança e comportamentos coletivos através de jogo que reflete sobre sedução, pandemia e medo de dançar sozinho.

Fábulas de nossas fúrias (Coletivo Atores à Deriva, RN) articula contação de histórias com afirmação política da raiva como elemento transformador, inspirando-se em Paulo Freire para questionar hierarquias conservadoras através de viados que justificam suas fúrias expondo modos de amar, invertendo lógicas que classificam “bichos” em estruturas de poder.

Neva, montagem de Marianne Consentino (PE), ambienta-se no Domingo Sangrento de 1905 em São Petersburgo, friccionando arte e política através de três atores refugiados em teatro durante massacre nas ruas. A peça de Guillermo Calderón questiona a serventia do teatro através de Olga Knipper, viúva de Tchekhov, que encena repetidamente a morte do marido enquanto cidade desaba, oscilando entre necessidade absoluta e total irrelevância da arte.

Formação de público como letramento cênico

No que se refere à formação de público, a Mostra Erenice Lisboa, voltada para estudantes da rede pública, desenvolve uma compreensão específica sobre letramento teatral. Através das apresentações de O Vira-lata, da Trupe Ave Lola, seguidas de conversas entre artistas e estudantes, o festival promove o desenvolvimento de repertórios simbólicos e críticos.

Este letramento teatral envolve a construção de ferramentas interpretativas que permitam aos jovens ter apreciar as criações teatrais em suas potencialidades expressivas. As conversas pós-apresentação funcionam como espaços de processamento coletivo da experiência estética, fundamentais para a formação de público crítico e engajado com as artes cênicas.

Atividades Formativas: Aprendizado e Troca de Saberes

Paralelamente, as oficinas propostas pelo festival desenvolvem lógicas distintas mas complementares de formação artística. A oficina com Gaëlle Bourges permite aprofundamento na pesquisa específica da artista francesa sobre feminilidade e construção de imagens corporais. Já a oficina do Teatro Container integra os participantes no processo de montagem de La Cocina Pública, criando vínculos entre formação teórica e prática artística concreta.

Vendas e Mordaças, oficina exclusiva para mulheres conduzida por Faeina Jorge, Juliana Veras e Monique Cardoso, propõe vivência sensorial e afetiva em torno de identidades femininas através de exercícios que articulam corpo, voz e memória pessoal. Por outro lado, o workshop Corpos e Territórios, ministrado por Hubert Peti-Phar, articula fundamentos culturais brasileiros e guadalupenses através de práticas corporais que dialogam com tradições ancestrais e princípios contemporâneos da dança.

Larissa Lisboa apreenta espetácuo Inquieta, com participação de Gabi da Pele Preta

A programação musical está garantida com o espetáculo Inquieta, performance de Larissa Lisboa com participação de Gabi da Pele Preta, evidenciando nova cena musical pernambucana focada em compositoras negras e LGBTQIA+. Larissa Lisboa, cantora e multi-instrumentista recifense, constrói repertório que mistura criações autorais com obras de compositoras contemporâneas locais, enquanto Gabi da Pele Preta, de Caruaru, desenvolve sonoridade inovadora que mescla maracatu, coco, afoxé com jazz, soul e reggae, celebrando identidade negra através de conscientização social musicada.

Sustentabilidade e Articulação Institucional

Quanto à sustentabilidade, a rede de apoios do FETEAG 2025 demonstra capacidade articulatória entre diferentes esferas: federal (Ministério da Cultura), estadual (Funcultura, Fundarpe), municipal (Fundação de Cultura de Caruaru) e privada (Banco do Nordeste, Rede Itaú, Vale). A parceria com o Consulado Geral da França viabiliza a programação francófona dentro da Temporada França-Brasil 2025, demonstrando como acordos bilaterais podem amplificar recursos para programação cultural.

Com 34 edições no currículo, o Feteag confirma a qualidade artística com relevância social, diversidade internacional com fortalecimento da produção local, formação de público com experimentação estética. Esta programação evidencia como festivais podem funcionar como plataformas de articulação entre diferentes mundos – artísticos, sociais, educacionais, políticos. Neste contexto, o festival afirma o teatro como necessidade social e política em tempos de urgência democrática, construindo experiências coletivas de pensamento e sensibilidade.

Programação Completa do FETEAG 2025

RECIFE
09 e 10/10

À mon seul désir (Ao meu único desejo),
de Gaëlle Bourges (França)
Local: Teatro Luiz Mendonça | Horário: 20h | Classificação: 18 anos

CARUARU
15/10

Dancemos… que o mundo se acaba!,
de BiNeural-MonoKultur (Argentina)
Local: Estação Ferroviária | Horário: 19h | Classificação: Livre

Édipo REC, do Grupo Magiluth (PE)
Local: Teatro Lycio Neves | Horário: 20h | Classificação: 18 anos

16/10

Fábulas de nossas fúrias, de Cia de Atores à Deriva (RN)
Local: Teatro Lycio Neves | Horário: 20h | Classificação: 16 anos

17/10

NEVA,
de Marianne Consentino (PE)
Local: Teatro Lycio Neves | Horário: 20h | Classificação: 16 anos

18 e 19/10

Sonho de uma noite de verão,
da Trupe Ave Lola (PR)
Local: Teatro Rui Limeira Rosal | Horário: 17h | Classificação: 12 anos

A Cozinha Pública (La Cocina Pública),
Teatro Container (Chile)
Local: Centro de Formação Paulo Freire (Assentamento Normandia) | Horário: 17h | Classificação: Livre

20 a 24/10

O Vira-lata,
da Trupe Ave Lola (PR) – 
Local: Teatro Lycio Neves | Horário: 9h | Classificação: Livre

20/10

Itaêotá,
do Grupo Totem (PE)
Local: Teatro Rui Limeira Rosal | Horário: 19h | Classificação: 12 anos

Cavucar,
da MANADA Teatro (CE)
Local: Teatro Lycio Neves | Horário: 21h | Classificação: 14 anos

21/10

Circo Godot,
da Cia. Circo Godot de Teatro (PE)
Local: Teatro Rui Limeira Rosal | Horário: 19h | Classificação: Livre

Aquelas – uma dieta para caber no mundo,
do MANADA Teatro (CE)
Local: Teatro Lycio Neves | Horário: 21h | Classificação: 14 anos

22/10

Se eu fosse Malcolm?,
de Eron Villar & DJ Vibra (PE)
Local: Teatro Rui Limeira Rosal | Horário: 19h | Classificação: 14 anos

Le Quai de Ouistreham (O cais de Ouistreham),
da Compagnie la Résolue (França)
Local: Teatro Lycio Neves | Horário: 21h | Classificação: 14 anos

23/10

Tempo de vagalume,
de Joesile Cordeiro (PE)
Local: Teatro Rui Limeira Rosal | Horário: 19h | Classificação: 14 anos

A Verdade Vencerá/LULA (La Vérité vaincra/LULA),
de Gilles Pastor – KastôrAgile (França)
Local: Teatro Lycio Neves | Horário: 21h | Classificação: 14 anos

24/10

Bolor,
de Gabi Holanda, Guilherme Allain e Isabela Severi (PE)
Local: Teatro Rui Limeira Rosal | Horário: 19h | Classificação: 12 anos

Les Sans (Os sem),
de Les Récréâtrales-ELAN (Burkina Faso)
Local: Teatro Lycio Neves | Horário: 21h | Classificação: 14 anos

25/10

L’Opéra du villageois (A ópera do camponês),
da Compagnie Zora Snake (Camarões)
Local: Estação Ferroviária | Horário: 17h | Classificação: Livre

Corpos,
da Cie Mangrove (Guadalupe/Brasil)
Local: Teatro Rui Limeira Rosal | Horário: 19h | Classificação: 12 anos

Inquieta (Música),
de Larissa Lisboa com Gabi da Pele Preta (PE)
Local: Teatro Lycio Neves | Horário: 21h | Classificação: 16 anos

RECIFE
26/10

À un endroit du début (Em algum lugar no início),
de Germaine Acogny e Mikaël Serre (Senegal/França)
Local: Teatro de Santa Isabel | Horário: 19h | Classificação: 14 anos

Oficinas e Atividades Formativas

Workshop Corpos e Territórios – Hubert Peti-Phar
Oficina de Criação – Teatro Container
Pesquisa Corporal – Gaëlle Bourges
Vendas e Mordaças – Faeina Jorge, Juliana Veras e Monique Cardoso (exclusiva para mulheres)

Serviço

📍 Período: 09 a 26 de outubro de 2025
🎭 Entrada: Gratuita mediante retirada de ingressos no Sympla
🏛️ Locais: Teatro Santa Isabel (Recife), Teatro Luiz Mendonça (Recife), Teatro Lycio Neves (Caruaru), Teatro Rui Limeira Rosal (Caruaru), Estação Ferroviária (Caruaru), Centro de Formação Paulo Freire – Assentamento Normandia (Caruaru)
🎯 Direção Geral: Fabio Pascoal
👥 Curadoria Mostra PE: Vika Schabbach e Igor Lopes
💰 Apoio: Ministério da Cultura, Funcultura, Fundarpe, Fundação de Cultura de Caruaru, Banco do Nordeste, Rede Itaú, Vale, Consulado Geral da França
ℹ️ Mais informações: @feteag

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Recife ferve de cultura. E haja fôlego

A mon seul désir integra programação do FETEAG. Foto: Thomas Greil / Divulgação 

 A capital pernambucana vive um momento de efervescência artística com uma agenda cultural robusta que se estende por todo outubro e adentra novembro. Entre as dezenas de atrações programadas para o período, muitas que operam em diversidade de linguagens, consolidando a vocação da cidade como importante centro cultural do Nordeste e do Brasil.

A programação contempla desde manifestações populares gratuitas até montagens teatrais contemporâneas, passando por ópera, dança e circo. O calendário atende diferentes públicos e faixas etárias, com opções que vão desde R$ 15 até espetáculos gratuitos.

Carnaval do jazz 

Mardi Gras no Recife, programação intensa no bairro do Recife

Um projeto ambicioso ancontece nesta sexta-feira (3) e sábado (4) com o Mardi Gras, evento que transporta o carnaval do jazz de Nova Orleans para as ruas históricas do Bairro do Recife. A festa gratuita promove um encontro singular entre a sonoridade do jazz norte-americano e as manifestações culturais pernambucanas. A programação inclui shows na Praça do Arsenal, complementando os tradicionais cortejos pelas ruas do Bom Jesus e da Guia.

Blocos tradicionais como Galo da Madrugada, Vassourinhas de Olinda, Clube Vassourinhas de Olinda, Urso do Bairro Novo e Maracatu Pavão Misterioso participam da celebração, que também conta com sambadeiras, o Bloco Cordas e Retalhos, Papangus de Bezerros e atrações musicais como Chacon, Kind of Jazz e Boi da Macuca. A Orquestra de Jazz Mardi Gras, sob direção do maestro José Henrique, conduz musicalmente o evento.

Sertão de Zé Ramalho. Foto: Priscila Prade

Nesta sexta-feira (3), estreia no Teatro Luiz Mendonça o espetáculo O Admirável Sertão de Zé Ramalho, que percorre quatro décadas da obra do cantor paraibano. A montagem, com apresentações até domingo (5), traz dramaturgia de Pedro Kosovski organizada em cinco módulos temáticos que revisitam clássicos como Admirável Gado Novo, Chão de Giz e Avohai.

A direção de Marco André Nunes conduz um elenco formado por Duda Barata, Eli Ferreira, Cesar Werneck, Marcello Melo, Muato, Nizaj e Tiago Herz, além dos músicos Verônica Sanfoneira e Rostan Junior. O espetáculo de 70 minutos faz uma releitura cênica da trajetória artística de um dos maiores nomes da MPB nordestina.

Programação infantil 

Floresta dos Mistérios. Foto: Silvia Machado

Chapeuzinho de Neve Adormecida. Foto: RomeuSantos

Para o miúdos duas opções neste fim de semana. Floresta dos Mistérios entra na segunda semana nesta sexta (3) na Caixa Cultural Recife e segue em cartaz sábado (4) e domingo (5). O musical infantil narra a aventura de três crianças que descobrem um plano para destruir uma floresta e construir uma fábrica de celulares, contando com a ajuda de personagens da literatura popular brasileira.

O espetáculo utiliza um elenco de 20 marionetes de diferentes proporções, concebidos por Márcio Pontes. A montagem apresenta uma variedade de figuras que representam tanto a biodiversidade brasileira quanto elementos da tradição como Saci, Iara e Boitatá, desenvolvida com uma perspectiva otimista sob a criação textual e direção cênica de Márcio Araújo, idealizador do programa televisivo infantil Cocoricó.

No sábado (4), o Teatro Barreto Júnior recebe Chapeuzinho de Neve Adormecida, produção da Helena Siqueira Produções com texto e direção de Ivaldo Cunha Filho. O musical mistura personagens de diferentes contos de fadas, que se metem numa confusão criada pela protagonista Bia, interpretada por Beatriz Siqueira. O elenco inclui Jéssica Viana, Rayo Vasconcelos, Thiago Augusto, Juan Elias e os bailarinos João Alberth e Gabriel Diego, com coreografias de Leonardo Soares.

Ópera italiana La Serva Padrona explora o humor

Ainda nesta sexta (3), o Teatro Apolo apresenta A Corajosa Caça de um Covarde Caçador, comédia regional que se passa em Nordestia, cidade fictícia do interior nordestino. A trama acompanha Jeremias, um covarde que assume a missão de caçar uma criatura estranha que assombra a população local, resultando numa narrativa repleta do humor nordestino.

A semana seguinte traz a ópera La Serva Padrona de Giovanni Battista Pergolesi, com apresentações gratuitas de 8 a 11 de outubro no Teatro Hermilo Borba Filho. A montagem da 25 Produções, dirigida por Luiz Kleber Queiroz e musicalmente pela maestrina Maria Aida Barroso, incorpora elementos nordestinos como expressões populares e figurinos regionais à clássica trama cômica italiana sobre as artimanhas de uma criada para conquistar o posto de esposa do patrão.

A Mon Seul Désir, criação da artista francesa Gaëlle Bourges. Foto: Danielle Voirin / Divulgação

O Festival de Teatro do Agreste (FETEAG) chega à sua 34ª edição mantendo o espírito experimental que o caracteriza desde a fundação. Entre 9 e 26 de outubro, o evento realizado pelo TEA – Teatro Experimental de Arte apresenta 21 espetáculos em diversos teatros de Caruaru e Recife, reunindo criações de Pernambuco, Ceará, Rio Grande do Norte, Paraná, França, Argentina, Chile, Camarões, Burkina Faso e Guadalupe.

O festival é antecedido pelo Esquenta FETEAG com A Mon Seul Désir nos dias 9 e 10 de outubro no Teatro Luiz Mendonça. A criação da artista francesa Gaëlle Bourges baseia-se na tapeçaria medieval A Dama e o Unicórnio, tecida em 1500 e exposta no Museu da Idade Média em Paris. O espetáculo questiona a visão europeia histórica sobre a virgindade feminina através de quatro performers que recriam a obra em cena, explorando as ambivalências da representação das mulheres na arte ao longo dos séculos.

Improviso e criação coletiva dos Barbixas

No fim de semana seguinte (11 e 12 de outubro), o Teatro RioMar recebe Improvável, espetáculo de improvisação teatral da Cia Barbixas. O trio formado por Anderson Bizzochi, Daniel Nascimento e Elidio Sanna, com mais de duas décadas de parceria artística, cria cenas inteiramente a partir de sugestões da plateia. No sábado (11), há duas sessões às 18h30 e 21h, enquanto domingo (12) apresenta sessão única às 20h.

A companhia, que sacudiu o teatro de improviso no Brasil, trabalha com diferentes formatos cênicos incluindo musicais, westerns, novelas e até óperas, sempre mantendo o humor inteligente e a interação constante com o público. Cada apresentação é única, pois depende inteiramente da criatividade coletiva entre artistas e espectadores.

Jeison Walace como Cinderela. Foto: Divulgação

Toda Cidade Tem com Jeison Wallace, ocupa neste sábado (4), o Teatro do Parque. O comediante apresenta show de humor onde interpreta diversos personagens, incluindo uma versão cômica de Cinderela, em apresentação única às 18h. Wallace, conhecido por sua versatilidade cênica, constrói um espetáculo onde cada personagem representa diferentes tipos humanos encontrados em qualquer cidade brasileira.

Dramas contemporâneos na segunda quinzena

As Bruxas de Salem numa montagem da Cobogó das Artes

A terceira semana de outubro (15 e 16) traz duas montagens teatrais de forte apelo dramático. No Teatro Apolo, As Bruxas de Salem apresenta adaptação livre da obra clássica de Arthur Miller, dirigida por Anthony Delarte. A montagem da Cobogó das Artes, com produção executiva de Adriano Portela, ambienta a trama numa pequena vila puritana onde fé e medo se confundem, questionando verdade, manipulação e a coragem necessária para questionar autoridades.

Já o Teatro Hermilo Borba Filho recebe Imorais do Bando de Nada – Grupo de Teatro. O texto de Cristiano Primo, com adaptação e direção de Emmanuel Matheus e produção da Lynda Produções, propõe uma experiência cênica intensa sobre uma família e suas relações complexas. O elenco formado por Aline Santos, Cristiano Primo, Lynda Morais, Felipe Nunes e Tarcila Nunes conduz a narrativa que questiona se sempre temos direito à escolha, em espetáculo classificado para maiores de 18 anos.

 50 anos do Grupo Corpo

Grupo Corpo circula com dois espetáculos celebrando meio século de vida

Nos dias 17 e 18 de outubro, o Teatro Santa Isabel recebe o Grupo Corpo de Belo Horizonte em apresentações gratuitas que celebram os 50 anos da companhia, dentro da . A programação inclui dois espetáculos distintos: Parabelo, coreografia clássica de 1997 de Rodrigo Pederneiras, com com música de Tom Zé e Zé Miguel Wisnik, que celebra aspectos da vida sertaneja através de ritmos e gestos característicos da cultura nordestina. E Piracema, criação mais recente com coreografia inspirado na jornada dos peixes que enfrentam a correnteza para desovar.  O trabalho tem parceria coreográfica entre Rodrigo Pederneiras e Cassi Abranches. A trilha inédita de Clarice Assad transita do tribal ao eletrônico. Já a cenografia de Paulo Pederneiras utiliza 82 mil tampas de latas de sardinha para evocar escamas de cardumes,

As duas obras demonstram a evolução artística da companhia ao longo de cinco décadas, desde a fundação em 1975. Parabelo dialoga diretamente com as raízes culturais nordestinas, enquanto Piracema representa a constante renovação do repertório através de novas parcerias criativas.

Sonho encantado de cordel. Foto: Joao Pedro Hachiya

No último fim de semana do mês (25 e 26 de outubro), o Teatro Luiz Mendonça recebe Sonho Encantado de Cordel – O Musical. A produção de Thereza Falcão mistura cultura nordestina com contos de fadas de Hans Christian Andersen, buscando uma celebração da arte, poesia e poder dos sonhos. Os cenários e figurinos assinados por Rosa Magalhães e Mauro Leite dialogam com projeções de Batman Zavareze e coreografias de Renato Vieira.

A trilha sonora conta com 10 músicas inéditas compostas especialmente para o espetáculo por Paulinho Moska, Chico César e Zeca Baleiro, sob direção musical de Marcelo Alonso Neves. No sábado (25) há sessão às 17h, enquanto domingo (26) apresenta duas sessões, às 15h e 17h.

Festival de Circo

Vermelho Branco e Preto. Cibele Mateus. Foto: Mateus Tropo

 O Vazio é Cheio de Coisa da Cia Nós No Bambu de Brasília. Foto: Diego Bresani

Le Bruit des Pierres, do Collectif Maison Courbe da França

O mês de novembro será marcado pelo Festival de Circo do Brasil, que apresenta pelo menos três espetáculos já confirmados. Vermelho, Branco e Preto traz Cibele Mateus de São Paulo em solo que mescla riso, poesia e encantamento popular. A artista apresenta a figura cômica “Mateu”, inspirada no tradicional Cavalo-marinho pernambucano, em espetáculo-brincadeira que celebra identidade e ancestralidade. As apresentações acontecem nos dias 5 e 6 de novembro às 19h30 no Teatro Apolo.

No dia 6 de novembro, o Teatro Santa Isabel recebe O Vazio é Cheio de Coisa da Cia Nós No Bambu de Brasília. O espetáculo apresenta dança acrobática minimalista que explora a relação entre corpo humano e bambu, criando uma profusão de imagens e significados em dramaturgia poética onde simplicidade e complexidade se encontram.

A programação inclui ainda Le Bruit des Pierres do Collectif Maison Courbe da França, nos dias 8 e 9 de novembro no Teatro Santa Isabel. A criação híbrida combina circo coreográfico e teatro físico, com duas mulheres que encarnam a ganância ocidental pelo ouro através de coreografias realizadas com pedras, questionando a relação entre homem e ambiente.

Deborah Colker revisita Stravinsky

Sagração. Foto: Flavio Colker

A programação também contempla Sagração da Companhia Deborah Colker, livre adaptação de A Sagração da Primaverade Stravinsky que incorpora visões ancestrais brasileiras sobre a origem do mundo. A criação e direção de Deborah Colker, com direção executiva de João Elias e direção musical de Alexandre Elias, apresenta música clássica em diálogo com ritmos brasileiros como boi bumbá, coco, afoxé e samba. O espetáculo conta com dramaturgia de Nilton Bonder, figurinos de Claudia Kopke, desenho de luz de Beto Bruel e fotografia de Flávio Colker, no Teatro Guararapes.

A amplitude da programação, que engloba desde manifestações populares gratuitas até montagens de companhias internacionais, evidencia a vitalidade do cenário cultural recifense. A presença de artistas locais, nacionais e estrangeiros, somada à variedade de preços inclusive com espetáculos gratuitos, consolida a capital pernambucana como importante centro de circulação artística no Nordeste brasileiro. A produção local, mais especificamente a produção teatral recifense necessita de injeções generosas recursos, de apoios e patrocínio para mostrar-se em todo seu esplendor. 

SERVIÇO

🎷 Mardi Gras em Recife
Data: 3 e 4/10, a partir das 17h (sex) e 16h (sáb)
Local: Ruas do Bom Jesus e da Guia, Bairro do Recife + Shows na Praça do Arsenal
Preço: Gratuito

🌿 Floresta dos Mistérios
Data: 3/10 (15h), 4 e 5/10 (11h)
Local: Caixa Cultural Recife
Preço: R$ 30 (inteira) e R$ 15 (meia)

🎸 O Admirável Sertão de Zé Ramalho
Data: 3/10 (20h), 4/10 (19h), 5/10 (18h)
Local: Teatro Luiz Mendonça
Preço: Sexta gratuito; sábado/domingo a partir de R$ 25

🎭 Chapeuzinho de Neve Adormecida
Data: 4/10 (16h)
Local: Teatro Barreto Júnior
Preço: R$ 100 (inteira) e R$ 50 (meia)

🎪 A Corajosa Caça de um Covarde Caçador
Data: 3/10 (19h30)
Local: Teatro Apolo
Preço: R$ 35 + 1kg alimento
Info: @covardes.cacadores

🎭 Toda Cidade Tem com Jeison Wallace
Data: 4/10 (18h)
Local: Teatro do Parque
Preço: Sympla
Info: (81) 98463.8388

🎼 Ópera La Serva Padrona
Data: 8 a 11/10 (19h30)
Local: Teatro Hermilo Borba Filho
Preço: Gratuito
Info: @25producoes

🎭 A Mon Seul Désir – Esquenta FETEAG
Data: 9 e 10/10 (20h)
Local: Teatro Luiz Mendonça
Preço: Gratuito

🎪 Improvável – Cia Barbixas
Data: 11/10 (18h30 e 21h), 12/10 (20h)
Local: Teatro RioMar
Preço: A partir de R$ 60

🎭 As Bruxas de Salem
Data: 15 e 16/10 (19h)
Local: Teatro Apolo
Preço: R$ 60 (inteira), R$ 30 (meia), R$ 40 (meia social + 1kg alimento)
Info: @anthonydelarte, @cobogodasartes

🔞 Imorais
Data: 15 e 16/10 (20h)
Local: Teatro Hermilo Borba Filho
Preço: R$ 40 (inteira) e R$ 20 (meia)
Ingressos: Sympla ou Pix: bandodenada@gmail.com

🩰 Grupo Corpo – Parabelo e Piracema
Data: 17/10 (19h), 18/10 (20h)
Local: Teatro Santa Isabel
Preço: Gratuito (retirada 1h antes + 1kg alimento)

Sonho Encantado de Cordel
Data: 25/10 (17h), 26/10 (15h e 17h)
Local: Teatro Luiz Mendonça
Info: @sonhoencantadodecordel

🎪 Festival de Circo do Brasil
Vermelho, Branco e Preto: 5 e 6/11 (19h30) – Teatro Apolo
O Vazio é Cheio de Coisa: 6/11 (20h) – Teatro de Santa Isabel
Le Bruit des Pierres: 8/11 (20h), 9/11 (18h) – Teatro de Santa Isabel

🌟 Sagração – Cia Deborah Colker
Local: Teatro Guararapes
Data: 07/10, 20h30
Preço: R$ 25 a R$ 250

🎨 FETEAG
Data: 9 a 26/10
Locais: Diversos teatros em Caruaru e Recife
Preço: Gratuito (ingressos no Sympla)
Info: www.feteag.com.br | @feteag

Informações gerais: Sympla e bilheterias dos teatros.

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Teatro que ousa nomear o inominável
Crítica: Um Depoimento Real

José Neto Barbosa. Foto: Ivana Moura

O abuso infantil, esse assunto perverso só de pensar, constitui uma ferida social que insiste em sangrar no silêncio. Essa violência encontra terreno fértil na negação coletiva, no olhar que se desvia, na palavra que não se pronuncia. É preciso reconhecer nessa barbárie a mais cruel das traições: a quebra do pacto de proteção à infância, daquilo que deveria ser inviolável na condição humana, o compromisso ético fundamental de uma geração com a seguinte. Essa violência não escolhe endereços – ela se instala tanto nos casarões quanto nos apartamentos de classe média e nas favelas, atravessa todas as geografias humanas e deixa rastros que se estendem por gerações inteiras. Diante dessa realidade, questiono-me sobre o papel que nós, como sociedade, desempenhamos nesse silenciamento.

Diante da magnitude desse silenciamento, surge a urgência de encontrar linguagens capazes de romper com a omissão coletiva. As três apresentações do espetáculo em andamento Um Depoimento Real realizadas no Recife, no formato de abertura de processo, revelam dimensões inesperadas sobre como as artes cênicas podem enfrentar temáticas tão delicadas. Tratando-se de uma abertura de processo, o trabalho está destinado a ganhar outras dimensões e aprofundamentos em suas próximas etapas de desenvolvimento.

A proposta dramatúrgica de Paola Traczuk, concretizada na direção de Monina Bonelli e na interpretação de José Neto Barbosa, configura uma aliança artística que se recusa a oferecer respostas ligeiras ou consolações fáceis. O texto original Los Titanes – título que, para mim, carrega em espanhol uma força épica e irônica muito mais impactante que sua versão em português – apresenta um menino de oito anos que parece estar numa sala à espera da psicóloga ou da mãe e conversa com seu cão Titã, elevando-o àquela categoria mágica de companheiros que a infância cria: seres que habitam a fronteira entre o real e o imaginário, depositários de nossa mais absoluta confiança, guardiões dos segredos que nem sempre conseguimos nomear. 

Na dramaturgia, o menino cita “os caras” das mitologias grega e romana – aqueles que comem os filhos, Cronos numa tradição, Saturno em outra. A encenação explora deliberadamente alguma confusão conceitual da criança, que mistura referências mitológicas com narrativas contemporâneas dos jogos, gibis, livros, séries e filmes. Traczuk utiliza essa estratégia dramatúrgica para revelar como a criança tenta dar sentido ao incompreensível através das ferramentas culturais fragmentárias que possui, criando uma linguagem híbrida e truncada para nomear o horror que não deveria existir em seu universo. O teatro aqui convoca a própria condição infantil diante do trauma: a busca desesperada por referências que ajudem a processar o improcessável.

José Neto Barbosa constrói uma atuação calcada na delicadeza. Permanecendo a maior parte do tempo sentado, o ator utiliza microfone para ecoar a intimidade de uma conversa entre criança e seu confidente animal. Do seu lado esquerdo, um cavalete sustenta folhas de papel que são viradas conforme o desenvolvimento da narrativa, numa gestualidade que remete tanto ao ambiente escolar quanto ao consultório psicológico. O ator assume múltiplas funções técnicas, controlando ele mesmo a luz e o som, numa escolha que intensifica a solidão da criança e a autonomia precária que ela precisa desenvolver. O cachorro caramelo permanece embaixo da mesa, presença silenciosa que, segundo indicações da direção, será mais acessada e desenvolvida nas próximas etapas do processo.

A direção é da argentina Monina Bonelli. Foto: Ivana Moura

A direção de Monina Bonelli provoca regiões sensíveis para acessar a inocência sem perder a maturidade reflexiva que o tema exige. Sob sua orientação, Barbosa evita a armadilha da infantilização caricatural, emprestando elementos genuínos do universo infantil – gestos, ritmos, descobertas linguísticas – sem cair no estereótipo piegas. Essa escolha interpretativa confere autoridade ética à narrativa: não é um adulto simulando ser criança, mas um artista que compreende as camadas de complexidade necessárias para expressar aqueles que foram silenciados. Bonelli orquestra uma encenação onde cada elemento técnico – desde o posicionamento do ator até o controle autônomo de luz e som – serve à narrativa central: a solidão de uma criança que precisa encontrar suas próprias estratégias de sobrevivência.

Interessante notar que a encenação escolheu transformar o golden retriever do texto original num vira-lata caramelo – escolha que, por si só, carrega simbolismo social e afetivo específico do contexto brasileiro. O cão representa o confidente ideal: aquele que escuta sem julgar, que oferece presença sem exigir explicações, que aceita a criança exatamente como ela é, sem a performance social que os adultos frequentemente demandam.

Essa atenção aos detalhes simbólicos revela como as criações artísticas se enriquecem quando conseguem traduzir questões universais através de linguagens locais específicas. A dramaturgia de Los Titanes foi desenvolvida dentro do projeto Bombón Gesell, curado por Monina Bonelli, diretora do Teatro Bombón de Buenos Aires. Em 2022, durante o Festival Reside de Paula de Renor e Celso Curi, foi realizada uma leitura do texto com José Neto Barbosa, momento em que Monina se tornou parceira do Festival Reside. O projeto Bombón Gesell propõe uma reflexão profunda sobre os dispositivos de observação na sociedade contemporânea, utilizando a câmara de Gesell – espaço usado na psicologia para observação clínica através de vidro unidirecional – tanto como metáfora quanto como estrutura dramatúrgica.

Bonelli compreende que vivemos numa sociedade de vigilância constante, onde somos simultaneamente observadores e observados, numa dinâmica que ecoa os mecanismos de poder que permitem e perpetuam violências como o abuso infantil. Sua trajetória no Teatro Bombón, iniciada em 2014, consolidou uma metodologia de criação que privilegia espaços não convencionais e temáticas socialmente urgentes, desenvolvendo uma estética da proximidade perigosa – aquela que nos coloca face a face com aquilo que preferíamos manter distante.

A experiência da primeira apresentação revelou algo extraordinário sobre o poder transformador do teatro: o clima de confiança estabelecido foi tamanho que algumas pessoas da plateia compartilharam seus próprios traumas de infância durante o debate. Esse fenômeno demonstra como o teatro pode funcionar como espaço de elaboração coletiva, onde traumas individuais encontram possibilidade de partilha através da experiência compartilhada. A presença da psicóloga mediando esses momentos não é apenas protocolo de segurança, mas reconhecimento de que abordar o abuso infantil através da arte exige responsabilidade clínica e ética.

A colaboração entre Bonelli e a S.E.M. Cia. de Teatro concretiza um projeto de circulação que potencializa o alcance social da obra. Enquanto a companhia brasileira, com seus 13 anos de arte militante, oferece conhecimento sobre o público nacional, Bonelli contribui com metodologia de criação e reflexão teórica desenvolvidas em mais de uma década de experimentos cênicos. Essa colaboração se configura como resistência estética contra a globalização do silêncio sobre violências estruturais.

A dramaturgia de Los Titanes funciona através de uma poética da sugestão onde o horror se insinua sem se explicitar. Traczuk constrói uma narrativa que se desenvolve em múltiplas camadas: algumas acessíveis ao público geral, outras que se revelam apenas para aqueles que conhecem intimamente a realidade do abuso. Essa arquitetura textual permite que a peça dialogue simultaneamente com diferentes públicos, criando conexões empáticas sem explorar voyeuristicamente a dor alheia. A escolha de um cachorro como confidente da criança oferece algumas dicas: numa sociedade onde adultos falharam em oferecer proteção, onde instituições se mostraram omissas e onde o silêncio se tornou regra, o animal pode manter a pureza da escuta incondicional.

Um Depoimento Real nos convida a pensar sobre aquilo que a filosofia crítica já apontou: a necessidade de reconhecer as contradições sociais, sem acreditar em reconciliações que apaziguem prematuramente nossa consciência. O espetáculo se recusa a oferecer catarse consoladora ou final redentor, exibindo as feridas abertas que a sociedade produz. Essa escolha estética e ética aposta que arte verdadeiramente crítica deve resistir à tentação de transformar o horror em espetáculo consumível. A peça mantém as tensões irresolvidas – a inocência violentada, o silêncio cúmplice, as instituições falhas –, recusando-se a domesticar o trauma em narrativas que tranquilizem a audiência.

A necessidade da arte não se fundamenta em alguma capacidade de curar, conceito que pode soar ingênuo, mas em sua potência de despertar consciências adormecidas pela naturalização da barbárie. O teatro, neste caso, não promete cura, mas oferece algo valioso: a possibilidade de romper o silêncio que protege os algozes e abandona as vítimas. A arte se torna, assim, não consolação, mas inquietação necessária – uma força que mantém as feridas abertas para que não se esqueçam, para que não se naturalizem, para que as contradições da sociedade permaneçam visíveis e incontornáveis.

 

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